藤原基央さんの歌声は、BUMP OF CHICKENの初期と現在でかなり印象が違います。
昔は荒く、声を絞り出すように聞こえ、現在は驚くほど滑らかです。
ただし、この変化を「歌が上手くなって、声がきれいになった」とまとめるだけでは、30年近い歩みの核心へ届きません。
初期の荒さには、今すぐ曲を届けなければならない切迫感がありました。
経験を重ねるにつれて、その強さを喉や音量へ集める必要がなくなります。
さらにライブで聴き手と会い続けたことで、歌は一方的に投げるものから、受け取った反応を次の曲へ持ち帰るものへ変わりました。
同じ「天体観測」を現在の声で録り直した2022年版は、この違いを考える格好の入口です。
若い声を再現するのではなく、現在の藤原さんが、昔の歌ともう一度関係を結び直しています。
1999～2004年は、声より先に「届けたい渇き」が走っていた
インディーズ期から『FLAME VEIN』『THE LIVING DEAD』『jupiter』『ユグドラシル』へ進む初期の歌には、追い立てられるような勢いがあります。
言葉の数が多い場面でも整然と並べず、声のざらつきや息の乱れまで、曲の切迫感へ変えていました。
この時期を、発声が完成していなかった時代と見ることはできます。
実際、藤原さんは初期の録音を終えた直後にも、次に録ればもっと良くできると感じ、音がどう鳴るのかを学び続けていました。
しかし、未完成だったから荒い声になったという順番ではありません。
技術が整うまで待てないほど、目の前の曲を誰かへ渡したかったことが先にあります。
「天体観測」の声が現在より硬く、鋭く聞こえるのも、その時の藤原さんにとって必要な距離だったからでしょう。
聴き手の隣で静かに語るというより、見失いそうな相手へ、言葉をつかんだまま走っていく声です。
荒さの奥には、現在まで変わらない近さもありました。
大観衆を支配するロックボーカルというより、マイクのすぐ向こうにいる一人へ話すような声が、すでに初期作品の中心にあります。
2005～2011年は、荒さを捨てずに言葉の余白を増やした
『orbital period』から『COSMONAUT』へ向かう頃、声の変化は急な境目ではなく、ゆっくり表れます。
ファンの間でも、変わり始めた時期を『COSMONAUT』と見る人もいれば、もっと後だと感じる人もいます。
その意見が割れるのは自然です。
低い音の陰影や高音のざらつきは残る一方、すべての言葉へ同じ力で食らいつく場面が減り、フレーズの中に空間が増えたからです。
「花の名」のような曲では、強い言葉を大声へ変換しません。
声を少し引き、母音の終わりを急がずに置くことで、聴き手が自分の記憶を入れられる余白を作ります。
録音に慣れたことは、音を整える技術が増えたというだけではありません。
自分の足りない部分と向き合い、感情がどのように音へ入るのかを確かめる時間が増えました。
初期には声の荒さが感情の証明になっていたのに対し、この時期からは、荒らさずに残した一音も感情として使えるようになります。
声が穏やかになったというより、強さを置ける場所が増えたのです。
2012～2019年は、声が明るく開き、広い会場でも一対一を保った
2010年代に入ると、藤原さんの声は以前より滑らかで、明るく聞こえる場面が増えます。
高音の鋭さが消えたわけではありませんが、喉を削るような質感だけに頼らず、軽さと伸びを選べるようになりました。
『RAY』や『Butterflies』では、電子的な音や大きく開けたサウンドの中へ歌が入ります。
初期と同じ荒さを保っていたら、声だけが音像から浮いていたかもしれません。
ここで歌は、近さを失わずにスケールを広げます。
会場が大きくなっても「全員を一つの塊として煽る声」へ変わらず、一人へ向けた言葉が人数分存在する形を守りました。
ライブでは、客席から返ってくる歌声も藤原さんへ届きます。
曲を一方向に届けて終わるのではなく、自分たちの歌が他人の時間を通り、別の声になって戻ってくる経験です。
この往復が増えるほど、歌唱の強さは切迫感だけではなくなります。
急いで相手をつかまえなくても、同じ曲を介して会えるという信頼が、現在の滑らかさを支えるようになります。
2022年の「天体観測」は、昔の自分への勝ち直しではない
2022年に録り直された「天体観測」を、原曲より上手く歌えた証明として比べることもできます。
音程の安定や声の滑らかさだけを見れば、長い経験が反映されているからです。
それでも、この再録音の面白さは、昔の欠点を修正したことだけにありません。
20年以上歌われ、聴き手それぞれの記憶を持つ曲へ、現在の声で入り直した点にあります。
原曲の切迫感をそっくり再現すれば、懐かしさは強くなったかもしれません。
藤原さんはそうせず、荒さを無理に若返らせないまま、今の呼吸と今の距離で歌っています。
その結果、二つの「天体観測」は優劣ではなくなりました。
片方は曲を世の中へ押し出した時の声で、もう片方は長く受け取られた曲と再会した声です。
2020年代は、歌が「作品」から「会う場所」へ広がった
近年の藤原さんは、ツアーを単に完成した曲を披露する場所とは考えていません。
自分たちの音楽を受け取った人と実際に会い、その一人ひとりから受けたものを次の制作へ持ち帰っています。
この関係は『Iris』へつながる曲にも表れました。
ライブで言葉のない声を客席と重ねた経験が、スタジオへ戻った後の歌へ入り、作品と公演の境界を薄くしています。
初期は、胸の中にある曲を一刻も早く外へ出すために歌っていました。
現在は、外へ出した曲が誰かの中でどう生きたのかを受け取り、その続きをまた歌へ戻しています。
声が滑らかになった最大の理由を、喉の使い方だけから断定することはできません。
ただ、聴き手との関係が変われば、歌う時に必要な強さも変わります。
叫ばなければ届かないという切迫感から、静かに置いても受け取ってもらえるという信頼へ。
その変化が、現在の藤原さんの声を初期より柔らかく、同時に深く聞かせています。
変わったのは声質だけでなく、歌の中で待てる時間
初期の藤原基央さんは、言葉を抱えたまま走るように歌っていました。
荒さ、かすれ、鋭い高音は、その速度を隠さず音へ残すために必要でした。
中期には、声を強くしない場所にも感情を置けるようになります。
さらに2010年代のライブを重ね、曲を渡した相手から歌を受け取る経験が増えると、一対一の距離を保ったまま、大きな場所で歌えるようになりました。
現在の滑らかさは、昔より何も感じなくなった結果ではありません。
相手が受け取る時間を信じ、声の中で待てるようになった変化です。
今の高音、声の芯、近くに聞こえる理由は、藤原基央の歌い方・発声分析で詳しく整理しています。
藤原基央の歌唱の変遷は、荒さを失った物語ではない
藤原基央さんの歌声は、初期の荒い声から現在のきれいな声へ、一直線に進歩したわけではありません。
歌を届けたい切迫感があり、録音のたびに音を学び、ライブで一人ひとりと会う中で、同じ強さを別の形へ置けるようになりました。
昔の声には、その時しか出せなかった速さがあります。
現在の声には、長く受け取られてきた曲と、もう一度落ち着いて向き合える時間があります。
どちらも、藤原さんが曲を誰かへ渡すために選んだ声です。
変わったのは歌への真剣さではなく、その真剣さを荒さだけに背負わせなくなったことです。
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