川田まみの歌い方｜ハードな曲で際立つ、甘い声と抜ける高音の使い分け

川田まみの力強さを、声を強く押し出すことだけで説明するのは難しいでしょう。
曲の場面によって声を変え、柔らかい響きを残し、録音では重ね方まで工夫する。
その選択が、激しいサウンドの中でも歌の表情を伝えています。

「JOINT」は、一曲の中で声の役割を変えている

「JOINT」の録音で本人が意識したのは、Aメロ、Bメロ、サビの歌い分けでした。
Aメロには物語が動き始める感覚を、Bメロには戸惑いと切なさを置く。
サビではファルセットやビブラートの抜けを生かし、気持ちよく解放する歌を目指しています。
ファルセットは裏声、ビブラートは音を揺らす表現です。
力強い曲でも、すべてを同じ硬さの声で押し切る発想ではありません。
また、気持ちを込めすぎると、かえって曲へ歌がうまく乗らないこともあるため、抑える意識も持っていました。
感情を最大まで出し続けるのではなく、次の場面へ渡すために加減する。
サビの開放感を考える時には、その前の歌い方まで見る必要があります。

ノイズのある声と、きれいな声を同じ曲に置く

「masterpiece」では、声へのエフェクトとコーラスの対比が重要になります。
本人は、ノイズを加えたボーカルと美しいコーラスが混ざる曲だと説明しています。
難しかったのは、それらを一曲の中で釣り合わせることでした。
録音でAメロをきれいに歌いすぎると、整いすぎて曲のバランスが崩れたといいます。

録音された声のざらつきを、すべて喉で作った音と考えると、この工夫は見えなくなります。
歌い手がどんな表情で歌うかと、録った声をどう加工するかは、関わり合いながらも別の選択です。
「masterpiece」は、きれいにそろえることだけが曲に合うとは限らない例になっています。

甘い声は、ロックの強さと両立する

本人は、声のトーンには明るさがあるとも説明しています。
クールな人物像やシャウトをする人という印象と、実際に使う声の性格は、必ずしも一致していません。

「HOWL」について、川田まみは自分の声には甘さがあると話しています。
録音を担当した高瀬一矢は、その甘さを引き出しながらハードさも出す方向を求めました。
本人にとっても、声で実験するような制作だったといいます。
クールな曲を歌うために、もともとの声の性格を消してしまう必要はない。
甘さを残すからこそ生まれる、音との組み合わせを探しています。

なお、高瀬は「HOWL」のシャウトを女性バンドメンバー3人で録音したと説明しています。
完成した曲の声を全部、川田まみ一人の発声として受け取ることはできません。

「Don’t stop me now!」では、少し可愛らしい歌い方と、声へのエフェクトを組み合わせました。
この曲は「TOY」の続編として作られ、自由を選んだ主人公の揺れる気持ちを描いています。
途中で曲名を繰り返す部分にも、戻りたいけれど戻れない感覚を込めました。
可愛らしい声は、ただ明るさを足す飾りではなく、迷いを抱えた人物を表す方法になっています。

声を重ねる時は、音の高さにも役割がある

「Replica_nt」は、高瀬が最初から1オクターブ上の歌を加えるつもりで作った曲です。
そのため、ほかの曲と比べて基になる歌の音の高さを低くしています。
高い声を目立たせるために、主旋律まで高くするという一つのやり方ではありません。
低い位置の声と、その上に置く声を、曲を作る段階から考えています。

川田まみはI’veの録音について、もともとコーラスを何層にも重ねる作り方だとも説明しています。
『PARABLEPSIA』でも、録音中に思いついたものを加え、声の層が増えていきました。
一人で歌った声の強さだけでなく、複数の声をどう組み合わせるかが、作品の響きに関わっています。

難しいリズムでは、場面ごとに緊張感を組み立てる

「PIST」の録音では、リズムにうまく乗れていないと感じることがありました。
Aメロ、Bメロ、サビで曲の世界が大きく変わるため、各部分の緊張感をどう出すか、中沢伴行と相談しながら時間をかけています。

『PARABLEPSIA』の制作では、音全体を聴かせる方針がありました。
そのため、歌いやすい旋律を先に決めて伴奏を添えるだけでは済まず、バックトラックへメロディーを合わせる難しさにも向き合っています。

こうした歌を考える時には、音程が合っているかだけでは足りません。
言葉が拍のどこへ入るか、次の部分へ進んだ時にどんな表情になるか。
細かく区切って作ることで、一曲を通した流れを整えています。
「JOINT」の場面の歌い分けともつながりますが、「PIST」ではリズムへの対応が、よりはっきり制作上の課題になっていたのです。

「Contrail～軌跡～」では、長く伸ばす声で飛ぶ感覚を作る

「Contrail～軌跡～」の制作では、川田まみから中沢へ、もっとロングトーンで飛ぶ感じにしたいと希望を伝えました。
空へ向かう作品の世界に、声の伸びを合わせたかったのです。
求めた力強さも、単に太く響くことではなく、凛とした強さや葛藤を含むものでした。
曲が明るいから軽く歌う、とだけ決めるのではなく、どのような強さを残すかまで考えています。

一方、「アウェアネス」のようなミディアムの曲には、本人が素の自分に近いと感じる歌もあります。
激しく歌う面と、穏やかに歌う面は、活動の中で並行して育まれてきました。

2016年1月の「リスアニ！LIVE」では、「緋色の空」をピアノだけの伴奏で歌い、その後に「Borderland」や、ドラムンベースの形へ編曲した「masterpiece」を並べています。
同じ舞台の中でも、声を支える音の数や動き方が変わる構成でした。
代表曲をいつも同じ形で届けるのではなく、歌と伴奏の関係そのものを選び直しています。

2024年、川田まみの仮歌を受け取った藍井エイルは、その歌にロックの格好よさと色っぽいニュアンスの両方を感じたと語っています。
その言葉も、強さの中に細かな表情を残す歌い手だという見方につながります。

川田まみの歌は、高い声、ビブラート、甘い声といった特徴を別々に並べるだけではつかめません。
どの場面で声を抜き、どこでは抑え、どんな音と重ねるのか。
曲が求める表情に合わせて、その使い道を決めているところに魅力があります。

初期の歌から「JOINT」、そして引退後の制作へ至る道のりは、川田まみの歌声の変遷でたどっています。

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