布袋寅泰の歌い方｜太い声で押す曲と、裏声まで柔らかく歌う曲

布袋寅泰の声を思い浮かべると、まず低く太い響きや、強いビートの中で言葉を押し出す姿が浮かぶかもしれません。
しかし、「ラストシーン」の歌唱では、柔らかな旋律を裏声まで丁寧につなぐ表現にも光が当たっています。
声の個性がはっきりしているからこそ、曲によって何を変えているのかが面白い歌い手です。

ギターを持って歌うとき、声はどのように音楽へ加わるのか。
速い曲、バラード、他の歌手と組む曲を通して、声の強さだけでは捉えきれない選択を見ていきます。

ギタリストの自分に、歌い手の自分が追いつく

布袋は、歌う自分がギターを弾く自分を追いかけているようだと説明しています。
速く強いビートとギターに対して、言葉や歌声にも、それに応じた速さや強さが必要になるからです。
ソロでは歌と楽器のやり取りを、一人の中で組み立てなければなりません。

本人は、弾きながら歌うことには、体力面でも呼吸の面でも大きな負担があると話しています。
それでも観客を前にすると、足を上げる動きまで自然に出てしまう。
歌に使う身体と、演奏しながら動く身体が、別々にあるわけではありません。
布袋の歌を考えるとき、声だけを切り離せない理由がここにあります。

「バンビーナ」では、言葉も踊る音楽の一部になる

「バンビーナ」は、ラップとロカビリーを結びつけた曲です。
2016年の公演でも、ひねりのある言葉と曲の展開、ホーンが加わったバンドの厚みが、踊れる音楽として評されました。
音程を長く伸ばして聴かせること以上に、言葉が曲の運動へ加わる面白さがあります。

だから、この曲で注目したいのは、単純に速く歌えるかだけではありません。
言葉が続く部分と、皆で覚えて口にできる曲の顔とが、一曲の中に置かれていることです。
長い旋律の美しさを聴くバラードとは、声に期待される働きが変わります。
歌とギターを別々の見せ場として捉えるより、どちらからも曲の勢いが生まれる、と考えると布袋の狙いが見えやすくなります。

2021年の「THE FIRST TAKE」では、この曲をバンドメンバーと一緒に披露しました。
1999年の原盤と同じ曲でも、一回の演奏に向き合う別の場面です。
音源を細かく整える作業と、歌と演奏をその場で進めることの違いも含めて、声の働きを確かめられる例になっています。

低い声の存在感を、ずっと同じ強さで使うわけではない

2016年のNHKホール公演では、少しこもりを帯びた低い声の伸びが、歌の魅力になっていました。
その一方、同じ公演の「ラストシーン」には、ブルースを感じさせる裏声の表現もありました。
太い声で全曲を塗りつぶすような歌唱ではなかったことが、この対照から分かります。

さらに2024年の武道館でも、「ラストシーン」は、浮遊感のある伴奏の中で、柔らかな旋律を裏声まで丁寧にたどる歌として評されています。
同じ公演の「スリル」では太い声が会場を煽っており、一夜の中でも歌の表情は切り替わっていました。

ラストシーン――原曲のミュージックビデオ（1996年）

裏声を使うという事実だけを取り出すと、高い音を出すための手段として見てしまいがちです。
けれども、この「ラストシーン」で注目されているのは、柔らかな旋律をどう運んでいるかという点です。
低い声で迫る印象の強い歌手だからこそ、その響きがほどける場面には別の余韻が生まれる。
声の力を知るには、押し出す瞬間と同じくらい、柔らかく歌う瞬間を捉える必要があります。

日本語が響く形を、メロディから考える

日本語と英語では、かっこよく歌えるメロディの形が違うとも話しています。
布袋が日本語で大切にしているのは、叙情的な部分を残しながら、言葉がよく響く旋律にすることです。
同じ曲へ、後からどちらの言語でも載せればよいという考え方ではありません。

これは、発音をそれらしく整えるより手前の問題です。
言葉をどんな音の並びへ置けば、歌として生きるのか。
旋律を作る段階から、言葉と音を組み合わせているのです。
リズムも余韻も、その土台があってこそ声で表せます。

「Andromeda」で見える、自分の声と相手の声の違い

アイナ・ジ・エンドと組んだ「Andromeda」には、二人の声を考えるうえで興味深い制作の話があります。
布袋は最初のデモで、アイナのパートも自分で歌って渡しました。
それを練習したアイナは、低い音域を望まれているのかと思って録音を送ったところ、想定より一オクターブ下だと伝えられ、歌い直したそうです。

このやり取りは、布袋の仮歌の高さを、共演者への最終的な指示と同じにはできないことを示しています。
自分の声で曲を示す段階と、相手の声をその曲に迎える段階では、考えるべきことが変わるのです。
二人が同じように歌うことではなく、それぞれの声が入ることで曲がどう動くかが大切になります。

完成した作品を聴いた小渕健太郎は、アイナの声にアンドロイドのような印象を感じ、その上へ布袋の声が畳みかける場面に注目しました。
これは小渕の受け止めですが、声の違いが物語の展開として聞こえることを、よく表しています。
布袋の声は、一人で曲を進めるだけでなく、異なる質感の声と交わることで、新しい役割を持てるのです。

同じ『GUITARHYTHM VII』でも、「Highway Star」の歌い出しについて、小渕は熱量を抑えた表現に注目しています。
別の曲では声を畳みかけ、ここでは出だしから熱くなりすぎない。
一枚の作品の中でも、声の勢いを置く場所は同じではありません。
強い個性を持つ歌手だからこそ、あえて勢いを控える選択にも耳を向けたくなります。

自分の声を、ギターと同じくらい固有の音として使う

山本耕史は、布袋の声を強い存在感のある楽器の一つとして聴くことがあると話しました。
ものまねの話から出た言葉でしたが、声の個性を考えるうえでは的を射ています。
歌声もギターの音色と同じように、音楽の中で誰なのかを伝えるものだからです。

ただし、固有の音を持つことと、どの曲でも同じ歌い方をすることは違います。
速い曲では言葉をビートへ乗せ、バラードでは裏声まで柔らかく運び、共演曲では別の声との対照を作る。
これらをつなぐのは、声の個性を消さずに、その曲で必要な役割を与える考え方です。

歌に自信を持てなかった頃から、その声をどう受け入れてきたかは、布袋寅泰の歌声の変遷でもたどっています。
ギターを聴くだけでは見えない布袋が、歌にはいる。
そして歌を聴くと、ギターと声の両方で一つの音楽を作っていることが、より面白く感じられるはずです。

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