尾崎匠海(INI)の歌い方｜裏声の音量感と、感情の強弱を組み立てる歌

尾崎匠海の歌い方を、本人と藤牧京介が語った声の特徴や、制作時の工夫から見ていこう。

尾崎匠海＆藤牧京介(INI)「Unrequited Love」（2025年）の公式音源。

藤牧京介が語る、裏声でも出せるボリューム

2025年のBezzyの取材で藤牧京介は、尾崎の地声と裏声の差の少なさや、裏声でもボリュームを出せる点を評価している。
ボイストレーニングで作った基礎があるからだ、というのが、一緒に歌ってきた藤牧の見方だ。

この評価は、音の高さに加え、裏声に移っても存在感を保てるという共演者の実感として受け止めたい。

一言ずつ変える表情と、自然に出る声

WEBザテレビジョンの対談でも、藤牧は尾崎の表現の幅を挙げている。
曲の物語や言葉を受け取り、一言ごとにさまざまなニュアンスを付けられるという評価だ。
強弱に加え、同じ言葉をどんな気持ちで届けるかにも、尾崎の選択がある。

ただし、細かく工夫した歌だけが魅力というわけでもない。
藤牧は、尾崎が思うままに歌う声にも、すっと入ってくる良さがあると話している。
尾崎自身は、自分の歌いたい表現と、INIの曲に合う表現の間で迷うことがあるという。
声の個性を前へ出すか、曲の雰囲気に寄せるかという問題は、技術が増えれば自動的に解決するものではない。

そのため、尾崎の歌を聴くときは、表情の数だけを数えるより、どんな言葉で変化を付けているかに注目したい。
感情を強く押し出すところと、自然な声のまま伝えるところが、曲の中でどんな関係になっているかを見るのである。

「Unrequited Love」で組み立てる感情の強弱

Bezzyの取材で尾崎は、「Unrequited Love」を歌う際、最初は少し抑え、中間あたりで感情を強く出すことを勧めている。
曲の物語に沿って、感情にメリハリを付ける考え方だ。

ORICON NEWSでも、AメロやBメロの小さなニュアンスを二人で試したと話していた。
冒頭から中盤へ、声に乗せる感情をどう変えていくかを追うと、歌の組み立て方を考える手がかりになる。

また、QJWebの対談では、藤牧が「Unrequited Love」のリズムの難しさを説明していた。
しっとりした印象でも、AメロやBメロには多くの言葉が入り、リズムを保つ必要があるという。
これは二人で歌う楽曲の構造についての話であり、尾崎だけの癖を指摘したものではない。

感情を込めるために、どこまでも自由に言葉を伸ばせる曲ではない。
言葉の流れを保ちながら、どこで気持ちを抑え、どこから強めるかを考える。
歌の切なさと、リズムの整理を両方見ると、この曲が二人にとって簡単ではなかった理由も理解しやすい。

「プロポーズ」の高いキーと、二人で重ねる声

「プロポーズ」の収録について、尾崎はキーの高さに苦戦したことを語っている。
サビではユニゾンで支え合っていても、きつかったという。

尾崎匠海＆藤牧京介(INI)「プロポーズ」（2025年）のMV。

QJWebでは、尾崎が、サビで高いキーが続くため、その高さを保って歌う力が必要だと話している。
一瞬だけ高い音へ届くことと、高い位置のフレーズを続けて歌い切ることは、分けて考えたい。
「プロポーズ」は、後者の難しさを本人が挙げた曲である。

ユニゾンは、二人が同じ旋律を歌う形だ。
音が重なる安心感があっても、それぞれがフレーズを支える必要はなくならない。
声が一つにまとまるところで、二人の色がどんなふうに残るのかも聴きどころになる。

「Party Goes On」は、高音の中で楽しさを伝える

高い声をどんな表情で使うか、という別の例が「Party Goes On」だ。
J-WAVEの番組で尾崎は、この曲ではパーティーの楽しさが求められたと話している。
普段のかっこよさを前へ出す歌とは異なり、高いサビを歌いながら、楽しい気分も表現する点が難しかったという。

同席した藤牧は、実際に笑いながら歌う工夫にも触れている。
これは二人が紹介した制作時の話であり、笑えば誰でも高音が出るという意味ではない。
音程に届くことに加えて、その声が曲にふさわしい明るさを持つかどうかが、録音の課題になっていた。

「プロポーズ」と並べると、同じ高い声でも、曲から求められるものが違う。
長く高いフレーズを保つことと、その中で楽しさを表すこと。
尾崎の話は、高音の高さだけでは歌の難しさを言い尽くせないことを教えてくれる。

小さな場所で届く、二人のハーモニー

録音の細部を考えた二人は、路上でも声を届けている。
THE FIRST TIMESが伝えた2025年8月の隅田公園でのライブでは、リクエストに即興のアカペラで応え、会話を交えながら歌う姿が紹介された。
大きな演出を組んだ舞台とは違う距離で、歌を受け取ってもらう場だった。

最後に歌った「So You Can Shine」については、異なる声質が重なるハーモニーに、観客が聴き入ったと報じられている。
二人の声が似ているからまとまる、という説明だけでは捉えきれない場面だ。
違う色の声を持つ二人が、同じ曲の気持ちを共有することにも、デュエットの魅力がある。

尾崎も、この活動を通して、直接歌を届ける機会を大切にしたいという思いを語っていた。
細かな表現を作り込むことは、聴き手との距離を遠ざけるためではない。
目の前の人に届く声を探すことと、つながっている。

一人で歌うと見えてくる、グループの支え

Real Soundの取材で尾崎は、2025年のソロ公演『CAFE』を、自分や好きなものを知ってもらう場として作ったと振り返っている。
リクエスト企画やオリジナル曲などを組み合わせ、公演全体の釣り合いを考えたという。
歌の力を見せることだけを目的にした構成ではなかった。

一方で、すべてを一人で担ったからこそ、普段は11人で助け合っている部分にも気づいたそうだ。
ラップやダンスを含め、一人で作れる迫力と、グループで作る迫力は違う。
自分の良さと課題の両方が見えたという話には、声だけを切り離して上達を考えない姿勢が表れている。

尾崎は、CUTが公開したインタビューの抜粋では、芝居が別の人になる行為であるのに対し、歌は自分自身の表現だと説明している。
歌詞の人物になりきることだけを、歌の表現の答えにはしていない。
自分がその曲をどう受け取り、どんな気持ちを声にするかが残っているのである。
言葉の細部に表情を付ける歌でも、本人らしさを消してしまう必要はない。

曲の物語を理解し、相手の声を受け取りながらも、自分の声で届ける。
その軸があるからこそ、裏声の存在感も、細かな感情の変化も、尾崎匠海の歌としてつながっていく。

自分の声への迷いと、その声を生かす表現を探してきた歩みは、尾崎匠海(INI)の歌唱変遷で振り返っている。