NakamuraEmiの歌を「ラップのように速い」とだけ捉えると、面白い部分を見落とします。
「YAMABIKO」では、短い語をリズムに沿って送り出す箇所と、音を伸ばして思いを残す箇所が一曲にあります。
言葉の数を変えるだけではなく、聴き手が意味を受け取るための時間も切り替えているのです。
本人の公式プロフィールは、ヒップホップやジャズとの出会いから、歌とフロウの間を行き来するスタイルになったと説明しています。
ここでは年代ごとの変化ではなく、曲の中で「語る」と「歌う」をどう配分するかを考えます。
本人とプロデューサーのカワムラヒロシが語った制作の工夫には、言葉を届けるために声の置き方まで考える姿勢が表れています。
「YAMABIKO」の核は、速さよりも言葉の行き先にある
「YAMABIKO」は2016年のメジャーデビュー盤の冒頭曲です。
本人は当時、震災を前に自分に何ができるかを考え、人と比べずそれぞれの目標に向かう人たちの姿を歌にしたと話しました。
命令口調の勢いだけで歌う曲ではなく、自分も変わりたいという願いを持つ曲です。
その前提が分かると、短く並ぶ言葉が単なる早口の技巧に聞こえにくくなります。
フロウは、言葉の音節やアクセントを拍の中で進める方法です。
旋律を伸ばす歌と対立するものではありません。
この曲を確かめるなら、言葉が細かく進む箇所と、母音が長く保たれる箇所の境目に注目できます。
音節が密なところでは事柄を次々に提示でき、伸ばすところでは一つの思いを置いておける。
両方の役割があるから、情報量の多い歌詞が単調な朗読で終わりません。
もっとも、文字を小節に詰め込めば彼女と同じになるわけではありません。
言いたいこと、語尾、息を置く場所、伴奏の空き方が結びついて初めて言葉が届きます。
彼女の歌唱を一般的な「速く歌う練習法」に還元しないことが大切です。
「Don't」「かかってこいよ」――強い言葉の向け先を分ける
2017年の「Don't」と2018年の「かかってこいよ」は、共に短く強い言葉が印象に残る曲です。
ただ、タイトルの強さだけで同じ歌い方だと決めることはできません。
「Don't」はアニメ主題歌として、短い尺の中で呼びかけを立ち上げます。
「かかってこいよ」は、本人が『NIPPONNO ONNAWO UTAU Vol.5』で扱った「コミュニケーション」という関心とともに考えられます。
声の強さの向こうで、誰に何を返そうとしているかが違うのです。
二曲を比べるなら、まず呼びかけの単位が短いか長いか、続く旋律が言葉を押し切るか余韻を残すかに耳を向けると、二曲の設計を考えやすくなります。
「1の次は」――伝えたい言葉を、旋律が受け取れる形にする
彼女自身の説明がとくに具体的なのは、2021年『Momi』の「1の次は」です。
以前は日記に近い言葉を、メロディーやリズムに多少合わなくても残していました。
この曲ではメロディーを変えず、意味の濃さも落とさず、それでも歌ったとき気持ちよく入る表現を何か月も探したと話しています。
完成した一行だけ見ても、その裏の選び直しは分かりません。
ここには、発音しやすさだけではない問題があります。
同じ意味を伝える文でも、音節の数、母音が続く位置、強調したい語が拍のどこへ来るかで、歌の重心は変わります。
NakamuraEmiが取材で言う「心地よさ」は、曖昧に整った感じではなく、聴き手へ意味が届く流れを探す作業として読めます。
旋律の形を守るからこそ、別の言い回しへ変える必要が生まれる。
歌いやすさと伝えたい内容を、言葉の側から両立させたのです。
同じ『Momi』の「いただきます」は、カワムラヒロシと作詞作曲の段階から共同制作した曲です。
本人は、自分の考えを全面に出しすぎないと決め、相手の意見を重く受け取ったと説明しました。
自分一人の言葉を歌に載せるのとは別に、共作者と一つの表現を作る場です。
「1の次は」と並べると、どちらも言葉を大事にしながら、譲らないものと人に任せるものの境界が違います。
言葉を受け止める伴奏にも工夫があります。
『Momi』では生のドラムを使わず、打ち込みを取り入れました。
ただしカワムラが目指したのは、同じパターンを単純に繰り返すことではありません。
打ち込みでも人が演奏しているようなグルーヴを作り、さらりとした音に彼女の言葉を載せる実験だったと説明しています。
声の力だけで聴き手を引っ張ると、伴奏まで強く押し出したくなるかもしれません。
この制作では、声を支える音の手触りを変えることで、歌詞を届ける別の道を探しました。
声量の大小に加え、声と伴奏の組み合わせを聴くと、このアルバムの狙いが分かりやすくなります。
小さい声も使えることと、弱い歌になることは違う
カワムラは『Momi』制作時に、彼女がボイストレーナーについて声の使い方とケアを学び、力強さ以外の響きも作品へ入れたと話しました。
これは、以前の歌い方を「間違い」とみなす発言ではありません。
歌う人が選べる声の幅を増やす話です。
静かな語りかけに近い部分は、伝えたい相手が近くにいるような距離を生みます。
しかし単に音量を下げるだけで同じ表現になるわけでもありません。
『KICKS』の録音をめぐっては、普段の会話の延長で歌える場所を選んだと本人とカワムラが説明しています。
歌唱そのものと同じくらい、どの場で、どのマイクへ向けて歌うかが結果に関わります。
しかも共演者と同時に演奏する曲は、緊張感を得るためにスタジオを選びました。
「自然体」は常にリラックスして歌うという意味ではなく、その曲に必要な条件を選ぶことです。
カワムラは録音した歌を細かく直しすぎず、音程が完全に揃ったテイクより人間らしいニュアンスを優先する場合があるとも話しています。
NakamuraEmiも音程よりニュアンスを大事にしていると応じました。
スタジオで選ぶ一つのテイクが、何を伝える曲なのかに合っているか。
その判断を二人が重視しているのです。
その選択が具体的に分かるのが、MASSAN×BASHIRY、XinUと共演した「Hello Hello」です。
カワムラによると、この曲はスタジオで同時に録音し、マイクを回して歌いました。
一人ずつ歌って後から重ねる方法とは、次の歌い手を迎える条件が異なります。
相手が歌い終えるのをその場で受け止め、自分の言葉を渡す。
歌う人同士のやり取りも、録音に残そうとしたわけです。
「雪模様」でさらさ、伊澤一葉と共演した際も、同時に演奏する方法を選びました。
部分的な録り直しをなるべく避けたというカワムラの説明は、音程だけでテイクを選ばなかったという話とつながります。
一音の整い方だけでなく、曲を通して生まれた流れを残すことにも価値を置いていたのです。
歌い方を聴き分けるなら、三つの問いを持つ
第一に、言葉の密度です。
短い語が続く部分は何を具体的に伝え、長く伸びる部分には何が残るか。
第二に、呼びかけの相手です。
自分を励ます言葉と、目の前の誰かへ話す言葉では、同じ強い声にも別の距離が生まれます。
第三に、録音の条件です。
曲によって生演奏の一体感を選ぶか、くつろいだ場で会話の延長を選ぶかが違います。
『Momi』の制作後には、過去の曲をライブで歌う際にも余裕が生まれ、違う解釈ができるようになったとカワムラは話しています。
新しい声の使い方は新曲のためだけのものではなく、歌い慣れた曲の届け方を選び直す力にもなるのでしょう。
初期から『KICKS』までの選択の順序や転機は、NakamuraEmiの歌唱変遷でたどれます。
こちらの記事もおすすめ
コメント