ナオト・インティライミの歌い方｜低い声、独り言、スキャットで変わる歌の距離

ナオト・インティライミの歌を、明るく力強い声だけで説明するのはもったいないことです。
低く力を抜く声、独り言に近い声、言葉を離れてリズムを作る声。
それぞれをどんな曲で選んでいるかを見ると、歌の近さと躍動感を両立させる工夫が見えてきます。

低い声では、力を足すより抜いてみる

「Que sera sera」で本人が意識したのは、低い音域で、いかに力を抜くかでした。
海辺の気だるい空気を持つ曲に、張り切った声を押し込まない。
低音を重く鳴らす迫力より、曲の中でくつろぐような歌を選んでいます。

同じアルバムの「Let me…」には、裏声を使うファルセットの官能的な表情もあります。
曲に与えたい空気によって、声の性格も変えています。

低い音は太く、高い音は強く、という選び方だけでは、この二曲の違いを捉えきれません。
同じ歌手が、低音では緊張をほどき、高い声では別の柔らかさを持ち込む。
歌い方を知る入口になるのは、声が出せる範囲より、その声を曲の中でどう使うかです。

歌のリズムを、伴奏ができる前から作る

「Start To Rain」は、歌を先に録り、その後に日本で楽器を録音した曲です。
ナオトは、まだ演奏されていない音の動きや、跳ねるリズムを想像して歌い、その声に合わせて編曲を組み立てました。
歌は完成した伴奏へ乗るだけでなく、伴奏の進み方を決める役目も担っています。

本人は、自分の声も音楽の素材として捉えています。
旋律を正しく歌うことに加え、声が入ることで曲全体にどんな動きが生まれるかを考えているのです。

「恋する季節」でも、一番と二番を同じ形で繰り返すだけにはしていません。
言葉の量を変え、ラップに近い部分を入れながら、大きく開くサビへつないでいます。
歌の中に違う密度を作ることで、サビの広がりが際立つ構成です。

言葉を細かく置く部分と、旋律を大きく描く部分では、声が使う時間が違います。
すべての語を同じ長さ、同じ強さにすると、その差が小さくなる。
ナオトの歌では、メロディーをなぞるだけでなく、声で曲の流れを作る視点が欠かせません。

「EQ」では、独り言に近い距離で歌う

Rin音との「EQ」では、ナオトの歌は比較的クールな表情になっています。
本人は、会いたい相手のもとへ車を走らせる人物の心の声が、独り言に近い歌へつながったのかもしれないと振り返っています。
最初から相手の声に合わせて歌った、という制作ではありませんでした。

ここでの近さは、客席へ大きく呼びかける歌とは違います。
人物が自分の中で考えていることを歌うため、声を外へ押し出しすぎない表情が合う。
曲の中で誰が誰に話しているのかを考えると、声の温度を変える理由も分かりやすくなります。

一緒に歌う相手が、次の声を引き出す

JAMOSAとの「トリステーザ」では、掛け合いやハーモニーを作る部分で、互いの姿をガラス越しに見ながら歌を録りました。
別々の完成した歌を後から合わせるだけでなく、相手の表情や歌い方を受け取れる状況です。
二人は、その場でやり取りすることで生まれる力を感じていました。

ナオトにとっては、自分の作ったメロディーを別の歌手が歌う、初めての経験でもありました。
頭の中にあった歌が、他人の声によって違う表情を持つ。
相手の歌を聴いてから返す声には、一人で決めきった歌唱とは別の発見があります。

デュエットでは、二人の声量をそろえれば関係ができるわけではありません。
相手が強く出た後をどう受けるか、どこで一緒に歌うかによって、一節の意味も動きます。
ナオトの人を巻き込む歌は、呼びかける力と同時に、相手から受け取る柔軟さにも支えられています。

映画の歌では、まず元の声へ寄り添う

「マリーポーサ ～羽ばたく未来へ～」では、原曲を歌うセバスチャン・ヤトラの声に寄り添うところから始めました。
そのうえで、日本語で受け取りやすいリズムを考え、自分自身の経験も自然ににじませていく。
自分らしさを最初から前面へ出すだけでは、たどり着けない歌の作り方です。

原曲の歌い方を尊重することと、同じ音をそっくり再現することは、必ずしも重なりません。
言葉が日本語になれば、音節の数や、言葉が進む感覚も変わります。
元の歌が持つ気持ちを受け継ぎながら、別の言葉で届く声へ調整することも、歌手の仕事なのです。

スキャットと、ゆっくり熱を上げる歌

ナオトは、ギター一本の弾き語りでも、客を踊らせたいと考えています。
伴奏が少なければ、しっとりしたバラードだけになるわけではありません。
声と楽器の動きで、さまざまな感情の流れを作ることを目指しています。

2020年のFM802のスタジオライブでは、「あの素晴らしい愛をもう一度」に、ボイスパーカッションや速いスキャットを織り込みました。
言葉の意味を届ける声から、声そのもので拍や流れを生む表現へ広がっています。
ギターと一人の声でも、歌に多くの動きを持ち込める例です。

さらに終盤では、共演のビッケブランカと司会の大抜卓人を、その場でコーラスへ誘いました。
歌を一人で完結させず、周囲の声も巻き込んでいく。
即興は速く歌う技だけでなく、歌う人を増やす働きも持っています。

2025年七月十日の弾き語り公演でも、「オモワクドオリ」の途中には長いスキャットがありました。
一方、「未来へ」は穏やかに始まり、次第に熱を帯び、最後に力強く歌う流れでした。
同じ舞台で、声を細かく動かす面白さと、一曲を通して感情を育てる歌を使い分けています。

「ブエナ ヘンテ〜愛しい君へ〜」では、終盤にギターを止め、アカペラで歌っています。
声へ楽器を足して盛り上げる方法だけでなく、最後に声だけを残して言葉を届ける方法も、この公演にはありました。

スキャットは、歌詞を伴わない音で歌う表現です。
言葉から離れることで、声はリズムや楽器とのやり取りへ向かいやすくなります。
対して「未来へ」のような歌では、最初から最大の力を出さず、聴き手と進む時間の中で熱を高めることが大切になります。

ナオトは、曲作りの出発点はギターやピアノの弾き語りだと話しています。
そこからさまざまな編曲を施しても、声と楽器で立つ曲の芯は残る。
華やかな演奏のある曲と弾き語りを並べるときも、そのつながりを知っておくと、声の役目を追いやすくなります。

力を抜く声、思考を伝える声、相手に応じる声、リズムを生む声。
ナオトの発声を一つの型へまとめるより、曲と場面に応じた選択として捉えると、歌の豊かさが見えてきます。
こうした選択が作品ごとにどう広がったかは、ナオト・インティライミの歌唱変遷でもたどっています。

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