樋口楓の歌い方｜言葉が立つ声と、あえて流れるように歌う理由

樋口楓の歌には、一言ずつが前へ出る力があります。
その輪郭の強さを生かして駆け抜ける曲もあれば、あえて滑らかに歌って、違う空気を作る曲もある。
発声を一つの型にまとめるより、声の出だし、言葉のつなぎ方、重ね方を分けて見ると、その歌い方が具体的になります。

言葉の出だしが立つから、曲を押し進められる

本人は、自分の発声を、アタック感が強く、一言ずつが立つ歌い方だと説明しています。
アタックとは、音が立ち上がる部分のことです。
言葉が次々と輪郭を持って出てくることが、樋口の歌の力感につながっています。

「Bravery? Naturally?」では、主人公の雰囲気を踏まえ、明るく元気に歌うことを意識しました。
ただ、得意なキーより高めだったため、苦しく聞こえない歌い方を、ディレクションを受けながら探っています。
高い音へ届くだけでなく、その音を明るい曲の表情にする必要があったのです。

強い歌い方を考えるとき、すべての音へ同じ圧力をかける姿を想像すると、この判断を見落とします。
高い音で苦しさが前へ出れば、爽やかに進む曲の景色も変わってしまう。
声の強さと、歌が与える明るさの両方を成立させるところに、歌手の工夫があります。

速い歌は、口が回るだけでは完成しない

「FRONTIER」では、自分からラップを望み、Bメロへ入れてもらいました。
可愛さを狙うより、荒々しく進む歌を選んでいます。
細かい言葉の動きも、樋口のロックの一部です。

「Sting or stung」の録音では、細かい言葉が続く中で母音が曖昧になり、何度も録り直しました。
アクセントの位置でノリが変わるうえ、リズムに合う表情と感情も入れなければならない。
本人は、頭と口の両方が忙しい歌だったと振り返っています。

この曲は、スラップベースを中心にした、大人びたロックを望んで生まれました。
歌が細かく動くことにも、楽器と一緒に曲の格好よさを作る役割があります。
歌詞を急いで言い終えることが、目的ではありません。

母音は、言葉の中で音の高さや長さを受け持つ部分になります。
速い歌でも、その響きが曖昧になりすぎると、語のまとまりやリズムを捉えにくくなる。
樋口が録り直しながら探したのは、速さの中にも言葉と気持ちを残す歌でした。

いつもの輪郭を抑えて、流れる声にする

「Around the bizarre world」では、普段のように言葉を強く立てる方法を、いったん離れました。
妖怪が登場するゲームに合わせ、粘りのある、流れるような歌へ挑んでいます。
最初は感覚をつかみにくかったものの、光増ハジメと相談し、自分らしさも残る形を探しました。

一つずつ区切るような声と、次の言葉へつながっていく声では、同じ速さの曲でも時間の流れ方が違って感じられます。
この曲では、明快さをさらに強めるより、歌がまとわりつくような空気が必要でした。
得意な発声の印象を、そのまますべての曲へ当てはめない選択です。

樋口は、曲ごとに意識して喉を切り替える、という捉え方はしていないと話しています。
「Baddest」なら暗いロックの印象を、「アイムホーム！」なら実家でくつろぐ風景を思い浮かべる。
曲が持つ空気を受け取ることから、声の違いが生まれています。

集団で歌うときは、自分のクセを弱める

「僕たちはひとつの光」を仲間とカバーしたときには、自分の声が浮きすぎないよう、しゃくりを控えました。
低い音から目的の高さへ持ち上げるような歌い方を、目立たせすぎない判断です。
語尾も長めに録り、後からほかの人の長さへ合わせられるようにしていました。

ソロでは、特徴のある出だしが歌手の存在感になります。
一緒に歌う場面では、その特徴が強すぎると、全体の線から離れることもある。
自分の声を生かすことには、必要なところでクセを引くことも含まれています。

言葉のないコーラスにも、感情を入れる

「ikiteku.」のコーラスには、言葉にならない葛藤を表す役割がありました。
作詞の安藤紗々から、音程ばかりを気にするより、もやもやした苦悩を声にしてほしいと伝えられています。
主旋律の後ろの声も、単にきれいに埋めるためのものではなかったのです。

主旋律が意味のある言葉を運び、その背後の声が、言葉だけでは収まらない感情を受け持つ。
こうして役割を分けると、同じ歌手の声でも、違う心の動きを一曲の中へ置けます。
整った音を出す技術と、感情がこぼれるような声を選ぶ判断の、両方が必要になる場面です。

「CALLING†」では、短い呼びかけの歌い方と、コーラスの重ね方を本人から提案しました。
作品の祈りに関わる世界を、声の重なりでも深めています。
何人分もの声が響く録音を、一人の声量だけの結果として捉えないことも大切です。

シャウトの迫力にも、その場の判断がある

「Q」の荒々しい歌は、みきとPの仮歌の格好よさを受け取りながら作ったものです。
冒頭のシャウトも、現場で何度か録って採用されました。
最初から決まった持ち技を置くというより、作り手とのやり取りの中で声を選んでいます。

「Baddest」の録音では、初のアニメ主題歌であることを意識しすぎ、力んでしまったと話しています。
スタッフから、いつもの自分の曲として歌えばいいと促され、気負いをほどきました。
激しい曲だからこそ力を足す、という考えだけではうまくいかなかった場面です。

旋律に沿って言葉を運ぶ声と、短く荒く感情を放つ声では、曲の中の役割が違います。
冒頭のシャウトが入口を強く印象づけ、その後の歌が言葉を届ける。
こうした役割の変化を追うと、歌の迫力が、一曲をずっと同じ強さで歌うこととは違うと分かります。

「Reset and…」でも、声の張りには、単純な元気さとは違う感情がありました。
休止中の悔しさを意識しつつ、暗くなりすぎないように歌ったと本人は説明しています。
同じ強い声にも、何を伝えたいかによって違う意味が生まれます。

一人の歌手が、何人もの声を作る

「Golden Road」のガヤでは、樋口一人が複数の人物のような声を担当しました。
TAKEは、客席も一緒に参加している楽しさを、彼女に表してもらったと話しています。
旋律を歌う主役でありながら、周囲から声を返す役まで、一人で引き受けています。

樋口楓の歌い方は、声を前へ出す力だけで説明しきれません。
言葉を立てる、流れへ溶かす、隣の声へ合わせる、違う表情を重ねる。
その選択がどう増えてきたかは、樋口楓の歌唱変遷でたどっています。

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