大胡田なつきの歌い方｜「強く歌う」だけではない、曲の言葉を届ける声の選び方

パスピエの大胡田なつきの歌い方には、ひとつの「いつもの声」で説明しきれない面白さがある。
自分の声を受け止めるまで練習を重ねた歌手が、今度は曲に合わせて、その声をあえて前に出さない。

「トキノワ」で優先したのは歌の癖より繰り返される言葉だった。
反対に「あかつき」では、これまで歌にあまり持ち込まなかった個人の感情を表に出した。
なぜ同じ歌手が、曲ごとに声の距離を変えるのか。
本人の言葉と作品づくりから考えてみたい。

「トキノワ」で目立たせたかったのは、自分の声より言葉

「トキノワ」は、同じ言葉が耳に残る曲だ。
大胡田は、この曲で歌い方を強く変えすぎないようにしたと話す。
繰り返す言葉そのものに力があるため、声の癖を足しすぎると、その力がかえって弱まると考えたからだ。
何度聴いても疲れにくい歌を目指したという説明も、この判断につながる。

強く歌えるかどうかと、強く歌うべきかどうかは別である。
言葉を覚えてほしい場面では、声に耳が向きすぎることもある。
「トキノワ」の歌い方を考えるときは、大胡田らしい声色を探すだけでなく、どの言葉が繰り返され、何を前に出そうとしたのかを追うと、この曲での引き算が見えてくる。

本人はこの話の中で、サビではボーカルを重ねることも見越していた。
一つひとつの歌の癖が強すぎると、重ねたときの印象まで濃くなる。
一人で歌った声の目立ち方だけでなく、複数の声になった状態まで考えて加減することが、聴きやすさにつながる。

パスピエの大胡田なつき — 2017年の取材に登場した大胡田なつき。
写真出典：MEETIAの2017年取材

カバー曲では、考え抜いてから歌う方法を手放した

「トキノワ」と同じシングルに収められた、CORNELIUSの「NEW MUSIC MACHINE」のカバーでは、別の選択をしている。
大胡田は、それまでは曲を自分の中で一度解釈し、歌い方のニュアンスを考えてから歌うことが多かったと振り返る。
この曲では、聴いて受け取ったものをそのまま声にしてみたという。

丁寧に解釈することが常に良い結果を生むとは限らない。
原曲の持つ流れを受け取って歌うほうが、余分な表情を加えずに済むこともある。

「トキノワ」では明確に抑える場所を考えている。
同じ一枚の中でも、作品に応じて準備の仕方を変えていた。

「あかつき」は、素の声を出した曲なのか

「あかつき」をめぐる本人の説明は、表現と素顔の関係を考える手がかりになる。
以前は「パスピエの大胡田なつき」という少し距離のある立ち位置で歌っていたが、この曲では「生身の人間として存在しているわたし」を意識したという。
そう聞くと、装いを脱いで自然に歌ったように思える。
しかし本人は、素に近づいたかと問われて、むしろ逆だと答えている。

もともと自分の感情を歌に乗せることをあまりしてこなかった人にとって、感情を前に出すのは新しい表現上の決断だ。
何も考えずに出た声ではない。
誰の気持ちとして歌うかを選ぶこと自体が、大胡田の歌い方の一部になっている。

同じ時期の「(dis)communication」では、意味の説明より曲の音に合う言葉を先に選んだと語った。
「あかつき」の告白的な方向と並べると、歌い方を一つの人格へ固定しない姿勢がよく分かる。
感情を伝えたい曲と、言葉を音として働かせたい曲では、声の役も変わる。

複雑な拍子を、数える歌にしない

2022年のアルバム『ukabubaku』に入った「かはたれ時に」は、曲の時間の捉え方から歌を考えられる。
成田ハネダは拍子の入り組んだ構造について語る一方、大胡田は歌うときに拍を頭で数えて区切るのではなく、音に自然に乗ると話した。
成田によると、もとになった鼻歌を四拍子へ直すと曲のよさが失われるため、歌の長さを保ってリズムにしたという。

人が自然に口ずさんだ流れが先にあり、その流れを形にすると複雑な拍子になったのだ。
大胡田が音に乗ろうとする姿勢は、こうした曲の生まれ方ともつながっている。

譜面の仕組みを正確に説明できることと、その上で言葉を生き生きと歌うことは異なる。
大胡田が選んだのは、拍子の知識を見せる歌ではなく、流れる音に身体を預ける歌い方だった。
曲の仕掛けが前面に出るほど、歌は自由に動ける場所を探す。
その関係がこの曲の面白いところだ。

「ニュータウン」は、二人の間で時間をつくる

同じアルバムの「ニュータウン」では、成田のピアノと大胡田の歌を一緒に録った。
クリック音で時間を固定せず、ライブに近い形で数回録音したという。
歌だけを後から整えて重ねる方法と違い、相手の演奏を受け、その場で次の言葉を置くことになる。

大胡田は、録音中に成田の方をちらりと見ながら歌い、どちらかが間違えればやり直したと振り返る。
成田がこの方法を選んだのは、曲の前半と後半がピアノと歌だけになるため、より自由にできると考えたからだった。
声だけが一定の伴奏へ合わせるのでなく、二人が互いの進み方を感じながら、一つの演奏を作っている。

言葉を出すまでの間や、次のフレーズへ移る勢いも、その場の相手と共有するものになる。
声の質感を変えることに加えて、録音の組み方によって歌の表情を作れるのが、この曲での選択だ。

仲村宗悟との共演では、母音の響きまで整える

2026年に発表された仲村宗悟 feat. 大胡田なつき「無色透明のモーメント」は、声と言葉の結びつきをさらに具体的に考えられる曲だ。
仲村が作曲し、大胡田が作詞したこの曲では、二人の間に最初に生まれた思いを残すため、歌詞はほとんど直さなかったという。
その中で仲村が挙げた修正点が、サビの母音だった。
こもって聞こえそうな部分を変えたと話している。

言葉の意味が合っていても、旋律に乗せて伸ばしたとき、望む響きになるとは限らない。
この曲の修正は、歌い手が声量で言葉を押し出す前に、歌う言葉の側も調整するという例だ。
大胡田が書いた歌詞を、二人の声でどう聞かせるかまで考えて、曲の形を整えている。

仲村は、二人が同じ旋律を歌うユニゾンと、違う音で重なるハーモニーの両方を作りたかったとも語る。
大胡田自身も、異なるタイプの歌声で一緒に取り組む面白さを感じていた。
一人の声で曲を彩るときに加え、相手と重なったり離れたりする位置を持つと、特徴的な声にもまた違う役割が生まれる。