REIの歌い方｜はっきりした声に、力の抜き方と低音の表情を加える

ONE N' ONLYのREIの歌を考えるとき、手がかりになるのは声の分かりやすさです。
言葉を正面から届ける声があり、その声を強く張るのか、軽く運ぶのか、低く構えるのかを曲ごとに選んでいます。
同じ力感で押し通す歌い手として捉えると、細かな工夫を見落としてしまいます。

はっきりした声が、曲の中の目印になる

REIの声について、HAYATOは少し聴くだけで誰の声か分かる明瞭さを、EIKUは飾りすぎない素直な歌い方を挙げています。
TETTAとNAOYAも、REIの声が入ることで全体がまとまる感覚を語っています。
自分の存在を示しながら、声の違うメンバー同士をつなぐ役割もあるのです。

たとえば「Beautiful」のサビへ向かう部分は、HAYATOがREIの良さを感じる箇所として挙げた場面です。
声を受け渡す曲では、誰が入るかによって次の展開への印象も変わります。
REIの分かりやすさは、単独で目立つだけでなく、歌の流れを整理する持ち味として捉えられます。

TETTAは、REIの普段の声や台本を読むときの滑舌にも、聞き取りやすさを感じています。
歌唱のときだけ特別な癖を加えて目立たせるのとは違う、言葉を伝える声の土台があるのでしょう。

張りのある声にも、力を抜く余地を作る

「Good Day」でREIが意識したのは、声を張る感覚と力を抜く感覚を一つのフレーズに共存させることでした。
HAYATOが心地よさを感じたのもその部分で、語尾のリズムの処理も評価しています。
REIはその運び方をTETTAから教わったと話しており、強い声の出し方だけで曲を成立させているわけではありません。

この部分は、当初EIKUの担当でした。
直後にEIKUがサビを歌うため、間にREIの声を挟むと流れに変化が生まれる、という判断です。
前後の声との関係まで含めた選択でした。

張るという言葉を、大きな声を出し続けることだけで考えないほうが、この曲の工夫は分かりやすくなります。
声の存在感を残しながら、フレーズの終わりには重さを引きずらない。
REIの説明から見えてくるのは、声の勢いと運びの軽さを両立させようとする考え方です。

リズムを急がず、歌を停滞させない

「Call me」では、サビを担当したREI自身が、ゆったりしたリズムに乗る難しさを語っています。
前へ急ぐと曲の余裕がなくなる一方、後ろへ寄せるだけでは平板になってしまう。
遅らせればよいという単純な話ではなく、流れを保ったまま落ち着いて歌うことが課題でした。

こうした曲では、高い音が出たか、声が太いかだけでは歌い方の違いを説明できません。
言葉がどのタイミングで進み、どこに余裕を感じさせるかも、声の表情に関わります。
REIが語る歌唱の工夫には、音色と同じくらい、リズムへの具体的な意識があります。

低音ラップに、別の高さの声を重ねる

「BLAST」の低音ラップは、REIが以前から親しんでいた低い声の表現を試したものです。
ただ、同じ曲でEIKUが歌う低めの部分については、自分では上ずってしまう質感だとも話しています。
低音が似合うという共通点だけで、二人の声を置き換えられるわけではありません。

さらに「BLAST」の1番Aメロでは、REIの低い声に対し、各フレーズの語尾へ一オクターブ上の声も重ねています。
本人は、その重なりが独特な雰囲気を作ったと説明しています。
ここで印象を作っているのは、低い主声の質感と、高さの違う声を組み合わせた録音上の工夫です。

声が高く移る箇所をすべて、一人が一息で音域を行き来している場面と考える必要はありません。
どの声を主役に置き、どこへ別の声を加えるかという作り方まで含めると、この曲のREIの狙いが見えてきます。
低さを保ちながら、語尾には違う輪郭を加えているのです。

曲の感情に合う声を、その場で選ぶ

EBiSSHの「GO!!!」では、REIは綺麗に歌うこと以上に、言葉を伝えるための声の鋭さを求めました。
ロックの勢いを、自分の普段の歌い方へどう取り込むかを考えた曲です。
声を整えることと、その曲らしく響かせることは、いつも同じ答えにはなりません。

反対に「Video Chat」では、誰もが一緒に歌える気軽さを優先しました。
聴き手が参加しやすい声を選んでいます。

「Fiesta」では、複数の言語が混じる曲でありながら、REIはあえて日本語に近い発音を選びました。
技巧の細かさ以上に、聴いている人がその勢いを楽しめることを大切にしたためです。
言葉をどの響きで歌うかも、曲への入りやすさを作る選択になっています。

「Beast Mode」では、野性的な曲のイメージに合う表現を重視しました。
丁寧に整った歌い上げを、すべての曲の正解にはしない。
REIの歌い方には、曲の性格から声の方向を考える柔軟さがあります。

一方「You are」では、装飾を増やすことだけに頼らず、まっすぐな歌から思いを伝えようとしています。
素直な声だから表現が少ないのではなく、その声で伝わる形を探す選択です。

この曲を実演し始めた頃、REIは伝え方への焦りで歌が硬くなったと話しています。
歌う機会を重ねるうちにほぐれてきたという経験は、シンプルなメロディでも、歌い手の緊張や言葉との距離が課題になることを示しています。

「Bittersweet」の終盤では、あふれる感情に手を伸ばす姿を思い浮かべて歌いました。
理性と本能の間で揺れる曲だからこそ、声の強弱を先に決めるだけでなく、その場面で何を求めているのかを想像する。
REIが歌へ近づく、もう一つの方法です。

自分の声の次に、誰の声が来るか

「STARLIGHT ～未来ノトビラ～」の制作では、REIはボーカル三人の話し合いから、自分がその部分を任される理由を知りました。
自分が強い思いを乗せて歌い、その後をEIKUの安心感のある歌で受け止める。
声を交代するところにも、感情の流れを作っていたのです。

個人で集中して録音することが多かったREIにとって、仲間が考える曲の組み立てに触れる経験でもありました。
自分に託された理由を知り、曲をより良くする責任も強く感じるようになりました。
全員が同じ強さで歌えばよいわけではない。
声の違いを生かすからこそ、一人では作れない起伏が生まれます。

REIの歌い方は、明瞭な声に何を足し、どこで力を引くかという選択の積み重ねです。
「Good Day」の運び、「Call me」のリズム、「BLAST」の低音と重なる声を比べると、その選択が具体的に見えてきます。
自分の声を生かしながら、曲と仲間の声の中で役割を変えられることが、REIの表現を豊かにしています。

REI（ONE N' ONLY）の歌唱変遷