BoAさんの歌を語るとき、「ダンスが激しいのに歌が安定している」という驚きが先に来ます。
けれど、その理由を体力や肺活量だけに求めると、いちばん面白い部分を見落とします。
BoAさんは14歳で日本デビューした当初、日本語のタ行やザ行、小さな「っ」に苦戦していました。
歌詞をハングルで書き、意味を覚え、ルビを頼りに歌うところから始めています。
つまり、彼女の日本語の歌は、最初から自然に口をついて出たものではありません。
一つひとつの音を拍のどこへ置くかまで覚え直し、それをダンスの動きと同時に再現できる形へ変えていったものです。
BoAさんの安定感は、強い声を出し続ける能力ではありません。
言葉、リズム、声の重さを曲ごとに組み替えながら、それでも「BoAの声」と分かる芯を残せることにあります。
ダンスの最中も、全部を大声で歌っているわけではない
ダンス曲で歌を崩さないためには、呼吸を増やすだけでは足りません。
大きく動けば呼吸の周期は乱れやすく、全音を強く押し出せば、短いフレーズでも首や顎へ負担が集まります。
低中音には厚みを残し、高音では裏声や頭声側の軽さも使い、音程の再現性を保つ。
一つの重い声を上まで運ぶのではなく、曲の中で必要な重さを選び直せるため、振付があっても声の出口を失いにくいと考えられます。
この点は、三浦大知さんの息継ぎまで設計する歌い方にも通じます。
ただし、三浦さんが細かな息継ぎとグルーヴで動きを歌へ溶かすのに対し、BoAさんは発音の輪郭を短く立て、声を長く抱え込まないことでダンス曲を前へ進めます。
「踊れるほど体力があるから歌える」のではありません。
踊っている時に何を強くし、何を軽くするかを決めているから、歌が残ります。
日本語を覚える過程が、歌の輪郭を作った
日本デビュー時のBoAさんは、日本語の歌詞をハングルで書き直して内容を覚え、漢字にはルビを振ってもらっていました。
特に難しかったのが、韓国語とは扱いの違うタ行、ザ行、小さな「っ」です。
これは弱点の告白に見えますが、長い目で見ると歌い方の土台になりました。
母語なら無意識に流してしまう音を、BoAさんは意識して分解し、リズムの中へ置かなければならなかったからです。
『VALENTI』のような速い曲では、母音を長く響かせるだけでは言葉が伴奏に遅れます。
子音を短く立て、次の音へ移るタイミングをそろえることで、声量以上の推進力が生まれます。
現在の滑らかな日本語を聞くと、最初から発音に困らなかったように思えます。
実際には、難しかった音を避けずに一つずつ身体へ入れた結果です。
BoAさんの歌がダンスの中でも言葉を失わないのは、日本語を「意味」と「運動」の両方として覚えた経験と切り離せません。
『VALENTI』と『メリクリ』は、同じ高音を使っていない
BoAさんの代表曲には、『VALENTI』のように身体を前へ押すダンス曲と、『メリクリ』のように息の余白を聴かせるバラードがあります。
この二曲を同じ声量、同じ響き、同じ呼吸で歌えば、どちらかが不自然になります。
『VALENTI』では、音の頭を明確にし、短いフレーズを拍へ置く力が重要です。
一方の『メリクリ』は、低い部分の柔らかさ、裏声に近い入り、サビで少しずつ増す声量、長い音の終わり方が曲の情景を作ります。
『メリクリ』の難しさは、高音を大声で張ることではなく、息と声の比率を保ち、ファルセットやビブラートを場面ごとに使い分けることにあります。
BoAさんの高音を「地声が強い人」と一言で片づけられないのは、この曲ごとの切り替えがあるためです。
強い曲では軽く切り、静かな曲では細い音を長く保つ。
どちらも音量の勝負ではなく、声をいつ離すかの判断です。
低音の厚みがあるから、高音を毎回見せ場にしなくていい
BoAさんの声は高音だけが注目されがちですが、低音にもしっかり声の成分が残ります。
低い音で息だけにならず、言葉の芯を保てると、曲全体を高い位置で押し続ける必要がありません。
ここがダンス曲で大きな意味を持ちます。
低中音に十分な存在感があれば、サビ以外で力を温存し、高音だけ声の重さを変えられます。
一曲を通して同じ強度で走るのではなく、声にも緩急を作れるわけです。
『Only One』では、動きの細かさに反して、歌声は必要以上に硬くなりません。
『Better』や『Crazier』のような後年の作品では、若い頃の明るい高音だけでなく、低い声の色やリズムの粘りが曲の中心に置かれます。
年齢によって声が単純に低くなったというより、低い場所を表現として使う場面が増えました。
そのため、高音は「常に強さを証明する音」ではなく、曲の中で選べる一つの色になっています。
三つの言語で歌った経験が、一つの型に固まるのを防いだ
BoAさんは韓国語、日本語、英語で作品を発表してきました。
言語が変われば、母音の長さ、子音の強さ、言葉を区切る位置も変わります。
日本語では一音ずつの粒をそろえ、韓国語のダンス曲では子音と語尾の勢いを使い、英語圏へ挑戦した時期にはR&Bのリズムへ言葉を近づけました。
すべてを同じ発声で押し通すのではなく、言語に合わせて声の動きを変える必要がありました。
この経験が、BoAさんを「この声しか出せない歌手」にしなかった理由の一つです。
明るい少女の声、強いダンスボーカル、息を含むバラード、低音の目立つ大人のR&Bを、別人のように切り離さず同じキャリアへ収めています。
真似したいのは声色ではなく、残すものを決める考え方
BoAさんの鼻に集まるような音色や鋭い高音だけを真似すると、喉を狭くした声になりやすくなります。
また、ダンスをしながら最初から原曲の声量を再現しようとすると、歌より先に呼吸が崩れます。
参考にしたいのは、すべてを同時に最大にしないことです。
速い曲なら言葉と拍を残し、声の長さを軽くする。バラードなら動きを減らし、弱い音の芯を残す。高音を強くする場面では、その前の低中音で使いすぎない。
これはISSAさんが踊っても高音を安定させる歌い方にも見られる考え方です。
完成形の音色をコピーするより、曲の中で何を優先したのかを見る方が、自分の歌へ持ち帰れます。
BoAさんの歌唱力は、25年間ずっと同じ声を出せたことではありません。
違う言語、違う振付、違う年齢の身体で、毎回「この曲で残すもの」を選び直せたことです。
その選び方が時代とともにどう変わったのかは、BoAの歌声の変遷で詳しくたどります。
こちらの記事もおすすめ
コメント