KOTOKOさんの歌声を一言で説明しようとすると、すぐに矛盾が起きます。
「Re-sublimity」では冷たい光のようにまっすぐなのに、「さくらんぼキッス」ではアニメの登場人物のように弾み、バラードでは言葉の角が急にやわらかくなるからです。
本人も、作品に合わせて歌い方や声を変えてきたため、過去曲には「別人ではないか」と思うほど違うものがあると話しています。
これは声色の多い歌手というだけではありません。
KOTOKOさんは、一つの声を磨き続けたというより、曲の中へ入るための「役」を声ごと作ってきた歌手なのです。
KOTOKOの歌声は、曲の外から目立つための声ではない
電子音が細かく動く曲では、歌声も派手に動かしたくなります。
ところが、声まで常に大きく揺れると、伴奏と歌が競い合ってしまいます。
KOTOKOさんのデジタルロック曲では、声の輪郭を細く保ち、音程の中心を動かしすぎません。
高音でも母音を長く押し広げるより、言葉を次の拍へ素早く渡していきます。
そのため伴奏が密集していても、声だけが別の方向へ暴れず、曲全体が一本の速い流れとして聞こえます。
ここで大切なのは「電子音に負けない大声」ではありません。
強い照明の中で輪郭のはっきりした文字が読めるように、必要な線だけを残した声です。
高速曲の正体は、高音より「言葉を渋滞させないこと」
KOTOKOさんの曲は最高音だけを見れば、女性曲として極端に高いものばかりではありません。
難しさは、比較的高い場所にいながら、短い音符へ大量の言葉を乗せ続けることにあります。
子音を一つずつ強く発音すると、歌がカクカクします。
逆に母音だけで滑らかにすると、歌詞が伴奏へ溶けます。
KOTOKOさんの歌唱では、言葉の頭は見えるのに、そのたびに息の流れが止まりません。
これは早口の上手さだけではありません。
次の言葉を出すために、今の音を長く握りしめないことが重要です。
高音を一音ずつ成功させる発想ではなく、文章を最後まで運ぶ発想に近いでしょう。
歌手より先に作詞家として世に出たことが、歌い方を決めている
KOTOKOさんがプロとして最初に名前を出したのは、自分の歌ではなく提供曲の作詞でした。
歌手になる前から週に何曲も作り、オーディションでは約20曲分の音源と歌詞をまとめて渡したほど、言葉を作ることが活動の中心にありました。
だからKOTOKOさんの歌では、歌詞がメロディーの後から載った説明文になりません。
セリフ、合いの手、言葉の反復まで含めて、曲の人物がどう動くかを設計しています。
発声にも同じ考え方が表れます。
悲しい言葉を全部暗く歌うのではなく、平気なふりをしている人物なら明るい声を残す。
かわいい曲でも、表面の愛らしさだけでなく、少し危うい執着があるなら言葉の速度やアクセントで匂わせる。
声は感情を直接説明する道具ではなく、人物の本音を隠したり漏らしたりする衣装になります。
電波ソングでは、歌唱より先に「世界のルール」を作る
「恋愛CHU!」を作った頃、I’veにはまだ電波ソングという定着した型がありませんでした。
KOTOKOさんはポップな曲の注文に対して、頼まれていないセリフや合いの手まで歌詞へ入れました。
後の「さくらんぼキッス」でも、「キュンキュン」「ハイハイ」といった声が曲の外側の飾りではなく、物語そのものになっています。
この歌い方を、単なる高くかわいい声として真似すると平板になります。
必要なのは、主人公が本気でその世界に住んでいるように、台詞と歌の境目をなくすことです。
KOTOKOさんは、電波ソングの大切な条件を「少しおバカであること」と説明しています。
ただし、中身まで軽いわけではありません。
普通なら正面から言いにくい欲望や切実さを、突飛な言葉と明るい声で包むから、笑えるのに妙に記憶へ残ります。
デジタルロックでは、かわいさを消すのではなく一直線に畳む
「Re-sublimity」や「being」のような曲では、電波ソングの台詞的な表情が前面には出ません。
それでも別の歌手になったわけではなく、物語を届ける方法が変わっています。
細かなキャラクターを声の表面へ散らす代わりに、感情を一本の線へ畳む。
サビで高音が続いても、一音ごとに叫び直さず、フレーズの終点まで同じ方向へ進みます。
この直進性が、硬質なシンセサイザーの中で歌を強くします。
高音で滑舌が崩れる理由を考える時にも参考になります。
高音になるほど口を大きく動かすのではなく、必要な子音だけを短く置き、母音の流れを切らないことが、速い歌詞を保つ鍵です。
バラードでは「真ん中の声」に戻る
曲ごとに声を変えるKOTOKOさんにも、比較的装飾の少ない中心の声があります。
アルバムのように一つの作品へ多様な曲をまとめる時は、すべてを極端な役へ振らず、その真ん中の声で歌うことが多いと本人は説明しています。
この声では、電子音を切り裂く鋭さや、電波ソングの台詞回しよりも、文章の意味がゆっくり前へ出ます。
語尾を必要以上に震わせず、言葉を置いた後の余白を残すため、聞き手が自分の経験を重ねやすくなります。
独立後にロック色を広げた時期も、昔のデジタル曲へ戻った時期も、この中心がなくなったわけではありません。
むしろ選べる役が増えたからこそ、何も大げさに演じない声にも説得力が生まれました。
KOTOKOの高音は地声かミックスボイスか
KOTOKOさんの高音を一つの発声名だけで分類するのは難しいです。
曲によって、地声に近い輪郭を残す場面、軽い響きへ移る場面、台詞のような声色へ切り替える場面が違うからです。
「地声のまま高い」と感じる人と、「軽いミックスボイス」と説明する人がいるのは不思議ではありません。
聞こえ方を決めているのは、声区だけでなく、子音の強さ、母音の広さ、息の量、人物の設定まで含むからです。
初心者が注目するなら、発声名を当てるより、サビの途中で言葉が急に大きくならないことを見る方が役立ちます。
高音でも文章の速度を保てるため、声の高さが曲から突出しません。
20年後に増えたのは、高さより「登場人物の数」
20周年の再録では、昔の歌い方へ無理に寄せなくても、長年ライブで原曲を再現してきた習慣から自然に当時の形が出たと本人は振り返っています。
一方で、セリフやガヤは以前より上達し、一人で何人もいるような役づけができるようになりました。
つまりKOTOKOさんの変化は、昔の声を捨てて新しい発声へ交換したことではありません。
昔の役を呼び戻せるまま、新しい役と、役を着ない声まで増やしたことです。
電子音へ抜ける鋭い高音は、その大きな表現体系の一部にすぎません。
本当の強みは、曲が始まった瞬間に世界のルールを読み取り、そこへ最もふさわしい人物の声で入っていけることにあります。
まとめ
KOTOKOさんの歌い方が別人のように変わるのは、発声が安定していないからではありません。
作詞家として物語を組み立て、曲ごとに声の距離、言葉の速度、人物の輪郭を選び直しているからです。
電波ソングでは台詞と合いの手で世界を作り、デジタルロックでは感情を一本の線へ畳み、バラードでは中心の声へ戻る。
そのどれにも共通するのが、言葉を渋滞させず、最後まで運び切る力です。
KOTOKOさんを「高音が鋭い歌手」とだけ見ると、声の半分しか見えません。
同じ喉から何人もの主人公を送り出せることこそ、長い活動の中でも古びない歌声の正体です。
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