声優がアニメの主題歌を歌うなら、自分が演じている役の気持ちで歌うのだろう。
水瀬いのりの「スクラップアート」は、そんな想像とは少し違うところから生まれています。
彼女が歌の手がかりにしたのは、担当する崎宮ミサキよりも、主人公の四乃山ポルカでした。
水瀬の歌には、力強く前へ出る声も、胸の内からこぼれるような低い声もあります。
その違いを、かわいい曲だから甘く、激しい曲だから強く、という分け方だけで考えると、見落としてしまう工夫があります。
歌の中の人がどんな状況にいて、何を感じているのか。
そこから声を選んでいくのが、水瀬の歌を聴くときの面白いところです。
自分が演じる役と、歌で見つめる人物は違ってもいい
2023年の「スクラップアート」は、アニメ『デッドマウント・デスプレイ』第2クールのオープニング曲です。
水瀬は作品に声優としても参加していますが、歌ではポルカが孤独な状態から仲間と出会い、気持ちを変えていく過程を参考にしました。
作詞・作曲・編曲を担当した栁舘周平は、作品を見て浮かんだ言葉や絵も制作チームに共有していたといいます。
歌う側には、メロディーと歌詞だけでなく、どんな人がいる世界なのかを考える材料も届いていたわけです。
その解釈は、MVの表情にもつながりました。
終盤で見せる笑顔は、最初から決められていたものではなく、知らなかった感情を知る喜びや安堵を伝えようと、水瀬が自分から加えたものです。
孤独だった人が、誰かと出会って安心する。
水瀬が表そうとした笑顔には、そこに至るまでの出来事があります。
曲が明るいか暗いかだけで表情を決めず、歌の中で人物の気持ちがどう動くかを考える。
この見方は、声を使い分ける理由にもつながります。
なお、2024年の『heart bookmark』収録版をシングルと比べるときには、録音の仕上げにも注意したいところです。
水瀬によれば、「スクラップアート」は歌を録り直さず、マスタリングで声が前へ出るよう調整しています。
同じ歌唱でも、周囲の楽器とのバランスで声の存在感は変わる。
強く聞こえる箇所をすべて新しい発声の成果と考えずに聴くと、本人が歌った表情と、音源としての見せ方をそれぞれ楽しめます。
低い音を、しっかり歌うよりも「つぶやく」
人物の気持ちから歌い方を考える方法は、アニメの主題歌だけに使われているわけではありません。
2022年のアルバム『glow』に入った「八月のスーベニア」では、低い声をどう使うかが、歌の表情を決めました。
水瀬は録音前、音程は出せても、言葉をきちんと届けるには少し低いのではないかと感じていました。
そこで作者の藤永龍太郎からもらったのが、音を歌うというより、胸の中にあったものがこぼれるようにつぶやく、という助言です。
小さな独り言と、相手に聞いてほしくて伝える言葉では、同じ内容でも話し方が違います。
低い音をはっきり響かせることだけに集中していたら、独り言が持っているためらいや、言わずにいた気持ちは表しにくくなるでしょう。
水瀬は、しまっていた気持ちが、AメロからBメロ、サビへ進むにつれて表に出てくるイメージで歌いました。
最初は小さなつぶやきだったものが、やがて相手に伝えたい気持ちになっていく。
低く始まるAメロにも、その人がまだ言わずにいる本音を表す役割があるのです。
この曲では、イントロとアウトロに入る息の音も、人物の気配を伝えています。
デモに入っていた作者のブレスを、水瀬自身のものに置き換えて録ったそうです。
本人も、そこに生々しさや人間味を感じると話していました。
音程のある歌が始まる前と、歌い終わった後にも、その人がそこにいる感じを残しているのです。
「Melty night」は、かわいさを滑らかな歌に乗せる
同じ『glow』の「Melty night」には、恋に憧れる女の子が登場します。
水瀬は、歌詞に対して曲調はかわいさ一辺倒ではなく、流れるように歌いながら、ときめきも伝わるバランスにしたと説明しています。
甘い言葉を一つずつ強調する以外にも、その人らしさを表す方法があったのです。
ここでの聴きどころは、言葉を置くたびに立ち止まるのか、それとも次の音へ滑らかに渡すのかという、フレーズの運びです。
水瀬が新鮮な要素として挙げた、終盤のフェイクにも注目できます。
歌の最後までメロディーに変化をつけることで、かわいい主人公の中に、大人びた余裕も含めようとしています。
同じ夏の歌でも、はしゃぐ声と、くつろぐ声がある
2026年のシングル「Summer Challenger」では、明るく歯切れよく歌う中に、少し芝居をするような感覚も取り入れています。
メロディーに乗った言葉の一部を、相手に話しかけるせりふのように歌う。
ただ元気に音を出すだけでなく、お茶目さが伝わる歌にしようと考えたそうです。
歌の主人公が楽しそうだからといって、一曲中ずっと最大のテンションで歌う必要はありません。
誰かを誘ってみるときの声、思わず気持ちが弾んだときの声。
歌詞の中に会話を見つけると、明るさにも細かな違いが生まれます。
同じシングルの「ハートノフレーバー」では、逆に歌いすぎないようにしました。
いつもなら地声を使うところを裏声にしたり、リズムにきっちり合わせすぎず、少しゆったり歌ったりする。
水瀬が思い浮かべていたのは、リゾートで飲み物を横に置き、椅子に座っているような場面でした。
どちらも夏の曲ですが、一方は気持ちが外へ向かい、もう一方は自分の時間を楽しんでいる。
声を張れる音域でも裏声を選ぶ理由は、音の高さだけでは分かりません。
どんな場所で、どんな気分の人が歌っているのかを想像すると、その選び方が理解しやすくなります。
一人の声で、お祭りの人たちまで作る
こうした声の使い分けが、一曲の中で何人分にも広がったのが、2024年の「燈籠光柱」です。
世界のお祭りをイメージした曲には、掛け声や歓声など、いろいろな声が入っています。
大勢が集まって録ったのかと思うような部分も、水瀬が一人で声を変えて録音していました。
歌の中心にいる一人だけでなく、その周りで楽しんでいる人たちまで、自分の声で作っていたのです。
花火を見て声を上げる人の声を、主旋律と同じ調子で歌う必要はない。
歌詞を届ける声と、そこに人がいる気配を作る声では、役割が違います。
一人で歌っていても、録音で作る風景は、一人きりでなくていい。
掛け声や歓声を重ねることで、歌の周りに人が集まっている様子まで伝えられます。
「スクラップアート」では、孤独だった人物が人と出会う過程をたどる。
「八月のスーベニア」では、まだ胸にしまわれている気持ちを低い声で始める。
「ハートノフレーバー」では、くつろいだ場面を思い描き、声やリズムにも余裕を持たせる。
水瀬の歌い分けには、歌の中の人が今どう感じているかを、声で伝える面白さがあります。
その選択肢を得るまでには、全力で歌う方法に悩んだ時期もありました。
デビュー曲と『glow』の録音をたどる水瀬いのりの歌声の変遷では、力で押し切っていた歌から、表現を選べるようになる過程を掘り下げています。
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