須田景凪さんの高音は、太く突き抜ける声ではありません。
少し息を含み、今にもほどけそうなのに、肝心な言葉だけは耳へ残ります。
その魅力を「鼻に響く声」や「ミックスボイス」という一語だけで説明すると、大事な部分が抜け落ちます。
本人は、自分の声を一つの楽器として眺め、あえて少し苦しそうに聞こえるキーや、寂しさが伝わる弱い歌い出しまで選んでいるからです。
つまり、須田景凪さんらしさは声の細さそのものではありません。
きれいに整えすぎれば消えてしまう感情を、曲の中で最も刺さる場所へ配置する歌い方にあります。
少し苦しそうな声を、欠点ではなく選んでいる
『Ghost Pop』を作った頃、本人は自分の声を以前より客観的に見られるようになったと話しています。
あるキーでは少し苦しそうに聞こえるとしても、その方が感情的に届くなら、そちらを選ぶという考え方です。
普通は、高音が苦しそうに聞こえたら失敗だと思いがちです。
しかし須田景凪さんの場合、痛みのない安全な歌唱の範囲で、声に残る危うさまで作品の温度として使っています。
ここで重要なのは、喉を締めれば近づけるという意味ではないことです。
聞き手が感じる「苦しそう」は、実際の痛みではなく、キー、音量、息の量、言葉の置き方が作る表情でもあります。
歌手ではなかったから、声を曲の中の音として見られた
もともと目指していたのはドラマーでした。
自分で曲を作り始めても、歌ってくれる人が身近におらず、最初に声を託した相手がVOCALOIDだったという経歴があります。
その出発点は、現在の歌い方にもつながっています。
デモを自分で歌うと「ここは裏声にしよう」「ここは地声で押そう」と歌唱技術へ意識が向きますが、VOCALOIDに歌わせると旋律そのものの強さを冷静に確かめられる、と本人は説明しています。
歌を先に上手く見せるのではなく、曲が求める声を後から選ぶ。
この順番があるから、弱い声、荒い声、語りに近い声まで、同じ人の歌なのに役割がはっきり分かれます。
「地声かミックスか」で分析が割れるのは不思議ではない
第三者の歌唱解説を比べると、須田景凪さんの高音はミドルボイス、ヘッドボイス、地声寄りの高音など、複数の言葉で説明されています。
低い部分では鼻へ集まる響きを指摘する見方もあれば、息を増やした柔らかい声に注目する解説もあります。
意見が割れるのは、誰か一人が必ず間違っているからではありません。
一曲の中でも音の高さや強さが変わり、軽く抜く声と芯を残す声を短い間隔で往復しているためです。
鼻腔共鳴と鼻声の違いを知ると、響きが前に集まることと、単に鼻へ息が抜けることは同じではないと分かります。
ただし、音源だけから喉や声帯の動きを断定することはできません。
『シャルル』を難しくしているのは、最高音だけではない
代表曲『シャルル』では、高い音と低い音が短い間隔で現れます。
専門的な歌唱解説でも、サビの大きな音程移動、早い言葉、休符、地声と軽い声の切り替えが難所として挙げられています。
須田景凪さんらしく聞こえる理由は、高音をすべて強く歌うからではありません。
静かな歌い出しでは息を含ませ、語尾を短く切り、サビでは軽い声を混ぜながら上下の落差を際立たせています。
ここを一本の太い地声で押し通すと、音は出ても曲の陰影が消えます。
高音が細い声に芯を足す考え方は役立ちますが、須田景凪さんの曲では細さを全部なくさない方が、言葉の孤独が残ります。
『ダーリン』では、弱いAメロが後半の感情を大きくする
本人が『ダーリン』について挙げたのは、Aメロを優しく歌うことで寂しさを伝えるという設計でした。
最初から熱量を最大にせず、淡々とした場所を作るから、後半で感情が開いた時の差が大きくなります。
この曲は依存や中毒を題材に、同じ言葉が繰り返され、短い時間の中で景色が移り変わります。
歌声も同じで、一つのきれいな音色を保つより、抑制から切迫へ動く方が物語と合います。
荒い声も、感情と関係のない飾りにはしない
『バグアウト』では、サビ前に意図的ながなりが使われています。
本人は、ヘイトを扱う曲だからこそ、その荒さが似合うと考えたと話しています。
ここにも、技術を先に見せない姿勢があります。
がなり、エッジ、早口を並べるのではなく、不機嫌になった人が言葉を急ぐような感情から歌い方を決めています。
同じネット発の歌手でも、Eveさんが速い言葉を語りとして届かせる歌い方とは、似ている部分と違う部分があります。
須田景凪さんは、整ったリズムの内側に、声が崩れかける瞬間を残すことで曲の矛盾を見せます。
真似したいのは声の細さではなく、感情から逆算する順番
表面だけ寄せようとすると、鼻声を強くしたり、喉を締めて苦しそうな音を作ったりしがちです。
それでは本人の方法とは逆方向です。
参考にしやすいのは、曲のどこを寂しく、どこを切迫して、どこを荒くしたいのか先に決める考え方です。
その目的に合わせて、音量を抑える、語尾を切る、軽い高音へ移るといった選択が続きます。
『メロウ』のようにまっすぐな明るさへ振り切った曲もあれば、『ダーリン』のように満たされなさを抱えた曲もあります。
同じ音色へ統一しないこと自体が、作曲家として自分の声を扱える強みです。
まとめ
須田景凪さんの歌い方は、細い高音や鼻へ集まる響きだけでは説明できません。
歌手ではなかった作曲家が、自分の声を曲の中の一つの楽器として眺め、感情に合う音色を選べるようになった結果です。
『シャルル』では、軽い声と芯のある声を素早く行き来し、休符と語尾で寂しさを作ります。
『ダーリン』では弱いAメロから感情的な後半へ進み、『バグアウト』では曲の怒りに必要ながなりを選びました。
少し苦しそうに聞こえる高音も、単なる未熟さとして隠していません。
きれいに直しすぎると失われる感情を見つけ、その危うさを作品の中へ残すことこそ、須田景凪さんの声が刺さる大きな理由です。
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