Jun. Kの歌い方｜かすれた高音と、そばに届く柔らかさをどう使い分けるか

Jun. Kの声には、少しかすれた質感と、高い音へ伸びていく力があります。
2PMの大きな舞台では、その声量がダンスの迫力を支えています。
ただ、声の強さだけを追うと、ソロ曲にある親密さや、リズムの面白さが見えにくくなります。

同じ声で、なぜ大きな会場を満たす歌と、すぐそばにいるような歌の両方ができるのか。
声を張る場面だけでなく、張らずに何を伝えているかに注目すると、Jun. Kの選択が見えてきます。

高音の強さは、喉を絞ることとは別に考える

本人が目指すのは、自分にも聴き手にも心地よい声です。
声を絞ることと、力強く届く歌は分けて考える必要があります。

その違いを考えやすい曲が「NO LOVE」です。
静かなピアノの導入から後半へ向けて大きく展開するため、終盤の声の力が、一曲の流れの中で意味を持ちます。
最初から最後まで同じ強さで歌うのではなく、静けさがあるから、後から広がる歌が際立つ。
高い音が出ることだけでなく、そこへ至る段階を聴くと、歌のドラマがつかみやすくなります。

本人にとっても「NO LOVE」は、ソロの転機となった曲です。
歌詞がない段階から、マイクへ向かって膝をつき、内側から出てくるものを歌にしていったと振り返っています。
きれいな旋律へ後から感情を足すだけでなく、声を出す行為そのものから曲が生まれた。
その作り方を知ると、歌の切実さにも別の入口ができます。

歌とラップを、きっぱり分けない

「NO SHADOW」で試したのは、旋律のあるラップを含む、歌とラップの境目の表現でした。
伴奏の音数を抑えれば、声がどうリズムに乗るかも前へ出ます。
一つひとつの音を長く響かせる歌と、言葉の動きで進む歌。
その間を行き来できることが、R&Bの曲にある柔軟さにつながっています。

「LOVE & HATE」も、ヒップホップを軸にR&Bやブルース風のピアノを組み合わせた曲です。
ジャンルの切り替わりに合わせ、歌声にも違う顔を持たせる。
一つの声色を長く保つこととは違う面白さがあります。

きっちりそろえすぎない、温かい歌

『Love Letter』では、曲の雰囲気に合っていれば、少しリズムがずれた歌もあえて残したと本人は説明しています。
そろえる精度より、人間らしい温かさを優先する場面があったのです。
また、ゆったりした三連の「Hold Me Tight」は、その作品で自分の歌が特によく出た曲として挙げています。

一拍を三つに分ける流れでは、同じ速さでも、二つに分ける流れとは言葉の乗り方が違います。
拍の位置だけを追うより、言葉がどこへ向かってひとまとまりになるかを聴くと、歌の揺れを捉えやすくなります。
ずれそのものをまねするのではなく、なぜその揺れが曲の温度に合うのかを考えるのが、この歌への入口です。

強いサビと、軽く抜く声を同じ曲に置く

「THIS IS NOT A SONG, 1929」には、ゆったり語りかけるAメロ、伸びるサビ、ファルセットを使う箇所があります。
編曲も、自分の声のトーンに似合う音にしています。
伴奏との組み合わせで声の表情を変える。
淡く歌おうとする意識と、サビで広がる声が、同じ曲の中に共存しています。

ファルセットは、声を軽く響かせる裏声です。
張りのある歌の途中に軽い声が入ると、同じ人物の言葉でも、押し出し方が変わります。
ここで注目したいのは、どの声が難しいかという順番ではなく、その言葉にどの強さが合っているかということです。

編曲が変わると、同じ曲の声も前へ出る

「THE FIRST TAKE」の「My House」は、日本語で歌うアコースティック版です。
ムードのある伴奏と、情感を込めた声によって、グループ曲を別の距離から聴ける形になっています。
同じ企画で披露した「THIS IS NOT A SONG, 1929」でも、静かな歌の流れと、伸びる高音の両方が表れました。
歌へ焦点が集まる場でも、声を弱く一色にする必要はないのです。

日本語では、一つの音のつなぎにも向き合う

日本語のカバーでは、「Automatic」や「プラスティック・ラブ」に出てくる「ん」の発音を難しく感じたと話しています。
短い音を言葉へ収めることも、歌の課題なのです。

2025年の横浜公演では、「接吻」を歌い終えてからもフレーズを繰り返す一方、「アイノカタチ」では長い息の流れを要する歌を、豊かな感情で届けました。
同じカバーでも、リズムを味わいながら繰り返す場面と、長い旋律をつないでいく場面では、歌の進め方が違います。
声量だけでは捉えきれない部分です。

ざらついた響きには、機材の演出もある

同じ公演の「Alive」では、ディストーションの効いたマイクを使う演出もありました。
ざらついた響きが聞こえても、すべてを喉で作った音だとは限りません。
本人の声色と、機材を使って加える音の表情を分けて捉えることも、歌い方を知るうえで大切です。

自分の声だけで、一曲を埋めない

ソミと歌った「From November to February」では、もともとソロ曲だったものをデュエットへ広げています。
彼女の澄んだ声が曲の雰囲気に合うと考え、サビにも参加してもらったのです。

「R&B ME」でも、最初は歌だけだったところへ、色を増やすためにチャンビンのラップを加えました。
Jun. K自身がラップもできるからこそ、別の人の声を選ぶことには意味があります。
一人で変化をつける方法と、声の違いを借りる方法を、曲に応じて選んでいるのです。

ウェンディとの「Your Lips」では、二人のハーモニーがロマンティックな雰囲気を支えます。
相手より大きく歌うことを聴きどころにするのではなく、二つの声が一曲の中でどう響くかを楽しむ曲です。
声の強さだけではなく、誰と組み合わせるかも、Jun. Kの表現を作っています。

Jun. Kの歌い方には、かすれを含む強い声、軽く響く声、言葉をリズムで運ぶ歌が同居しています。
それらをいつも全部使うのではなく、曲に合う距離と強さを選ぶ。
高音の見せ場を待つだけでなく、その手前の静けさ、声が軽くなるところ、他の声へ受け渡すところへ耳を向けると、この歌手の豊かさが見えてきます。

ソロ初期から、心地よく届く声を求めるまでの歩みは、Jun. Kの歌唱変遷でたどっています。

アイキャッチ：2025年『Dear my muse』取材掲載写真／提供：JYP Entertainment／画像掲載元

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