suisさんの歌声は、よく「透明感がある」と表現されます。
けれど、単に息が多くて細い声なら、激しいバンドサウンドや低い音域では輪郭を失うはずです。
実際の特徴は、色が薄いことではありません。
「私」「僕」「俺」のどの人物にも入り込める中性的な音色と、息を流しても言葉を消さない精度が同居しています。
だから同じ声が、少女の独白にも、青年の手紙にも、酔った案内人にもなれます。
ヨルシカの物語を支えているのは、きれいな声そのものより、曲の人物に合わせて自分の輪郭を変えられる力です。
現在の幅が分かりやすい「あぶく」から、その仕組みを考えます。
「透明」は、何も入っていない声という意味ではない
ヨルシカ結成前のsuisさんには、人前で歌った経験がほとんどありませんでした。
それでもn-bunaさんがボーカルに選んだのは、声にわずかなかすれがあり、ロックにもバラードにも、浮遊感のある曲にも入れると感じたからです。
音程や声量が安定しているだけではなく、弱く歌う時と強く歌う時の差もすでに大きかったといいます。
完成された一つの声色より、曲によって姿を変えられる余白が評価されました。
suisさん自身も、いかにも女性的な声ではないことを長所と捉えていました。
歌詞の主語が「私」から「僕」や「俺」へ変わっても、声と人物がけんかしにくいからです。
透明感とは、個性がないことではありません。
強いキャラクターを一色だけ塗る代わりに、物語の色を受け取れることが、suisさんの個性になっています。
息を流しても、言葉の入口はぼかさない
suisさんの歌を「ウィスパーボイス」と説明する記事は多くあります。
一方で、子音が明確で声の立ち上がりが鋭いという分析もあります。
この二つは矛盾しているようで、実は別の場所を見ています。
母音には息を混ぜて長く流しながら、言葉の最初にある子音は短くはっきり置けるため、柔らかいのに歌詞が沈みません。
たとえば、息だけを増やすと声は近く聞こえても、伴奏の中で言葉が消えやすくなります。
反対に、すべての音を硬く始めると、歌詞は聞き取れてもヨルシカらしい浮遊感がなくなります。
suisさんの声は、その中間を同じ割合で保っているわけではありません。
短い子音で言葉の形を作り、その後の母音では力をほどくため、文章が一息で流れていくように聞こえます。
息漏れ声と芯のある声の違いを知ると、透明感を単なる弱い声と考えずに済みます。
地声か裏声かで決めると、いちばん大事な動きが消える
suisさんの高音については、軽いミックスボイスと見る説明も、裏声の比率が高いと見る説明もあります。
用語が割れるのは、いつも同じ声で歌っていないからです。
低い音では落ち着いた地声の成分が前へ出て、高くなるほど重さを整理する曲があります。
別の曲では、同じ高さでも言葉を強く届けるため、輪郭を濃く保ちます。
一音だけを取り出して「これは地声」「これは裏声」と札を貼るより、前後で声の重さがどう移るかを見る方が実際の歌に近づきます。
急に別の声へ飛ぶのではなく、息、音量、言葉の強さを少しずつ動かしているからです。
初期の録音では、Aメロをささやくように、サビをまっすぐ強く歌うという細かな指示も受けていました。
現在の滑らかさは、最初から無意識に出ていた魔法ではなく、対照的な声を一曲の中でつなぐ経験から育っています。
「僕」の歌を歌えるのは、声が中性的だからだけではない
2019年の『だから僕は音楽を辞めた』では、男性の主人公が物語の中心にいます。
suisさんは録音を重ねるうちに、男性らしく装うのではなく、自分の中でその人物になって歌う感覚を深めました。
背景には、幼い頃からミュージカルや演技の世界に親しんできた経験があります。
声色を表面的に作るより、人物がどこに立ち、誰へ話し、何を言えずにいるのかを先に考えます。
映画作品のために「少年時代」を歌った時も、女性歌手として美しく歌うのではなく、少年の隣にいるもう一人の少年という立場を選びました。
性別を越えて聞こえるのは、喉の使い方だけではなく、語り手の位置を決める作業があるからです。
この点で、suisさんの歌は声優の演技にも似ています。
ただし、セリフのように一語ずつ表情を大きく変えるのではなく、旋律を壊さない範囲で人物の呼吸を忍ばせます。
低い声を使った時、透明感の意味が広がった
2020年の『盗作』では、それまで前面に出ていなかった低い声が多く使われました。
ライブでその音域を聞いたn-bunaさんが、低音を生かした曲を書きたいと考えたことがきっかけです。
高い音ほどsuisさんらしいと思っていた人には、大きな変化に聞こえます。
しかし本人にとっては、新しい声を作ったというより、以前から持っていた範囲を作品側が見つけた出来事でした。
低音では、息っぽい軽さだけでなく、無表情に近い冷たさや、言葉を飲み込む重さも出せます。
「透明」が明るく澄んだ高音だけを指さなくなり、暗い水の底まで見通せるような透明さへ広がりました。
現在は、感情を偶然に任せず「呼び出して」いる
suisさんは、録音を町工場の作業に例えています。
まず自分の解釈で歌い、曲の人物と違えば、怒った時に喉や口がどう動くか、泣く時に呼吸がどう変わるかを思い出し、必要な感情へ差し替えていきます。
感情的な歌唱は、気分が乗るまで待つことだと思われがちです。
実際には、過去に感じた細かな感覚を保管し、必要な場面で再び使える形にしています。
この方法があるから、ささやき、酔い、幼さ、諦め、怒りを曲ごとに切り替えても、演技が旋律から浮きません。
透明な声の奥には、かなり具体的な感情の在庫があります。
『二人称』では、きれいに歌えなかった声まで作品になった
2026年の『二人称』では、完成度の高い本番テイクではなく、高熱の日に録った粗い仮歌が採用された曲があります。
鼻が詰まり、声に揺れもある一発録りでした。
歌手にとって、理想に届いていない声を世に出すのは簡単ではありません。
それでも作品に必要な不完全さがあるなら、整った自分より曲を優先する選択がなされました。
同じアルバムでは、言葉を伝えるという従来の方針を半分手放した歌、酔った人物として歌った曲、あえて練習を重ねず一度だけ録った曲もあります。
技量を隠すのではなく、技量だけが正解ではない場所まで声を持っていった作品です。
初期には、求められた声を正確に出すことが大きな役割でした。
現在は、上手く歌わない方が物語に合う時まで、自分で判断できるようになっています。
suisの歌声を理解する鍵は、「透明さ」より変身の余白
suisさんの歌声が透明に聞こえるのは、息の多さだけが理由ではありません。
言葉の入口を保ちながら母音を流し、声の重さを曲ごとに動かし、自分より物語の人物を前へ出しているからです。
聞き比べるなら、高音の美しさだけを追わない方が面白くなります。
「言って。」の弱さと強さ、『盗作』の低音、『二人称』の意図的な粗さを並べると、同じ声がどれほど違う人物になれるかが見えてきます。
その変化を年代順に追いたい場合は、suisさんの歌声の変遷で2017年の初期から『二人称』までを整理しています。
幾田りらさんの透明感ある高音は、本人の存在感をまっすぐ届ける方向に強みがあります。
対してsuisさんは、語り手へ場所を譲ることで存在感を作ります。
表面だけを真似して息を増やすと、言葉と音程の中心を失いやすくなります。
参考にしたいのは、かすかな声色ではなく、その曲では誰が、誰に向かって歌っているのかを先に決める姿勢です。
透明なのに忘れにくいという矛盾は、声が薄いからではありません。
どんな物語も映せる余白を、長い制作の中で技術に変えてきたから生まれています。
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