TOOBOEの歌い方｜息の量と響き、ライブであえて声を引く表現

「錠剤」の声の表情、「往生際の意味を知れ！」での響きの調整、ライブでの声の強さ。
本人の録音や舞台についての話から、TOOBOEの声の使い方を見ていきます。

TOOBOE「錠剤」（2022年）のMV。

歌う人の声に合わせて、曲の生かし方を変える

TOOBOEは、自分の声で歌う曲と、ほかの歌手に提供する曲を、違うものとして考えています。
2022年の音楽ナタリーでのyamaとの対談では、提供曲を作るときは、yamaの声を頭の中で鳴らしながら考える一方、デモは自分で歌っていると説明しました。

そこで生まれるのが、二人の声の持ち味の違いです。
yamaは「真っ白」の録音でキーを変更し、仮歌から何度も歌い直したと話しています。
TOOBOEは、自分とyamaでは声質のよさが出る部分が少し違うため、曲を合わせるのが大変だったのではないかと受け止めていました。

同じ旋律でも、誰の声で歌うかによって、いちばん映える形は変わります。
この対談でTOOBOEは、自作曲に最も合うのは自分の声だろうと考えたことも語っています。
癖のある声を、作品の中でどのように生かすかという意識が、その歌の土台にあります。

「錠剤」は、Aメロを抑え、Bメロから表情を濃くする

「錠剤」では、Aメロのテンションを抑え、Bメロからグラデーションを濃くしたと話しています。
そのときに挙げていたのが、同じメロディーと歌詞でも、声に含まれる息の量で伝わり方が変わるという気づきでした。

この曲を聴くときは、AメロからBメロにかけて、どんな表情の変化をつけようとしたのかに注目すると、歌い方を捉える手がかりになります。

ざらつく声と、録音で加わる響きを分けて聴く

歌い手の超学生は、plug+の連載で「錠剤」を分析し、TOOBOEの声質と音の処理の組み合わせに注目しています。
ここでいうウェットな処理とは、声に残響感を持たせる方向の録音上の処理です。
超学生は、もともとの声にあるざらつきと、この響きが合っていると評しています。

その判断は、音源だけでなく、ライブやラジオで本人の声に触れた経験も踏まえたものでした。
さらに「錠剤」では、激しい歌い方やシャウトが多いことにも目を向け、作品の人物や世界とのつながりを読み取っています。
本人の制作意図を代弁する話ではなく、別の歌い手から見た表現の評価です。

音源の声を聴くときには、歌っている声の質感と、周囲に広がる響きを、それぞれ意識できます。
TOOBOEの歌に感じる濃さには、本人が選ぶ歌い方に加え、録音でその声をどう見せるかも関わっています。

響きは、本人の感覚で調整する

2023年の「往生際の意味を知れ！」をめぐる取材では、「錠剤」以降、喉の中の響きを口に近い方へ寄せる意識で調整したと説明しています。
より内側にこもるような響きにしながら、歌い方そのものはポップにするという話でした。

声をすべてきれいに整えすぎず、独特の癖を残すことも意識していました。
響きの印象と、親しみやすい歌い方を、両方考えていたのです。

少ない伴奏の中で、声をどこまで生かせるか

曲の音数を減らしたときにも、自分らしさが残るか。
TOOBOEは、2024年のReal Soundの取材で、「fish」について話す中で、その課題を挙げています。

シンセサイザーの多さや速いテンポが、自分らしさの理由として挙げられることがあります。
それらを取り除いた状態でも成立するのかを試し、ピアノとストリングスと自分の声だけでも成り立たせたいと話しました。
この発言は、その時点での目標としての言葉です。

伴奏の目立つ音が少なくなると、声が作る表情やメロディーの運びへ、聴き手の注意が向きやすくなります。
その条件でも曲を聴かせられるかを考えることは、勢いのある曲とは違う歌の課題になります。
TOOBOEが声の強さを細かく選ぼうとする話も、この方向と合わせて捉えられます。

「あなたはかいぶつ」で、張る声と引く声を考える

「あなたはかいぶつ」の出だしは、ピアノと声だけです。
2026年2月のRolling Stone Japanの取材で、TOOBOEは、そうした曲を作りたかったものの、声を張ることと引くことのバランスがうまくいかず、先延ばしにしていたと振り返りました。
ようやく形にできたことが、自信になったそうです。

また、「あなたはかいぶつ」や「Nýx」が加わると、ワンマンライブの曲順にも緩急をつけられるようになったと説明しています。
にぎやかな曲を続けるだけでなく、落ち着いた曲を間に置き、全体のテンションを組み立てる余地が生まれました。
一曲の中の声の強弱と、公演全体の強弱が、つながっているのです。

一方、encoreの取材では、「あなたはかいぶつ」に残った課題も語っています。
本人は、主張の強い声が街中で流れるときには武器になる一方、アニメに寄り添ううえでは、もう少しできることがあったのではないかと考えていました。
歌として形にできた手応えがあっても、映像と一緒に届ける際の声の存在感については、さらに探る余地があるという話です。

「jewel」では、相手の声に任せる場所も作る

紫 今を迎えた「jewel」の制作にも、声の持ち味に合わせて歌う場所を考える工夫があります。
encoreでTOOBOEは、2番のAメロにあるヒップホップのようなノリを自分で歌ってみたものの、うまくいかなかったと説明しています。
そこで紫 今に任せ、最後に二人で掛け合う形になりました。

録音では、暗い感じ、明るい感じなどの注文に、紫 今がさまざまなテイクで応えたそうです。
ここで語られている器用さは、共演者への評価です。
TOOBOE自身は、曲の中でどの声を前に出すかを判断し、相手の表現が生きる場所を作っています。

自分一人の声で曲を成立させるバラードと、相手の声を迎える曲。
両方の制作を見ると、歌を強く印象づける方法が、一人で押し切ることだけではないとわかります。

ライブでは、声を張らずに引く表現も選ぶ

2026年のライブ用マイクの導入事例の取材では、バラードで声を張らず、あえて引く歌い方を選べることも話しています。
自分の声をモニターで確認しやすくなったことで、余分な力を抜いて歌えるようになったという説明でした。

小さく歌うと客席に届いていないのではないかという怖さにも、取材で触れています。
小さな声も拾われ、繊細な表現を届けられる安心感が、声の強さを選ぶ支えになっていました。

息、響き、声を強く出すか引くか。
本人がそのときどきに選んだ表現をたどると、歌い方を見る視点も広がります。
自分の歌への戸惑いから、声の選択を増やしていく歩みは、TOOBOEの歌唱変遷で取り上げています。

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