髙塚大夢さんは、INIの中でもハイトーンを担うボーカリストとして知られています。
オーディション当時から、クリアで強い高音は大きな武器でした。
ところが、本人の話を追うと、歌声の面白さは最高音の高さだけでは説明できません。
バンドでは一瞬で客席へ届く熱量を学び、アカペラでは自分が一歩引いて全体を整える感覚を学び、INIでは限られた数秒のパートに最適な声色を選ぶようになりました。
さらに2026年のソロ曲では、高音を目立たせるのではなく、中音域がきれいに響く少し低めのキーが選ばれています。
「高い声が出る人」が、あえて高音だけを見せ場にしない。
髙塚大夢さんの発声を理解する鍵は、声の高さより、前へ出る時と混ざる時を切り替える判断にあります。
ハイトーンの人なのに、魅力は高音の手前にある
髙塚大夢さんは、自分を高いパートを担当するボーカリストとして説明してきました。
INIの楽曲でも、サビや終盤の高音が強い印象を残します。
そのため、「地声でどこまで出しているのか」「ミックスボイスなのか」という疑問が生まれやすい歌手です。
ただし、公開された歌だけから、声帯や喉の動きを一つの発声法へ決めることはできません。
本人が繰り返し語っているのは、特定の発声名よりも、曲とパートに合わせて声の雰囲気を変えることです。
強く出るべき場所では前へ出て、強すぎると悪目立ちする場所では周囲へなじむ。
この調整があるから、高音が一曲から飛び出した見せ場にならず、前後のフレーズから自然につながります。
髙塚大夢さんの強みは「高音だけ別の声で当てること」ではなく、曲の流れの中へ高音を置けることです。
地声と裏声の境目そのものを整理したい場合は、声区融合のやり方も参考になります。
バンドとアカペラは、歌い方が反対の二人の先生だった
高校時代の髙塚大夢さんは、軽音楽部でボーカルを担当しました。
本人によれば、当時は歌をうまくまとめる力に自信がなく、それでもライブの一瞬で客席へ感情を届ける経験を重ねています。
バンドから得たものを、本人は「パッション」と表現しました。
技術を整えてから歌うのではなく、その瞬間に刺さる表現を優先する感覚です。
一方、大学では歌をもっと磨くためにアカペラサークルへ入りました。
複数の声だけで音楽を作る環境では、一人だけが感情のまま前へ出ると、ハーモニーが崩れます。
そこで身についたのが、一歩踏みとどまり、音楽全体を考える姿勢でした。
バンドでは前へ出る力を、アカペラでは引く力を学んだことになります。
この二つは、互いを打ち消していません。
熱量だけなら叫びに近づき、整えることだけなら表情が薄くなるところを、両方の経験が支え合っています。
髙塚大夢さんの高音に勢いがありながら、いつも同じ強さに聞こえない理由は、この相反する二つの感覚から考えると分かりやすくなります。
11人組では、長く歌えないことが技術を増やした
バンドのボーカルは、一曲を通して自分の声で物語を運べます。
アカペラでも、担当する役割は曲の間を通して続きます。
INIは11人組なので、一人が歌える時間は限られます。
髙塚大夢さんは、この短さこそがグループで歌う際の重要な違いだと話しています。
数秒しかないパートで自分の色を出しながら、前後を歌うメンバーの声も壊さない。
そのため、声を強くするだけでなく、パートによって雰囲気を変え、細部へ意識を向けるようになりました。
本人が「Bullseye」を紹介した際にも、低いラップとボーカルのハイトーンが均等に生きるバランスを魅力として挙げています。
高音担当でありながら、高音だけが勝つ曲を理想にしているわけではありません。
これはソロ歌手とは異なる成長です。
歌えるフレーズが短くなったことで、一音ごとの役割を濃く考えるようになりました。
同じINIでも、柔らかな声を相手へなじませる藤牧京介さんとは、歌声の置き方が異なります。
藤牧京介さんの歌い方・発声と比べると、同じ高音域でも声の仕事が一つではないことが分かります。
声を低くする経験が、高音以外の輪郭を見せた
2023年にアニメ映画の主人公を演じた時、髙塚大夢さんは普段の話し声より低い声を求められました。
本人の声は比較的高く、役柄は年齢も体格も上に見える青年だったためです。
歌の高音を伸ばす仕事とは反対に、声の重心を下げて人物を成立させる必要がありました。
声を低くすれば終わりではなく、低い声のまま感情と台詞を届けなければなりません。
この経験は、歌声にもつながります。
声の高さだけで人物や場面を描くのではなく、同じ音域でも明るさ、重さ、距離感を変える意識が強くなったからです。
髙塚大夢さんの歌にある滑らかさは、音程を途切れさせないことだけではありません。
高い声、低い声、強い声、柔らかい声の間で、曲の登場人物まで途切れさせないことにあります。
「またどこかで」は、高音より中音域を選んだ
ハイトーンで知られる歌手のソロ曲なら、最高音を大きな見せ場にしたくなるものです。
「またどこかで」の制作では、反対の判断が行われました。
楽曲を決める段階で、髙塚大夢さんは5、6曲のデモをすべて仮歌にしました。
その歌をもとに、声質とキーを細かく検討し、中音域のきれいさが生きる曲が選ばれています。
キーについても、少し下げた方が声に味が出るという判断がありました。
高く出せるかではなく、どの高さならこの歌の人物が最もよく見えるかを優先したのです。
レコーディングでは、AメロとBメロ、現在と過去、相手の台詞と主人公の記憶に合わせて声の質感も変えました。
明るくかわいらしくする場所、優しく笑うように歌う場所、少し拗ねた雰囲気を作る場所を分けています。
ここで高音は、歌唱力の証明ではなく、物語を作る色の一つになりました。
中音域を中心にしたからこそ、声色の変化が細かく見える作品です。
技術が見えなくなることを、次の目標にしている
髙塚大夢さんは、近年バラードを歌う面白さを強く感じるようになりました。
一方で、自分が歌う時には、ビブラートなど細かな技術へ意識が向きすぎることもあると話しています。
本人が目標として挙げたのは、難しいことを自然に行いながら、上手さそのものを前面へ出さない歌です。
これは、これまでの歩みとよくつながっています。
バンドで得た熱量は、技術を忘れて感情を届ける力です。
アカペラで得た感覚は、自分の技術を全体のために使う力です。
INIでは、その二つを短いパートへ収めました。
高音を高く聞かせることから、高音がそこにある理由を作ることへ。
技術を増やした先で、技術が目立たない歌を目指している点が、髙塚大夢さんの現在地です。
初期から現在まで、その判断がどう増えていったかは、髙塚大夢さんの歌唱変遷で年代順にたどれます。
まとめ
髙塚大夢さんの歌い方は、クリアなハイトーンだけでは説明できません。
バンドで前へ出る熱量を覚え、アカペラで一歩引く感覚を覚え、INIでは限られたパートに合う声色を選ぶようになりました。
高音が自然につながって聞こえるのも、最高音だけを別の技として扱わず、曲全体のバランスへ置いているからです。
声優経験では低い声で人物を作り、「またどこかで」では少し低めのキーと中音域を選びました。
高い声を出せることは、確かに大きな武器です。
しかし、その武器をいつ使わないかまで考えられることが、髙塚大夢さんの本当の強さです。
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