ASKAさんの高音は、鼻にかかった響きや深いビブラートで説明されることが多い歌声です。
しかし、本人が明かした発声の転機は、よく練られたトレーニング計画から生まれたものではありません。
ツアー中に風邪をひき、喉をかばいながらリハーサルをしていた時でした。
それまで力を込めなければ届かなかった高さが、突然いつもより楽に出たといいます。
忘れてしまうのが怖くて、本番まで声を出し続け、夜中にも何度も起きて確かめた。
この一夜の話を知ると、ASKAさんの高音は「強い声で押し切る歌」ではなく、強さを残したまま別の通り道を見つけた歌として見えてきます。
風邪をひいたリハーサルで、高音の出し方が突然変わった
デビュー後しばらくのASKAさんは、ステージごとに自分の歌い方を探していたと振り返っています。
現在のような発声が最初から完成していたわけではありません。
転機となったリハーサルでは、喉の状態が悪いぶん、いつもの出し方をそのまま使えませんでした。
そこで偶然、本人の感覚では普段より二音ほど高いところまで楽に届き、ライブ後の消耗も少ない発声が現れます。
大事なのは、風邪が発声を上達させたという話ではないことです。
体調不良のまま歌うことは危険であり、再現しようとするものではありません。
興味深いのは、声を守ろうとした時に、それまでの力の使い方が崩れた点です。
高音へ向かうほど力を増やす一本道から外れた瞬間、音域と声の強さを両立できる感覚が見つかりました。
本人はその発声を、後に「ミックスボイス」と呼ばれるようになったものだと説明しています。
当時は言葉自体が一般的ではなく、周囲の歌手から方法を聞かれても、うまく言語化できなかったそうです。
「女性の悲鳴で歌う」は、ASKA本人にも説明しきれなかった比喩
質問されたASKAさんが絞り出した説明は、女性が「キャー」と悲鳴を上げる声で歌うような感覚でした。
印象に残る言葉ですが、これをそのまま発声手順として受け取るのは危険です。
本人自身、偶然できたため詳しく説明できなかったと書いています。
喉を締めて叫べばよいという意味ではありません。
そもそもミックスボイスは、流派や指導者によって指す範囲が異なります。
地声と裏声の境目を目立たせない状態を広く呼ぶ場合もあれば、地声らしい強さを残した中高音だけを指す場合もあります。
ASKAさんの言葉から確実に分かるのは、以前ならシャウトが必要だった高さを、強い音色のまま少ない消耗で歌えるようになったことです。
外から声帯の動きを断定するより、この本人の前後比較を出発点にした方が歌声の核心へ近づけます。
ミックスボイスの基本と見分け方を考える際も、「地声か裏声か」の二択だけで決めないことが大切です。
同じ歌手でも、音の高さ、音量、母音、曲の感情によって配分は変わります。
ASKAらしさは、高音の高さより「強い声を急にほどく瞬間」にある
複数の発声分析では、ASKAさんの歌声を、芯の強い中高音と鼻の奥へ集まるような響きの組み合わせとして捉えています。
一方、バラードでは低い音や語尾を囁くように弱め、声の密度を大きく変えるという見方も共通しています。
つまり、ASKAさんらしさは一種類の太い声を出し続けることではありません。
強く伸びる声があるからこそ、その直前や直後に置かれる小さな声が深く聞こえます。
ASKAさんらしさとして語られやすいのが、母音と「ん」の音が濃く残ること、語尾が次の言葉まで引っ張るように揺れることです。
別の分析では、細かさと深さを併せ持つビブラートや、フレーズを少しためる時間の使い方が特徴として挙げられました。
これらは別々の癖に見えますが、働きは似ています。
言葉を一拍で終わらせず、母音、揺れ、ためによって感情を次の音へ持ち越しているのです。
ASKAさんの歌を「粘る高音」と感じる理由は、音を長く伸ばすからだけではありません。
声の強さと時間の両方を途中で変え、一つの母音の中にも物語を作るためです。
「はじまりはいつも雨」と「YAH YAH YAH」は同じ喉の強さで歌っていない
代表曲を並べると、発声の仕組みより先に、声の使い分けが見えてきます。
「はじまりはいつも雨」では、最初から大声で聴き手をつかみません。
柔らかな声を残したまま言葉を運び、感情が高まる場所で声の芯を太くする構成です。
「SAY YES」は、静かな語りかけと、母音を長く残す高音の対比が大きい曲です。
強い声そのものより、そこへ入るまでに音量を使い切らないことがドラマを作ります。
反対に「YAH YAH YAH」では、押し出す力と集団で歌える直線的な勢いが前面へ出ます。
それでも全編を同じ最大音量にせず、短い言葉を切り、長く残す音を選ぶことで歌が平らになりません。
「PRIDE」のような曲では、力強さよりも言葉の間が重要になります。
同じ歌手の声でも、曲の役割に合わせて密度を変えられることが、ASKAさんの高音を単なる大声から遠ざけています。
高音の強さだけを参考にしたい場合は、表面の音量を真似すると喉を押し上げやすくなります。
高音の張り上げを見直す考え方と照らすと、ASKAさんの魅力が「最初から最後まで強い声」ではないことが分かりやすくなります。
鼻にかければASKAの声になるわけではない
ASKAさんの音色を真似しようとして、鼻へ声を押し込むと、言葉がこもるだけになりがちです。
鼻に響く印象と、鼻を塞いだような声は同じではありません。
本人は自分の声について、倍音成分が多いと表現したことがあります。
倍音とは、歌っている音程の上に重なって聞こえる細かな成分で、声の明るさや厚みに関わるものです。
ただし、倍音の量を自分で直接増減させる簡単なつまみはありません。
母音の形、声の強さ、マイクとの距離などが重なって、最終的な音色になります。
鼻腔共鳴と鼻声の違いでも整理しているように、参考にすべきなのは「鼻へ入れる動作」ではなく、言葉の明瞭さを失わず響きを保つ考え方です。
ASKAさんの場合は、そこへ深いビブラートと独特の時間感覚が加わります。
近年の歌声は、若さの再現ではなく長い経験の使い直し
2018年に本格的なステージ復帰を果たした後、ASKAさんは歌声について何度も現在地を語っています。
2019年には、高い音が出にくくなる一方で低い音は広がるため、使える音域全体は変わらないという考えを記しました。
2023年の公演では、自身の状態を「30代の頃の声帯みたい」と表現しました。
近年も、本人は若い頃に近い声の鳴りが戻ったという実感を話しています。
これは医学的に声帯が若返ったという意味ではなく、本人が感じる歌唱状態の比喩です。
ライブ評でも、若々しい迫力だけでなく、体の変化を技術で補う円熟味が同時に語られています。
長い活動の中で見つけた発声を、同じ形のまま保存しているのではありません。
低音の広がり、曲ごとの強弱、モニター環境の変化まで含め、いま使える声へ組み直しているのです。
初期から現在まで、どの時期に歌声の役割が変わったのかは、ASKAさんの歌唱変遷で年代順に整理しています。
現在の技術と歴史を分けて読むと、偶然の発見が90年代の代表曲だけでなく、その後の歌い続け方にもつながっていることが見えてきます。
まとめ
ASKAさんの歌い方を特徴づけるのは、鼻にかかった音色や深いビブラートだけではありません。
核にあるのは、力で押し上げていた高音から抜け出し、強い音色を残したまま消耗を減らす感覚を偶然つかんだことです。
その発見を本人はミックスボイスと呼びましたが、「女性の悲鳴」という説明はあくまで本人なりの比喩でした。
叫び方を真似するより、強い声と小さな声、伸ばす母音と切る言葉を使い分ける方が、ASKAさんの歌の面白さへ近づけます。
風邪のリハーサルで現れた一度きりの感覚を、夜中に起きてまで確かめた。
その執念によって、偶然は技術へ変わりました。
ASKAさんの高音が長く記憶に残るのは、単に高いからではありません。
一つの音の中で強さと時間を動かし、次の言葉まで感情を途切れさせないからです。
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