谷山紀章さんの高音は、ただ音程が高くて声量が大きいだけではありません。
一つのフレーズの中で、挑発する声、追い詰められた声、客席をあおる声が次々に現れます。
その理由を最もよく表すのが、本人が長く掲げている「歌うようにしゃべり、しゃべるように歌う」という考え方です。
声優の仕事とGRANRODEOの歌は、別々の技術ではなく、互いに表現を増やす関係にあります。
興味深いのは、本人が理想としてきた歌声と、実際に求められてきた歌が少しずれていることです。
本来は、しゃがれた色気を持つ歌手への憧れがありながら、GRANRODEOでは年を追うごとに高いキーの曲が増えていきました。
そのずれを埋める過程で、高音を一本の強い声として見せるだけでなく、言葉ごとに人物を変える歌い方が磨かれたのでしょう。
谷山さんの歌を面白くしているのは、声の高さより、高音の中で何役も演じ分けられることです。
高音の前に「誰が何を言うのか」がある
声優の歌には、台詞が上手い人ならではの発音が表れることがあります。
谷山さんの場合は、きれいに言葉を読めるという水準を越え、歌詞の一行ごとに話し手の態度まで変わります。
強い子音で押し出す言葉もあれば、母音を長く残して余裕を見せる言葉もあります。
同じ高さでも、怒り、色気、焦り、冗談のどれを乗せるかによって、声の入口が変わるのです。
本人は、歌を続けたことで台詞回しが増え、声優だからこそ演劇的な歌い方もできるようになったと振り返っています。
ここでは発声と演技に順番がありません。
まず正しい音を作り、後から感情を貼り付けるのではなく、人物がその言葉を発する勢いから音が立ち上がります。
そのため高音が「練習の成果を披露する場所」ではなく、物語の温度が最も上がる場所に聞こえます。
「地声かミックスか」だけでは説明が割れる
谷山さんの歌声を扱う第三者の分析では、乾いた男性的な声、前方へ集まる響き、意図的な歪み、地声感の強い高音などが挙げられています。
一方で、どの響きを中心と見るか、どの声区名を使うかは説明が一致していません。
これは分析がすべて間違っているという意味ではありません。
声が高くなるたびに同じ方法へ切り替えているのではなく、曲、母音、音量、役柄によって聞こえ方が動くため、一つの名称へ閉じ込めにくいのです。
たとえば、鋭い高音が地声のように聞こえても、低音とまったく同じ重さで押し上げているとは限りません。
逆に、音色が軽くなっただけで、すべてを弱い裏声と決めることもできません。
ミックスボイスと地声の違いを考える時も、名称より、音量を落としても声の芯が残るか、母音が変わっても急に別人の声にならないかを見る方が実用的です。
谷山さんの高音には、強い地声感を保つ場面と、軽さを使って上へ抜ける場面が同居しています。
一曲の中で役割が変わるからこそ、専門用語一語より「その言葉を誰に届ける声か」が重要になります。
GRANRODEOのキーが上がるほど、演技が声を支えた
GRANRODEOの楽曲は、活動を重ねるうちにキーが高くなっていったと本人が語っています。
高い音が増えれば、普通は音を当てることだけで精いっぱいになり、言葉の表情は薄くなりがちです。
ところが谷山さんの場合、声優として培った言葉の設計が、高音を単調にしない助けになりました。
一音を長く伸ばす場面でも、入り口、途中、語尾を同じ表情のまま保たず、言葉の意味を前へ進められます。
「Can Do」のような疾走感のある曲では、言葉を一つずつ重く置くと伴奏へ遅れてしまいます。
反対に、勢いだけで子音を流せば、歌詞がただの音になります。
そこで生きるのが、台詞のように強調する語と、助走として素早く通る語の分担です。
全部を最大音量で歌わず、聞かせたい言葉が現れる直前に余白を作るため、サビの高音が物語の決め台詞になります。
宮野真守さんの歌い方も役を作る声が中心ですが、宮野さんが大声からささやきまで舞台を広く使うのに対し、谷山さんはロックの強い帯域の中で人物の態度を細かく変える面白さがあります。
低い歌の方が難しかったという逆説
2024年の初ソロアルバム「深夜零時」は、GRANRODEOでは出しにくい大人のポップスを歌う企画でした。
高音の看板をさらに押し広げるのではなく、R&B、ソウル、ファンクの要素を含む曲で、声の癖を引き算する必要がありました。
本人によれば、普段より低い位置のフレーズには、半音か一音高ければ楽に歌えると感じる場所さえありました。
高音歌手だから低い音は簡単、とは限らないことが分かります。
長年使ってきた気持ちよい高さから外れると、勢いで声を前へ運べません。
母音の発音、ビブラート、音量の変化を細かく調整しなければ、曲が要求する落ち着きが出ないからです。
この経験は、GRANRODEOの高音にも別の意味を与えました。
高い声を出せることが武器なのではなく、高く歌わない時にも自分の声を成立させられるから、高音へ戻った瞬間の解放感が大きくなります。
「いつもの癖を封印する」ことで見えた歌の芯
ソロ曲の中には、これまで生理的に気持ちよい歌い方を優先してきた本人が、いつもの癖を封印して引き算で向き合った曲があります。
この告白は、谷山さんの発声を考えるうえで重要です。
強い高音、語尾の崩し、しゃくり、歪みは、生まれつき自動で出る印ではありません。
長く使ってきたため身体になじんだ選択であり、必要なら外すこともできる表現です。
個人の歌唱分析には、谷山さんらしさを乾いた声や喉の粗さへ求める見方もあります。
ただし、表面のざらつきだけを真似すると、本人が意図的に使い分けているものを常時出し続けることになります。
歪みが魅力的なのは、澄んだ声へ戻れる場所があるからです。
癖を外したソロを経験したことで、GRANRODEOの荒々しさも、避けられない癖ではなく選び直せる色になりました。
代表曲では同じ高音が別の人物になる
初期の「慟哭ノ雨」では、重いギターの中で、言葉が感情の限界へ追い込まれていきます。
高音は勝利の合図ではなく、耐えていた人物がついに声をあふれさせる場面です。
「Can Do」では、同じ強さが前向きな号令へ変わります。
音の高さ以上に、短い言葉を連続して投げる速さと、サビで客席全体へ向きを変える切り替えが印象を作ります。
「TRASH CANDY」では、正統派の熱さより、やさぐれた態度や危うさが前へ出ます。
強い声をきれいに磨き切らず、人物の癖を残すことで、ロックの乱暴さを演技へ変えています。
そして「Every Single Night」では、GRANRODEOの硬いギターから少し離れ、低めの音域と柔らかいリズムの中で色気を組み立てました。
曲が変われば、谷山さんらしさを示す場所も高音の頂点から言葉の間へ移ります。
四曲を並べると、同じハイトーンを繰り返しているのではないことが分かります。
声の強さは共通していても、その声が演じる人物は毎回違います。
真似するなら、歪みより「決め台詞の前」を聞く
谷山紀章さんらしく歌おうとして、最初から高音を大きく張ったり、語尾を荒らしたりする必要はありません。
長年の経験を前提にした歪みやシャウトは、短い練習で安全に再現できる技術ではないからです。
参考にしやすいのは、決め台詞の直前です。
どの言葉を軽く通し、どこで急に人物の顔を見せ、語尾をどこまで残すかを追うと、強い一音が成立する準備が見えてきます。
遠藤正明さんの発声と比べると、同じロックの太い高音でも違いが分かります。
遠藤さんが言葉を大きな柱として立てる歌なら、谷山さんは同じ柱へ芝居の表情を刻む歌です。
痛み、強いかすれ、翌日まで続く話し声の異常は、演技の迫力ではありません。
高音で喉が痛くなる原因も確認し、声の粗さより、普段の話し声へ無理なく戻れることを優先してください。
谷山紀章さんの高音が芝居のように響く理由は、声優と歌手を切り離さず、言葉の中で互いの技術を育ててきたからです。
地声かミックスボイスかという名称だけでは、挑発、焦り、色気、解放が一曲の中で入れ替わる面白さを説明できません。
高い声はゴールではなく、人物が最も強く言葉を発する場面です。
その考え方があるため、GRANRODEOのハイトーンは音域の記録ではなく、何度聞いても新しい役が現れる歌になっています。
谷山紀章さんの歌声の変遷では、声優としての助走、GRANRODEO結成、黒子のバスケ、初ソロ、20周年を通して、同じ核のまま表現の幅がどう広がったのかを追っています。
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