「TOMORROW」の明るさを思い浮かべて「Alone」を聴くと、同じ岡本真夜の歌なのかと驚く人もいるだろう。歌い分けの鍵は、声を大きく変身させることより、曲が求める温度に合わせて声質やファルセットを選ぶことにある。岡本自身、経験を重ねて、曲ごとの声の使い分けが自然にできるようになったと語っている。
では、その選択はどこから来るのか。デビューから現在までの声の変化は岡本真夜の歌声の変遷でたどった。ここでは「TOMORROW」とバラード、そして近年の作品を通して、一曲ごとに声と言葉をどう置こうとしているのかを考える。
明るい曲だから、ただ勢いよく歌うわけではない
「TOMORROW」は友人を励ますために作られた。本人はもともとバラードとして書き、スタッフの希望でテンポを上げたという。だからこの曲の明るさは、最初から岡本が最も得意だった歌い方をそのまま映したものではない。むしろ、静かな気持ちから生まれた言葉を、速い曲の中で届ける必要があった。
岡本は2020年の取材で、身近な人から受け取った言葉や、自分が誰かに伝えたい思いが「TOMORROW」に入っていると振り返った。応援歌として歌われることに感謝しつつも、災害のたびに使われると、歌だけで人を救えるのかと迷う。声を明るく出せば必ず励ましになる、と単純に考えているわけではない。相手に向けて作った言葉が、聴く人それぞれの場面でどう届くかを気にかけている。
ここから曲中の特定の母音や息継ぎを推測することはできない。ただ「TOMORROW」を歌う本人の土台に、景気のよい曲を披露する以上の、誰かへ言葉を渡す意識があることは確かめられる。言葉の出発点を知ると、明るい伴奏と歌の気持ちを同じものとして片づけずに聴ける。
「Alone」は気持ちを強く入れればよい曲ではない
岡本がずっと歌いたかったバラードの一つが「Alone」だ。本人は1996年の録音で、歌詞の感情に近づきすぎ、泣いてしまったと話している。この出来事は変遷記事で扱ったが、今の歌い方を考えるときにも大事な問いを残す。切ない曲であっても、歌手自身が感情に押し流されてしまえば、曲の形を保って届けるのは難しいのではないか。
2016年の本人取材では、同じ曲の録り直しを「大人な自分」の歌と説明した。取材者が感じたテンポのゆったりした変化についても、毎年のライブの中で今の自分に合う速さになったと答えている。バラードらしく聞かせるために遅くした、という機械的な操作ではない。歌を自分の中で急いで結論づけず、その時点の自分が言葉を置ける速さを見つけてきたのだ。
「TOMORROW」と「Alone」の違いは、明るい声と暗い声の二択でもない。前者では相手へ向けた言葉が広く共有され、後者では個人的な痛みを歌に変える。曲の役割が違えば、声に任せる感情の距離も違う。この違いを意識すると、岡本のバラードを単なる「しっとりした歌」として聞き流さずに済む。
曲によって声質とファルセットを変える
2016年、岡本はデビュー時には意識しないとできなかった曲ごとの声質の切り替えやファルセットが、長く歌ううちに自然にできるようになったと語った。これは全曲を同じ声で歌わない、という本人の明確な説明だ。ただし「Alone」の何秒でどの声区に移る、といった細部まで本人が述べたわけではない。
この使い分けを考える材料は「Alone」だけではない。ピアノ曲として作った「always love you」には、後から自然に言葉が浮かび、「always love you～恋しくて～」という歌になった。2016年の『Love Story』には、ほかの歌手へ提供した曲を自ら歌うセルフカバーも収められた。自分が最初に歌う曲、時間を経て録り直す曲、他人へ託した後で歌う曲では、向き合う言葉の距離が違う。岡本が曲ごとに声色を選ぶという話は、こうした多様な作品の中で意味を持つ。
声質やファルセットを切り替えられることと、いつでも思いどおりに出せることも別だ。近年は本人が声の出しづらさを公表し、曲の中で望む声を選べなかった時期があると語っている。技術の名称だけを取り出して「この歌手は裏声が得意」と決めつけるより、曲ごとに望む表情を探し続けていることに耳を向けたい。
メロディーが先、言葉は後から探す
岡本の歌い方を理解するうえで意外なのは、言葉を大切にしながら、曲作りでは歌詞を先に書かないことだ。2026年の取材で、ほとんどの曲はメロディーが先で、歌詞には時間がかかると明かした。2016年にも、友人との会話の中で聞いた言葉が後から曲の材料になり、構えて作るより生活の中で自然に浮かぶのを待つと話している。
この順番を知ると、歌詞をまず紙の上で完成させ、それを声で再現するという印象が変わる。岡本には先に旋律があり、その動きに合う言葉を探す時間がある。2026年の「最強伝説更新中」も、1990年代後半からあったメロディーに、友人を思い浮かべて今の歌詞を付けた曲だ。言葉が後から来ても、歌い手から遠い借り物の文章にはならない。曲が持つ動きと、自分が実際に伝えたい相手がつながったときに歌になる。
歌い方の面でも、歌詞だけを独立した台詞として考えるのではなく、旋律が先に作った流れにどう言葉を乗せるかが重要になる。ただし個々の音符に対する具体的な発音方法を、制作順だけから決めることはできない。ここで確かめられるのは、歌の言葉が旋律と切り離されて生まれていないという本人の制作姿勢だ。
今のステージで、自分の声を聞くための工夫
岡本は2025年の本人発信で、声が出しづらい時期に、ステージで聞く自分の声を左耳側のモニターへまとめる方法を試したと説明した。その設定では力みが減り、歌いやすく感じたという。これは岡本自身の聴こえ方に合わせた現場の選択であって、ほかの人にも同じ設定がよいという助言ではない。
重要なのは、歌うときの声だけでなく、自分の声をどう聞けるかも本人にとって歌唱の条件だったことだ。「TOMORROW」のようなよく知られた曲でも、思い出の中の声を無理に再現するのでなく、今の体と環境で言葉を届ける方法を探している。2026年の取材でも声はまだ回復の途中だと話す。現在の歌い方を完成形として固定するより、曲ごとの声の選択を再び増やしている最中として捉えるのが正確だ。
岡本真夜の歌い方は、明るい歌を元気いっぱいに、切ない歌を泣きながら歌う、という二つの型には収まらない。旋律が先に生まれた曲へ伝えたい言葉を見つけ、曲ごとに声質やファルセットを選び、感情と適切な距離を取る。その選択をもう一度自分のものにしようとしていることが、今の岡本の歌にもつながっている。
こちらの記事もおすすめ
コメント