鬼頭明里の歌い方｜張る声と、力を抜く声をどう使い分けるのか

鬼頭明里は、自分の声は張ると細く感じられると話しています。
力を込めるだけでは、欲しい重さに届かないことがあるのです。

その人が、爽やかなロックを歌い、低い息交じりの声を聴かせ、自然に裏声へ移り、さらに重たい歌にも挑んでいる。
鬼頭の歌い方を面白くしているのは、声を強くする一本道ではなく、曲に合う響きへ向かう選択肢の多さです。

役の声を作るときと、自分が気持ちよく出せる声で歌うとき

「Swinging Heart」の録音では、キャラクターに合わせて声を作るときとは違い、本人が気持ちよいと感じる音を出すことを心掛けました。
それまでのかわいらしいキャラクターソングから離れ、好きな爽やかなロックを、自分自身として歌う試みです。
声優だから必ず役を作り込んで歌う、というわけではありません。

同じデビュー盤でも「dear my distance」は、しっとりした流れからサビが盛り上がる曲でした。
本人は、その両方を歌う気持ちよさを語っています。
この違いを踏まえると、鬼頭の自然な歌声を一つの音量や高さで決めるのは難しいでしょう。
快く歌えると感じる場所が、速いロックの中にも、静かな部分を持つバラードの中にもあるからです。

裏声へ移ることと、声を張らずに歌うこと

「Esquisse」での裏声と地声の行き来は、出しやすい声で歌うと自然にそうなる、と鬼頭は説明しています。
静かに録音することには、経験を重ねて慣れていきました。
裏声へ移れることと、曲全体を穏やかに運べることは、別の要素だったのです。

「Crescent Lullaby」では、低音やささやくような声の響きを本人が好んで選びました。
「illminate」では、歌唱の息遣いをミックスでも残しています。
息遣いがどう届くかには、歌い方と録音後の仕上げの両方が関わります。

「Dear Doze Days」は、かわいさの奥にいる相手を考える

「Dear Doze Days」では、作品の主人公とヒロインの仲のよさを、甘くかわいらしい曲の中へ持ち込みました。
特に何度も出てくる朝の挨拶には、相手を愛おしく思う気持ちを込めています。
かわいい声を出すことだけで終わらず、誰に向けた言葉なのかを考えているのです。

この録音でも、細かな方向を指示されて形を変えたというより、自分で持ち込んだ歌い方がそのまま生かされました。
本人は、メロディを覚えてから、現場で出る声を曲の雰囲気に合わせることが多いと話しています。
最初から全部の表情を固めすぎず、録音する場で生まれる声にも任せる。
その一方で、気持ちを置きたい言葉には、きちんと相手の姿を思い浮かべるのです。

重いロックでは、声を張るだけで解決しない

「光よ、僕に。」では、自分にはやりすぎと思えるほど強く表現してみたところ、曲の中ではちょうどよかったといいます。
求めたのは、声の太さや重量感でした。
同作の「HYPE ALIVE」では逆に力を入れすぎず、ラップを細切れにせずまとまりで録り、リズムを生かしています。

重さを出す声と、リズムへなじむ声を選び分けています。

「Tiny Light」と「Closer」は、別の準備を必要とする

2020年の「Tiny Light」は、バラードを基調にしながらサビで盛り上がる曲です。
鬼頭自身も、その展開を歌う楽しさから、よく聴いている曲に挙げていました。
穏やかに始まる曲だから、最後まで同じ小ささで歌うということにはなりません。
曲が開けていくところで声を届ける楽しみも、バラードの中にあります。

その曲の録音では、ささやくような歌い方をもっと使うよう、制作側から求められました。
本人が目指していたのは、アニメの雰囲気を壊さない美しい歌でしたが、指示に応えて歌うことで、さらに曲に声が乗る感触を得ています。
物語の終わりに流れてくる音楽として、作品へ溶け込むための選択でもあったのです。

同じシングルの「Closer」では、大人っぽい曲調に挑むこと以上に、多い英語をどう歌うかが課題になりました。
それまでは英語をカタカナ読みで捉えがちだったため、今回はよく練習して録音に向かったと話しています。
曲の雰囲気から自然に出る声を大切にする人でも、発音の準備は別に必要だったのです。
声色を選ぶことと言葉を扱うことが重なって、初めてその曲の歌い方になります。

しかもこの曲では、発音への不安を聴き手に感じさせず、余裕を持った様子で歌う必要がありました。
丁寧に準備していることを、歌の中では重たく見せない。
それもこの曲の難しさだったといいます。

生演奏に背中を押されると、歌い慣れた曲も変わる

2025年の『Sound Inn S』では、「With a Wish」を船山基紀の編曲で、「キャンバス」を冨田恵一の編曲で歌いました。
本人が振り返ったのは、豪華な生演奏に背中を押される感覚です。
既に自分のレパートリーにある曲でも、いつもと違う演奏の中で歌うこと自体が、新しい経験になっていました。

歌声を聴くときには、この周囲の音との関係も大切です。
声だけを同じ条件で並べているのではなく、編成や音の厚みが変わる中で、そのときの歌が生まれます。
いつもの曲を別の編曲で聴くと、メロディを知っているからこそ、声がどのようにその場へ加わっているかに目を向けやすくなります。
本人が演奏から受け取った力まで含めて、一回の歌唱なのです。

2026年のアコースティック公演でも、曲による声の違いは残っていました。
横浜の最初のステージでは「Nonfiction Nook」にささやくような声があり、「晴れ待ちノオト」には丸みのある声がありました。
楽器を減らしたから一律に控えめになるのでなく、言葉が詰まる曲も滑らかに運びながら、それぞれの表情を見せています。

Nonfiction Nook――『Journey』収録の音源（2025年）

鬼頭明里の歌を聴くなら、強く響く瞬間だけでなく、その直前にどんな声を選んでいたかにも注目したくなります。
裏声へ移る自然さ、低い声に残る息、愛おしい相手へ向ける挨拶、重い楽器の中へ出す太さ。
それぞれが違う曲のために働いていて、どれか一つだけが本当の声なのではありません。
そうした選択肢を増やしてきた歩みは、鬼頭明里の歌声の変遷でたどっています。