Mrs. GREEN APPLEの曲を歌うと、大森元貴さんと同じ音程には届いても、なぜか自分だけが重く聞こえることがあります。
声量を上げるほど苦しくなり、軽くしようとすれば裏声へ抜けてしまう。
ここで差を生んでいるのは、特別な高音を一つ持っているかどうかではありません。
大森さんの強みは、同じような高さでも、芯のある声、柔らかな声、息を含んだ声、ファルセットなどから、その場に合うものを選べることです。
高音を一本の太い声で押し通さないため、音域は高くても歌全体が重くなりません。
さらに興味深いのは、その選択が歌う瞬間だけに始まるわけではない点です。
本人は曲を作る際、言葉の意味だけでなく、口から出た時の感触や歌い心地も大切にしています。
つまり、大森元貴さんの高音は、発声と作曲を別々に考えるより「歌いやすく、表現したい形へ声を設計する仕事」として見ると分かりやすくなります。
大森元貴の高音は、一種類の声ではない
大森さんの歌い方を解説する記事では、チェストボイス、ミックスボイス、ヘッドボイス、ファルセットといった多くの名前が登場します。
ところが、どの音を何と呼ぶかは解説者によって少しずつ違います。
これは、誰か一人だけが間違っているからではありません。
ポップスの歌声は、地声と裏声を二つの箱のように完全に分けられるとは限らず、音程、音量、母音、曲の雰囲気によって中間の配分も変わるためです。
複数の発声解説に共通しているのは、声区の名称よりも「選択肢が多い」という見方です。
力強い高音だけでなく、軽いヘッドボイスやファルセット、音量を抑えた繊細な声まで使える。
しかも、それらを一つのフレーズの中で行き来できることが、大森さんの歌を滑らかにしています。
高い音を出すたびに同じ声量、同じ太さを持ち込まない。
この当たり前に見えて難しい判断が、「高いのに軽い」という印象の正体に最も近い答えです。
歌い心地は、レコーディングより前に作られている
大森さんはソロ曲「絵画」について、言葉の意味だけでなく、譜割りや口心地、歌い心地を優先して書いたと話しています。
メロディー、言葉、音色を順番に組み立てるのではなく、互いに影響させながら同時に形へしていく作り方です。
この制作法を知ると、ミセスの曲にある細かな音程移動や独特な言葉の運びが、単なる歌唱力の見せ場ではないことが分かります。
母音を長く伸ばす場所、子音を素早く通過する場所、声を抜いて余白を作る場所まで、曲の表情として最初から組み込まれています。
カラオケでは、完成したメロディーへ自分の声を後から合わせます。
一方、作詞と作曲も担う本人は、自分の口から自然に出る響きや言葉の感触を確かめながら曲を作れます。
難曲を歌い切る技術に加え、声が動ける道筋そのものを曲の中へ用意できるわけです。
もちろん、それだけで高音が簡単になるわけではありません。
ただし「高い音を筋力で攻略している」と考えるより、母音、声量、声区を選びやすい形へフレーズ全体を設計していると考える方が、大森さんの軽さを説明しやすくなります。
高音を盛り上がりのたびに太くしない
多くの人は、メロディーが上がると声量も一緒に上げます。
サビならなおさら、低い音より太く、大きく歌うことが正解だと思いやすいでしょう。
大森さんの歌声を扱った複数の分析では、むしろ音量を絞った状態でも声を安定させられる点が評価されています。
高音を強く歌えることだけでなく、弱いまま保てることが表現の幅を作っているという見方です。
たとえば、高い音へ入った瞬間に声量を増やさず、語尾だけを柔らかく抜くことができれば、次の言葉へ余裕を残せます。
反対に、最初の高音で全力を使うと、その後は音量を下げられず、サビ全体が一本調子になります。
軽さは、声の芯をなくすことではありません。
必要な時には輪郭を残し、必要のない時には重さを持ち越さないことです。
ミックスボイスと裏声の違いを知りたい人も、まず名称を当てるより、小さい音量で音程と声のつながりを保てるか確認すると実践しやすくなります。
「ダーリン」「Soranji」「French」で声の役割が変わる
「ダーリン」を発声面から解説した資料では、同じG4付近でも、軽いミックス寄りの声と、芯や揺れを強めた声が使い分けられていると説明されています。
同じ高さだから同じ発声を使うのではなく、言葉の役割に合わせて声の密度を変えているという見方です。
「Soranji」では、複数のボイストレーナーが軽いヘッドボイスやファルセットと、力強い声との対比に注目しています。
壮大さを出すためにすべてを大声にせず、細い声を残すことで、強い部分がかえって際立ちます。
ソロ曲「French」は、さらに面白い例です。
非常に高い音域が含まれる一方、楽曲全体では音量を抑えた繊細な表現が中心に置かれています。
高音の価値を「どれだけ大きく出したか」から切り離したことで、大森さんの声区移動や弱い声の安定が見えやすい作品になりました。
三曲に共通するのは、高音がゴールになっていないことです。
言葉を届けるために強くするのか、距離を作るために抜くのか、次の音へつなぐために軽くするのか。
声は曲の意味を変える道具として選ばれています。
自分の口に合う曲が、他人には難曲になる理由
大森さんが口心地や歌い心地を大切にしているなら、ミセスの曲は誰にとっても歌いやすくなりそうです。
ところが実際には、音域も言葉の運びも難しく、カラオケでは苦戦しやすい曲が少なくありません。
この一見した矛盾は、大森さんにとっての「自然」が、単純であることを意味しないと考えると解けます。
メロディーへ後から言葉を詰めるのではなく、母音の響き、子音の勢い、声の密度まで一緒に動かしながら、自分の口から最も表情豊かに出る形を探しているからです。
本人の中では滑らかにつながっている道筋でも、別の歌い手が音程と歌詞だけをなぞると、声を切り替える場所が見つかりません。
高音へ入る直前まで太い声を保ち、同じ勢いで頂点を目指した結果、本来は軽く通過するはずの音で急に苦しくなります。
「ダーリン」で同じ高さの声の密度が変わり、「Soranji」で細い声と力強い声が隣り合い、「French」で高い音域が静けさへ使われるのも、一つの発声を完成させて全曲へ当てはめていないからです。
曲ごとではなく、同じ曲の中でも声の役割を書き換えています。
大森さんの歌を面白く聴く鍵は、「この高音は何ボイスか」だけを当てることではありません。
なぜこの言葉では声が近づき、次の言葉では遠ざかるのかを追うと、難しい音程の連続だった曲が、細かく演出された声の物語に見えてきます。
真似しない方がよいのは、声色ではなく無理
大森さんの明るい音色や中性的な質感は、本人の持つ声にも大きく左右されます。
鼻へ押し込む、喉を細くする、息を大量に流すといった方法で表面だけを似せても、同じ仕組みになるとは限りません。
参考にできるのは、高い音へ一つの太さを持ち込まないこと、音量を下げてもつながる声を育てること、言葉に合わせて声の役割を変えることです。
大森さんと同じ音色ではなく、自分の声で選択肢を増やすことを目標にしてください。
発声中に痛みや強いかすれが出た場合は、その日の練習を中止します。
休んでも話し声の異常が続く時は、練習で慣らそうとせず、耳鼻咽喉科などへ相談してください。
まとめ｜軽さの正体は、声を選べる余裕にある
大森元貴さんの高音が軽く聞こえるのは、細い声だけで歌っているからではありません。
力強い声、ミックス寄りの声、ヘッドボイス、ファルセット、音量を抑えた声を、曲と言葉に合わせて選び直せるためです。
その選択は、歌う瞬間だけでなく、口心地や歌い心地を考えた曲作りから始まっています。
高い音を毎回太くせず、必要な芯だけを残すから、難しい音域でもフレーズが前へ進みます。
近づくための第一歩は、最高音を力で再現することではありません。
キーを下げ、小さな音量でも声区を行き来し、言葉ごとに声の役割を選べるようにすることです。
大森さんの軽さは、力がない音ではなく、力を使う場所を選べる音だと考えると理解しやすいでしょう。
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