小倉唯の歌い方｜ささやき、裏声、ラップで変える声の距離と強さ

小倉唯の歌には、すぐ近くで話しかけるような声も、強いメロディーへ向かう声もあります。
その違いは、声の高さだけでは説明しきれません。
どれくらい力を加えるか、言葉をどう動かすか、どんな気持ちでその一節へ入るか。
具体的な曲から、声の選び方をたどってみましょう。

「Clear Morning」の近さは、声と録音の両方で作る

「Clear Morning」のウィスパーは、小倉自身が曲の浮遊感から提案した歌い方です。
細かく考えすぎると声に余分な力が入るため、自然な話し方に近い感覚を大切にしました。
ささやく声でも、何も考えずに小さく歌えば完成するわけではありません。

この曲では、ミックスの段階でも声の扱いを相談しています。
音量差をならすコンプレッサーを強くかけすぎず、歌の細かな強弱を残してほしいという要望です。
均一に整えすぎると消えてしまう、小さな揺れまで届けようとしました。

対照的に、2017年の「エンジョイ！」では、圧縮を強めた声が電子的な印象を生んでいました。
同じ人が歌っていても、録音された声をどう仕上げるかで、聴き手との距離は変わります。
「Clear Morning」の自然さには、歌う側の選択と、それを残す音作りの両方があるのです。

地声と裏声を行き来しながら、欲しい強さを探す

柔らかい声のまま、どこまで力強さを届けられるか。
「白く咲く花」では、サビで地声と裏声を繰り返し切り替えることが、本人にとって難しい課題でした。
柔らかさとしなやかさを持ちながら、爽やかな力強さも求める曲です。
一つの声の出し方だけで、サビ全体を通しているわけではありません。

「Destiny」のDメロは、さらに分かりやすい例です。
高い音を裏声で歌う必要がある一方、そのままでは欲しい強さを出しにくい。
気持ちの勢いだけをぶつけても、理想の表現とは違ってしまう。
小倉は、この両方の難しさを説明しています。

技術を優先するだけでは、歌が冷たくなることもある。
そのため、音を成立させる工夫と、感情を伝える工夫を行き来しました。
この曲では、ディレクターがOKを出したあとも、自分から録り直しを求めています。
高音へ届いたことと、届けたい歌になったことを、別々に考えていたのです。

ラップは、言葉の動きと気持ちを組み立てる

「Fightin★Pose」のラップでは、練習をボイスメモへ録音していました。
どんな言い回しなら耳に残り、かわいく、思わずまねしたくなるか。
自分の声を確かめながら形を探し、用意した録音をスタジオへ持ち込んでいます。
速く言葉を詰め込むことより、その言葉がどう動けば曲を楽しくするかを考えていたのです。

本人の準備を見ると、ラップの個性は、もともとの声質だけで決まるものではないと分かります。
言葉を言い切る勢い、かわいさを残す言い回し、その並べ方。
録音して聴き返す工程が、自分に合う表現を選ぶ時間になっていました。

「PRISM BEAT」では、声の違いが気持ちの違いとも結びついています。
Aメロは、心の中の小さな本音が漏れるような場面。
ラップでは強がりが現れ、サビでは内側の気持ちがまっすぐに出てきます。
本人は、それぞれの感情へ入ることで、歌声も自然に変わったと説明しています。

録音の順番も、曲の頭からではありませんでした。
最初にラップを録り、その手応えをつかんでから、ほかの部分へ進んでいます。
強い自分を演じる場面が決まると、その前後の弱さや率直さも歌いやすくなる。
声色を別々の技として並べるより、一人の気持ちの動きとして捉えると、この曲の作り方が見えてきます。

大きく歌わないことで、残せる気持ちがある

『Bloomy』の「恋の秒針」では、恋の気持ちにわずかな不安も混じります。
小倉が選んだのは、堂々と歌い上げるより、独り言のようにそっと気持ちを出す方向でした。
自分の思いを相手へ届けきる前の、まだ揺れている時間を歌にしています。

同じく『Bloomy』に収められた「スターチス」では、今の自分だから出せる、少し達観した大人の雰囲気を意識しました。
感情を全部説明してしまうのではなく、受け取る人が自分の経験を重ねられる余地を残す。
強く押し出す声を使えるからこそ、そこまで出さない選択にも意味が生まれます。

「Wind of Bloom」では、普段のように部分ごとに区切る録音から、一曲を通して歌う方法へ変えています。
物語の流れを保つための選択でした。
声の一瞬一瞬を整えるだけでなく、前の言葉から次の言葉へ気持ちがどう続くかも、歌の質感を左右するのです。

ピアノと向き合う場面では、聴く人への意識も変わる

2023年11月の公演で「白く咲く花」をピアノの生演奏と披露したとき、小倉は、伴奏がピアノだけになることで集中力が増すと話しています。
客席もじっくり耳を傾ける場面なので、その聴き方を意識して歌っていました。
にぎやかな曲で一緒に盛り上がるときとは、歌を受け取る空間そのものが変わります。

音数が少ない場面だから、ただ小さく歌う。
そう決めつけるより、何を聴いてもらう時間なのかを考えるほうが、小倉の説明には近いでしょう。
一つの声の型をどの編成にも当てはめるのではなく、伴奏と客席へ注意を向けて、その場の歌を作っています。

「Q.E.D.」では、鋭さの中に爽やかなサビを置く

「Q.E.D.」は、複雑に上下するメロディーやラップを持つ曲です。
小倉は、ラップなどの動きが多い部分に対して、サビは少し落ち着き、爽やかに聴かせたいと考えていました。
すべてを同じ鋭さで塗りつぶさず、曲の中に表情の差を作っています。

また、この曲には、声を電子的に加工した箇所もあります。
その響きまで、すべて喉の使い方だけで説明することはできません。
本人が意識した凛とした佇まいや余裕のある声に、録音上の処理も加わって、一曲の表情が作られています。

小倉は、声優としてさまざまな役に出会うことが、歌の表現の幅にもつながると話しています。
歌手としての活動も、今は自分を軸に、思いを声へ乗せる感覚が強くなりました。
誰かを演じる経験と、自分として伝える経験が、互いに表現を豊かにしているのです。

ささやき、地声と裏声の切り替え、ラップ、控えめな独白。
小倉唯の歌い方を知る面白さは、それらを一つの声で選び直せるところにあります。
その選択肢がどう広がってきたのかは、小倉唯の歌唱変遷でたどっています。

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