大野雄大さんの高音は、鋭く突き抜けるというより、太さを残したまま周囲を包むように聞こえます。
公式プロフィールではハスキーで力強く、音程が正確な声と紹介されていますが、その魅力は単純な声量の大きさではありません。
Da-iCEには同じく4オクターブの音域を持つ花村想太さんがいます。
二人の声をそろえるのではなく、花村さんの鋭さと大野さんの丸さを交互に見せることで、高音の印象を何倍にも広げているのです。
大野さんの声が男らしく聞こえるのに威圧的になりすぎない理由、高い音でも高さを見せつける感じが薄い理由をたどると、ツインボーカルの面白さまで見えてきます。
男らしく見えるのに「丸く包む声」である
大野さんの歌い方を理解する鍵は、見た目の力強さと、実際に曲の中で担う役割の違いです。
メンバーは、大野さんの声を男らしく見えながら意外に丸く、包み込むタイプだと説明しています。
太い声というと、強く押し出して相手を圧倒する歌い方を想像しやすいでしょう。
ところがDa-iCEでは、伸びやかで美しいフレーズや、長く余韻を残す場所を任されることが多くあります。
言葉の選び方にも、その性質が表れています。
命令するような強い言葉は大野さんが歌うと必要以上に強く感じられるため、メンバーは歌詞を書く段階から表現を調整することがあると話しています。
声が太いから強い言葉を担当する、とは限りません。
声そのものに存在感があるからこそ、曲の中では角を立てず、ほかの声や楽器を受け止める役割が生きます。
高音なのに「高い音を出した」と聞こえにくい
大野さんの高音は、音程だけを見れば十分に高くても、聴いた瞬間の印象が落ち着いています。
専門家の解説では、重量感のあるハスキーさ、温かい声色、低い音から続くような厚みが共通して指摘されています。
これは、高音で低い声の形をそのまま押し上げている、という意味ではありません。
音が上がっても急に細く甲高い色へ変わらず、曲の下側を支えていた声の質感が残って聞こえるということです。
音程の正確さも大きく関係します。
高音へ飛び込む瞬間に勢いだけで当てると、声の揺れや叫びが先に聞こえますが、大野さんは長いフレーズの中でも音の中心を保つ歌手として紹介されています。
高さを大げさに見せず、言葉の流れの中へ収めるため、聴き手は最高音より先に曲の感情を受け取ります。
高音を特別な芸として切り離さないことが、かえって歌のスケールを大きくしているのです。
花村想太の鋭い声が、大野雄大の丸さを見せる
Da-iCEのツインボーカルは、似た二人が同じ旋律を厚くする仕組みではありません。
花村さんは自分の声を棘のように刺したり飛ばしたりするタイプ、大野さんは周囲を包むタイプだと説明しています。
「CITRUS」のような曲では、歌い手が替わるだけで同じサビの輪郭が変わります。
花村さんのパートでは言葉の先端と高音の鋭さが目立ち、大野さんへ移ると母音の丸さとフレーズの広がりが前へ出ます。
大野さん一人だけを聴いて「もっと明るく、もっと鋭く」と考えると、この役割を見失います。
鋭くしないことで次の鋭い声を目立たせ、二人が戻ってきた時には曲全体を大きく聞かせているからです。
花村さん自身も、以前は地声で押し切ろうとしていた時期があり、大野さんの発声を参考にしてきたと話しています。
高い音を競う相手ではなく、無理の少ない発声を学べる最も近い相手でもありました。
花村想太さんの鋭い高音と発声を合わせて読むと、どちらが上手いかではなく、二人の違いがなぜ曲の強さになるのかが分かります。
「スターマイン」では丸い声だけでは終わらない
包み込む声という説明だけでも、大野さんの歌を狭く捉えてしまいます。
「スターマイン」では冒頭からがなりを使い、細かなリズムに合わせて音を一つずつしゃくり、最後だけ下げるような複雑な処理をしています。
本人は、ただ力を入れれば出せるものではなく、余計な力を避けるコツが必要だと説明しました。
この曲は制作途中からキーを上げ、二人にとって気持ちよく響く高さ自体も以前より変わったとされています。
ここで聞こえる荒さは、いつものハスキーな声をさらに傷めて作ったものではありません。
丸く長いフレーズを歌える土台がある上で、必要な瞬間だけ音の表面をざらつかせています。
しゃがれ声やがなりだけをまねると、表情ではなく喉への負担になりやすい部分です。
大野さんらしさを考える時は、荒い一音より、その直後に正確な音程と滑らかな旋律へ戻れることを見る方が本質に近づきます。
原点のアカペラと歌謡曲が、声の重心を作った
Da-iCEに入る前、大野さんはアカペラグループのリーダー兼リードボーカルとして活動していました。
楽器に音程を預けられない環境で、自分の声だけで和音の中の位置を保つ経験を重ねています。
中学生の頃から好んでいたのは、1980年代から1990年代の王道バラードでした。
歌謡曲や男女デュエットを歌い、その後に海外のR&Bや、Da-iCEでのEDM、ファンク、速いダンス曲へ範囲を広げました。
この順番が、大野さんの声を面白くしています。
新しい高音表現を先に身につけた歌手ではなく、言葉を長く届けるバラードとハーモニーが根にあり、そこへダンス音楽の細かなリズムが加わったのです。
ただし、現在のハスキーさを最初から自分の武器だと理解していたわけではありません。
歌のレッスンを始めた頃は、本来の自分と違う人物を演じ、必要以上に強く太い声を出そうとしていたと本人は振り返っています。
声帯結節で声が伸びず、裏声も出ない状態のまま「着れないままのコート」を録音した時、技術で押し切る代わりに歌へ感情を乗せることへ集中しました。
その録音を通して、初めて自分の声の特徴はハスキーさなのだと認識したといいます。
太い声を作ろうとした結果ではなく、作れなくなった時に残った自分の声を受け入れたことが転機でした。
現在の温かさには、声質を飾りとして足すのではなく、その時に使える声で言葉を届けた経験があります。
2019年のソロ作品では、その原点が表へ出ました。
グループの速い曲では声を二人で受け渡しますが、ソロのバラードでは一つの言葉を自分だけで最後まで運びます。
技術を見せるより、歌詞を自分の人間関係や経験へ引きつけてから届けることを大切にしていると本人は話しています。
大野さんの高音が落ち着いて聞こえるのは、音の高さより先に「誰へ何を渡すか」があるからでもあります。
地声かミックスボイスかを一語で決められない
大野さんの高音を検索すると、地声、ミックスボイス、ヘッドボイスなど複数の説明が見つかります。
どれか一つが完全に正しく、残りが間違いだと考える必要はありません。
ミックスボイスは、地声と裏声の間を急にひっくり返さず、高音へつなぐ歌い方を説明する時によく使われる言葉です。
しかし、実際の曲では音の高さ、母音、音量、感情によって声の配分が変わります。
大野さん自身も、高音だけを伸ばすのではなく、声全体の使える範囲が連動して変わる感覚を説明しています。
花村さんも、大野さんを参考にしながら無理な地声の押し上げを減らし、ミックスボイスと呼ばれる領域へ近づいたと語りました。
したがって「この一音は百パーセント地声」と当てることより、高音の前後で声質が急に崩れない点を見る方が分かりやすいでしょう。
ミックスボイスの出し方と見分け方でも、名称より地声と裏声のつながりを基準に整理しています。
参考にするなら、ハスキーさより声の受け渡しを見る
大野さんの声へ近づこうとして、わざと喉をこすったり、低い声のまま高音を押し上げたりするのはおすすめできません。
生来の声質や長年の歌唱経験が関係するハスキーさは、短い手順で安全に再現できる装飾ではないからです。
参考にしやすいのは、二人のパートが切り替わる場所です。
大野さんの声が入ると母音がどう広がり、花村さんへ移るとリズムや言葉の先端がどう変わるかを聴き比べてみてください。
一曲を最初から最後まで同じ声色で押し切らず、伸ばす場所、刺す場所、受け止める場所を分ける考え方は、自分の歌にも応用できます。
これは大野さんの声質をまねる方法ではなく、声へ役割を与える方法です。
痛み、強いかすれ、普段と違う話し声が出た場合は、歌唱を中止してください。
不調が長引く時は、耳鼻咽喉科など専門機関への相談が必要です。
大野雄大の高音は、強さを丸く使う声である
大野雄大さんの高音が太く温かく聞こえるのは、力強い声を常に前へ突き出しているからではありません。
ハスキーな厚みと正確な音程を持ちながら、長いフレーズでは角を丸くし、花村想太さんの鋭い声を受け止めます。
アカペラと王道バラードを原点に、ダンス音楽のリズム、がなり、ソロで言葉を渡す歌へ範囲を広げてきました。
声の高さを目立たせないことと、必要な瞬間には強く荒らせることが同居しています。
声帯結節で声が出なかった時期をメンバーに支えられ、ソロで原点へ戻るまでの歩みは、大野雄大さんの歌声の変遷で年代順にまとめています。
大野さんの歌を聴く時は、最高音だけを待つ必要はありません。
もう一人の声が最も鋭く光るように、自分の強さを丸く使っている瞬間にこそ、この歌手の個性があります。
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