平井堅さんの歌い方は、「高音をきれいな裏声で出す歌手」と説明されがちです。
けれども、それだけでは低く太い一言から、空気のような高音へ移っても同じ人の声だと分かる理由を説明できません。
面白いのは、デビュー当時の平井さんが、現在とは反対にファルセットをほとんど使わず、大きな声で張る歌い方だったと証言されていることです。
2000年の「楽園」前後から、声を意識的にやわらかくし、裏声とフェイクを増やしました。
つまり、現在の歌声は生まれつき一色の「裏声」ではありません。
低い地声、息を含む高音、芯のある高音、語る声を曲の中で着替えながら、それらを同じ人物の感情としてつなぐ歌い方です。
平井堅の高音を「全部裏声」と決めると大事なものを見落とす
平井堅さんの高音については、解説する人によって呼び方が分かれます。
ファルセットを中心にしているという説明もあれば、地声の成分を残したミックスボイスだという説明、十分に薄くした地声だという説明もあります。
これは誰か一人が間違っているというより、平井さんが一曲の中で声の状態を細かく変えるためです。
息が多く、触れれば消えそうな音もあれば、小さな音量なのに言葉の輪郭が残る高音もあります。
初心者には、声区の名前より「どのくらい息が混じるか」「音量を落としても言葉が残るか」を見る方が分かりやすいでしょう。
同じ高さでも、曲の人物や場面に合わせて声の密度を変えているため、ひとつの名称では収まりません。
ミックスボイスと裏声の違いを先に知っておくと、声を二択で判断しなくてよい理由がつかみやすくなります。
デビュー時の声は、むしろ高音までまっすぐ押し出していた
現在の印象からは意外ですが、オーディションからデビュー期を知る伴奏者は、当時の平井さんを「ファルセットを出さず、張る歌い方だった」と振り返っています。
音程と声量の強さは最初から高く評価されていた一方、声の色を大きく変える現在のスタイルはまだ前面に出ていませんでした。
この事実は、平井さんの歌唱を考えるうえで重要です。
彼は弱い地声を裏声で補った歌手ではなく、強く歌える人が、あえて力を抜く方向へ技術を広げた歌手だからです。
「Precious Junk」や「Love Love Love」の初期像には、後年よりも声を前へ押し出し、歌唱力そのものを旗印にする意識がありました。
しかし、うまく歌えることと、聞いた瞬間に平井堅だと分かることは同じではありません。
「楽園」で増えたのは裏声ではなく、声の遠近感だった
転機となった「楽園」では、歌い方をソフトにし、ファルセットとフェイクを意識的に増やしたことが伝えられています。
フェイクとは、元の旋律を崩すのではなく、語尾や音の動きを少し変えて、その場で生まれた感情のように聞かせる表現です。
高音をすべて強く出す歌では、感情はいつも手前にあります。
声を薄くしたり、言葉の終わりを遠くへ逃がしたりすると、同じ歌手の中に近い声と遠い声が生まれます。
平井さんの高音が切なく聞こえるのは、単純に息が多いからではありません。
太い低音で現実を語った直後に、手の届かない場所へファルセットを置くため、一人の声の中に距離ができます。
この遠近感が「楽園」以後の土台になりました。
裏声は最高音を逃げる場所ではなく、歌の人物が本音から少し離れるための演技になっています。
地声と裏声の境目を消すだけでなく、あえて見せる
一般的な高音練習では、地声から裏声への切り替わりを目立たなくすることが目標にされます。
平井さんにも、声質が急変せず滑らかにつながる場面は多くあります。
ところが、すべてを同じ色へ混ぜてはいません。
「POP STAR」の明るい声、「哀歌（エレジー）」の重い低音、「ノンフィクション」の乾いた語りでは、声が切り替わること自体が人物の表情になります。
なめらかにつなげられる人だからこそ、必要な場所では境目を演出として残せます。
俳優が同じ声量で全台詞を話さないように、平井さんは地声と裏声を隠す技術と、見せる技術の両方を使います。
声区融合の考え方は、境目を消すことだけが完成ではないと理解する助けになります。
フェイクが多いのに、歌が独りよがりにならない理由
R&Bの歌唱では、旋律を細かく動かすフェイクが歌手の見せ場になります。
増やしすぎれば、元の曲より歌い手の技巧が前へ出てしまいます。
平井さんの場合、フェイクは「うまさの追加」より、言葉を会話へ近づけるために使われます。
音を長く伸ばす代わりに少し揺らす、語尾を決め切らずに逃がす、次の言葉へ滑り込むといった動きが、整った旋律を生身の独白へ変えます。
そのため、装飾が多い曲でも、主人公が突然歌唱コンテストを始めたようには聞こえません。
フェイクの目的が音数を増やすことではなく、人物の迷いやためらいを残すことにあるからです。
「Ken's Bar」では声そのものが編曲になる
平井さんが1998年から続けてきた「Ken's Bar」は、豪華な音響で歌を覆うライブではありません。
ピアノやギターを中心に、少ない楽器でオリジナル曲とカバー曲を歌います。
伴奏が少ないと、低音から裏声へ移る瞬間、息を止める場所、言葉を早めたり遅らせたりする動きが隠れません。
同時に、歌手が声色を変えなければ、曲ごとの景色も変わりにくくなります。
ここで生きるのが、低い話し声のような音、透明なファルセット、強いサビ、ユーモラスな明るい声という引き出しです。
楽器が減った分を大声で埋めるのではなく、声の色を変えることで編曲の一部を担います。
長く共演した演奏者が、打楽器のない初期公演では歌と伴奏だけでテンポを支える必要があったと振り返っている点も興味深いところです。
平井さんの歌唱は、音程と声区だけでなく、伴奏と一緒に時間を伸び縮みさせる感覚まで含んでいます。
平井堅らしさを知るなら、四曲の「別人ぶり」を比べたい
一曲だけで平井さんの発声を判断すると、バラード歌手かR&B歌手のどちらかに見えます。
むしろ、役柄の違う曲を並べると共通点が見えてきます。
「楽園」では、低い声から息を含む高音へ移る遠近感が中心です。
「POP STAR」では、声を明るく軽くし、男性R&B歌手という重い看板を自分で外します。
「哀歌（エレジー）」では、低音と粘りのある語尾を使い、きれいな高音だけでは届かない欲望を表します。
「ノンフィクション」では、楽器を減らした近い音像の中で、歌い上げるより言葉の痛みを残す方向へ進みました。
四曲は声色が大きく違いますが、言葉を一度きれいに整えてから、人物に合わせて崩す順番は共通しています。
平井堅の個性は特定の声色ではなく、声色を変えても歌の輪郭を失わないところにあります。
真似するなら息っぽさより、強く歌わない選択を見る
平井さんに近づこうとして、最初から息を大量に漏らすのはおすすめできません。
言葉が消え、音程が不安定になり、喉が乾くだけで終わりやすいからです。
参考にしやすいのは、サビだから必ず最大音量にしないことです。
低い声を太く、高い声を軽くするだけでも、曲の中に距離が生まれます。
もう一つは、フェイクを数で真似しないことです。
語尾を一度だけ離す、同じ言葉を二度目だけ弱くするなど、感情の変化が必要な場所に限る方が平井さんの考え方へ近づきます。
痛みや強いかすれが出る声を「R&Bらしい」と続けてはいけません。
不調が話し声にも残る場合は歌うのを休み、必要に応じて耳鼻咽喉科などへ相談してください。
平井堅の歌い方は、声を混ぜる技術より役を着替える技術
平井堅さんの高音は、全部が裏声でも、全部が地声でもありません。
強く歌える地声を土台に、ファルセット、息、フェイク、語る声を目的に応じて選びます。
「楽園」で起きた大きな変化は、高音が出るようになったことではなく、強い声を使わない選択を覚えたことでした。
その選択が、明るいポップス、暗い独白、童謡、カバーまで同じ歌手が成立させる幅につながっています。
平井堅の歌声を聞き分ける鍵は、最高音ではありません。
一曲の中で声の人物が何度着替わり、それでも一人の物語に聞こえるかです。
平井堅さんの歌唱変遷を追うと、この声の着替え方が「楽園」以後にどのように増え、30周年の「Ken's Bar」へ戻ってきたのかが分かります。
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