Kvi Babaの歌では、話していた言葉がいつの間にかメロディーになり、サビへ入っても「急に歌い始めた」という境目が目立ちません。
この自然さを、オートチューンという加工だけで説明するのは無理があります。
本人は、先に意味のないメロディーを作って後から歌詞をはめることは少なく、ワードとメロディーが同時に出てくると話しています。
さらに録音では、オートチューンをかけた状態に頼らず、まず地声だけで聴ける歌を残し、その後でトラックへ馴染ませる。
つまりKvi Babaらしさは「ラップに音程を付ける技術」より前に、心から出た言葉が最初から音楽になっていることから始まります。
ラップと歌を切り替えないのは、本人が最初から境界を引いていないから
Kvi Babaは公式にも、ラップと歌を縦横するメロディックなフロウを持つアーティストと紹介されています。
フロウとは、言葉をビートのどこへ置き、どの速さと抑揚で運ぶかという流れのことです。
音程が少なければラップ、多ければ歌と単純に分けられるものではありません。
活動初期から本人は、ジャンルを強く意識して音楽を作っていないと話してきました。
ラップをしている自分と、歌っている自分を別人のように切り替える発想が薄いのです。
自分の心にある言葉を外へ出した時、短く刻めばラップに近づき、音を伸ばせば歌へ近づく。
それでも言葉の出発点は同じなので、両者の間に継ぎ目が残りにくくなります。
この特徴は、技巧を誇示するために複雑な音程を付ける歌い方とも違います。
必要なのは「今の言葉をどう言えば届くか」であり、ラップか歌かは結果として決まる。
Kvi Babaの曲を聴く時は、声区名を当てるより、一つの言葉が話し声、リズム、メロディーの間をどう移動するかに注目すると面白さが見えてきます。
メロディーは言葉の後付けではなく、感情と一緒に生まれる
作曲では、先に鼻歌だけを作り、完成した旋律へ歌詞を当てる方法もあります。
Kvi Babaの場合は、トラックを流す中でワードとメロディーが一緒に現れると説明しています。
ここに、言葉が借り物の旋律へ押し込まれた感じが少ない理由があります。
たとえば「Too Bad Day But…」では、悪い出来事を否定せず、それでも少しだけ良い方角を見ようとする考えがフックへ集約されました。
「Friends, Family & God」では、一人で自分を支える物語から、友人や家族と歩いてきた時間へ視線が広がります。
曲の主題が変わると、メロディーだけでなく言葉を渡す相手まで変わるのです。
複数の評者がKvi Babaの声を語る時、技巧の種類より「心が通っている」「切実さが届く」という表現を選んでいます。
これは曖昧な褒め言葉に見えて、本人の作り方とはよく対応します。
感情を説明する文章と歌唱を別々に用意せず、一度に声へ変えるため、発音の整い方より先に言葉の必要性が聞き手へ届くのです。
オートチューンは歌えない声の代用品ではなく、最後の照明に近い
メロディックなラップでは、声の音程を整えたり、移動を機械的な質感へ変えたりするオートチューンが使われます。
その音色が目立つと、元の歌唱は加工によって作られたと思われがちです。
しかしKvi Babaは、効果をかけながら録音してはいないと説明しています。
まず加工なしでも聴ける声で録り、そこからビートの中へ馴染む程度に使う。
歌えない部分を機械に歌わせるのではなく、すでにある声を作品の光の中へ置く工程です。
加工を「顔そのもの」ではなく「照明」と考えると分かりやすいでしょう。
照明が変われば表情は変わりますが、誰が立っているかまでは変わりません。
Kvi Babaの場合も、声の揺れや音程の移動に現代的な輪郭を与えながら、言葉を急いで言い切らない間や、感情を隠さない姿勢は残ります。
WurtSの歌い方と声の加工も、加工前と加工後のどちらか一方だけを本物と決めないという点で参考になります。
同じ機材を使っても、先にある声と曲の目的が違えば、結果はまったく同じにはなりません。
声の強さは大声ではなく、弱さを隠さないことから生まれる
Kvi Babaは自分を繊細で、弱い人間だと捉え、その性質を音楽の起爆源にしてきました。
活動の始まりも、上手さを見せるためではありません。
一人で詩にしていた心情を初めて録音し、自分の声で吐き出すことに解放感を覚えたことでした。
同業者から高く評価されたのも、派手な高音や速いラップだけではなく、本当に思っていることが声へ乗っている点です。
そのため声を強く聞かせたい場面でも、常に音量を上げる必要がありません。
言いよどみ、繰り返し、短い言葉の間まで、心の動きとして曲の中に残せます。
一方で、「感情を込める」を喉へ力を入れることと取り違えてはいけません。
切実な声を表面だけ真似しようとすると、息を押しつけたり、わざとかすれさせたりしやすくなります。
参考にできるのは痛そうな音色ではなく、自分が本当に言いたい言葉から声の強弱を決める順番です。
「TOMBI」で大きな物語へ進んでも、声の主語は一人のままだった
アニメ主題歌「TOMBI」は、Kvi Babaの歌が個人的な告白だけでなく、物語の主人公を背負えることを広く示した曲です。
世界各地で聴かれ、ヒップホップ／ラップのチャートでも結果を残しました。
ここで興味深いのは、大きな作品に合わせて声を別のキャラクターへ作り替えたのではないことです。
葛藤を抱えながら進む人物へ、自分自身が歌ってきた弱さと生への執着を重ねられた。
外側から勇敢な声を演じるより、自分の内側にある同じ感情を探すことで、作品の世界とつながっています。
言葉数の多い歌で滑舌だけを追うと、子音を強くぶつけすぎて流れが途切れることがあります。
Kvi Babaの記事で見るべきなのは、一語ずつを同じ強さで発音する正確さではなく、物語の中心になる言葉へ重さを集める考え方です。
高音で言葉がつぶれる理由を知ると、発音の明瞭さと力みを分けて考えやすくなります。
「1234」では独り言だった歌が、みんなの声を待つようになった
近年の「1234」は、本人が観客と一緒に歌える曲を作りたいという思いから生まれました。
これは単に明るいサビが増えたという話ではありません。
かつて自分を救うために吐き出していた声が、会場にいる人の声を受け取る器へ広がったのです。
ラップと歌の境目が目立たない特徴も、ここで別の力を持ちます。
難しい歌唱へ聞き手を連れていくのではなく、会話の延長から自然にメロディーへ入り、同じ言葉を返してもらえる。
技術上の境界を消した歌い方が、ライブでは歌い手と観客の境界まで薄くしました。
この変化を2017年の制作開始から武道館以降まで追う記事は、Kvi Babaの歌唱変遷で詳しく扱います。
Kvi Babaらしさは、歌とラップの間ではなく言葉が声になる瞬間にある
Kvi Babaの歌い方にラップと歌の継ぎ目が見えにくいのは、二つの技術を器用に切り替えているだけではありません。
本人の中でジャンルの境界が先に引かれておらず、ワードとメロディーが感情から同時に生まれています。
オートチューンも個性の出発点ではありません。
加工なしで聴ける声を録ってから、トラックの中で必要な輪郭を足す。
だから効果の強さが変わっても、言葉の切実さと、話すように歌へ入る流れが残ります。
そして近年は、自分の心を外へ出す独り言から、友人、家族、観客と歌う言葉へと対象が広がりました。
声の強さを音量だけで測らず、何を誰に渡そうとしているかを見ることが、Kvi Babaの歌を最も面白くする聞き方です。
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