不破湊の歌い方｜吐息とリズム、曲ごとに変える声の表情

『Persona』では、「Violet!?」の吐息やリズム、「エンデバー」の高域や強い声といった、曲ごとの歌唱の選択を知ることができる。
制作に関わった人の言葉を手がかりに、その違いを見ていこう。

不破湊「Violet!?」（2024年）のMV。

「Violet!?」の吐息と、跳ねるリズム

Billboard JAPANの対談で、なとりは「Violet!?」の収録時、吐息の成分を多めに聴きたいと伝え、不破がその要望に歌で応えたと説明している。
声に息を含ませること自体が、この曲の歌唱を考える大切な要素だった。

さらに、グルーヴを出すため、リズムを少し跳ねさせてほしいという指示もあった。
息の混ざり方と、言葉をリズムへどう乗せるか。
この二つを手がかりに聴くと、制作時に求められた表情を追いやすい。
甘い声という印象の中にも、声そのものの質感と、音に対して言葉を置くタイミングという、異なる工夫が含まれている。

メロディーにも、自分が納得できる形を求める

歌声の表情は、渡された曲をどう歌うかだけで決まるものではない。
ANYCOLOR MAGAZINEで制作担当者が振り返った「Mr.Sweetest」の制作には、歌う前の段階から不破が関わる様子も残されている。
サビのメロディーについて、本人が納得できるまで調整を求めたという話だ。

これは、不破が細部まで自分で作曲したという意味ではない。
制作側とのやり取りを通じ、自分が歌として引き受けられる形を探したということである。
吐息やリズムの指示に応える一方で、メロディーには自分から意見を返す。
受け取るだけでなく、歌い手の感触を制作へ戻す姿勢が見える。

低い声を、ゆったりした曲の魅力につなげる

強い高音だけを取り上げると、不破の歌の一面を見落としやすい。
2024年の初ソロライブを伝えたPANORAは、「ミラージュ」や「ド屑」での低く甘い声に注目している。
落ち着いたテンポの曲では、勢いを増すこととは別の方法で、歌の雰囲気を作っていたと受け取れる。

同じ公演には、「フライデー・ナイト」から「ド屑」「愛して愛して愛して」へ進む場面もあった。
恋愛の曲が続く中で、声を高く張り上げる瞬間だけを待つのでなく、低めの声でどんな空気を保つのかに耳を向けたい。
曲の速さが落ち着いているぶん、言葉を置く間や、次のフレーズへ進むまでの余韻にも注意を向けやすい。
これは音域の広さとは違う角度から、声の魅力を知る聴き方である。

バンドの音と組み合わさる歌声

4Gamerの同公演のレポートによると、ライブの「Violet!?」には、ギターやピアノのソロを含むアレンジが加えられていた。
録音での吐息やリズムの工夫を知ったうえで、舞台では声の周囲にどんな音が置かれるのかを考えると、曲の見え方も広がる。
歌の表情と、演奏が作る勢いは、別々に存在しているわけではない。

「HONEY」では、ギターを手に歌う姿が紹介されている。
同じレポートは、バンド「2時だとか」でもギターを担当する不破が、ホストとは違う表情を見せたと伝えている。
歌声に加え、楽器を持ってステージに立つ姿も、その人らしさを伝える要素になる。

「エンデバー」で生かした高域と強い表現

「エンデバー」の作詞・作曲・編曲を手がけたwotakuは、公式コメントで、不破の高域を堪能できる曲を目指したと説明している。
そのうえで、早口やデスボイスなど、多彩な表現を含む歌に仕上がったことにも触れている。

「Violet!?」の吐息に注目したあとで、こちらの曲では、言葉が続く速さや声の強い表情へ耳を向けてみたい。
同じアルバムにある二曲でも、声を生かすために選ばれた表現は異なっている。

不破湊「エンデバー」（2024年）のMV。

激しい声のあとに、しっとりした歌を置く

「エンデバー」で紹介された強い表現は、ほかの曲との対比からも考えられる。
電撃オンラインが伝えた2025年の活動6周年ライブでは、「UGLY」でのデスボイスと、終盤の「ハルカヒカリ」でのしっとりとした歌唱が、それぞれ取り上げられている。
一つのライブの中でも、荒々しい声だけで押し通す構成ではなかった。

強く響く声に驚いたあとで、落ち着いた曲では、どんな気持ちを残すのか。
その違いを追うと、激しさを一つの持ち味として使いながら、曲の終わり方や公演全体の流れも作っていることが分かる。
同じ声の大きさや粗さが、すべての曲に必要なわけではない。

なお、こうしたレポートの表現から、声を出す際の喉の使い方まで決めつけることはできない。
聴き比べでは、強い声が出るかどうかに加えて、その前後にどんな歌を置き、印象をどう変えるのかを見ておきたい。

共演者と並んだときに見える声の色

一人で歌う場面に加え、複数人の歌からも不破の声を考えられる。
2026年のVACHSSのライブを紹介したマイナビティーンズは、叶、加賀美ハヤト、不破による「asphyxia」に触れている。
透明感、力強さ、色気という異なる印象の声が合わさる場面として、不破の声も捉えていた。

ここでは、誰が最も高く、強く歌うかだけが聴きどころになるわけではない。
自分とは違う声の隣に置かれたとき、どんな質感が際立つのかにも面白さがある。
ソロ曲で感じた甘さが、共演では一つの色として曲に加わる、という見方ができる。

同じレポートは、不破のソロの「モニタリング」では、軽やかさと細かな表情の変化にも注目している。
共演の中で自分の色を添える場面と、一人で曲の表情を動かす場面。
両方を知ることで、低い声や強い声という分類だけでは収まらない歌の使い方が見えてくる。

自分の声を聴いて、曲ごとの歌い方を準備する

2024年のANYCOLOR MAGAZINEの対談で、不破は、以前より自分の歌声をきちんと聴き、曲ごとにどう歌うかを考えるようになったと話している。
Rayの取材でも、『Persona』の収録前には練習を重ね、納得できるまで準備したと語っていた。

Rayでは、ライブで客席から声が返ってくることへの喜びも語られている。
収録に向けて納得できるまで準備する時間と、舞台でその場の反応を受け取る時間。
どちらも歌を届ける過程に含まれている。
練習で形を整えることと、客席とのやり取りを楽しむことは、矛盾するものではない。

吐息の量も、リズムへの乗せ方も、曲の中でどんな声を届けるかにつながる。
作り手の求めるものを受け取り、自分の声で形にしていくところに、不破湊の歌い方を知る手がかりがある。

自分の個性に迷った頃からの歩みは、不破湊の歌唱変遷で振り返っている。

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