チョ・ユリの歌い方｜ハスキーな声に、明るさと柔らかさが同居する理由

チョ・ユリの声は、かすれた質感だけで説明すると、曲ごとの表情を見失います。
力強く進む「Love Shhh!」、近くへ語りかけるような「Express Moon」、落ち着いた「Bruise」。
大切なのは、持っている声を、どの曲で、どのように前へ出すかです。
本人が考える声の個性と、録音で試した選択から、その歌い方を見ていきます。

ハスキーさと、澄んだ感じを一緒に持つ声

ユリは自分の声を、ハスキーでありながら澄んでいる、と捉えています。
一度聴けば誰かが分かる、指紋のような声。
それが本人にとっての強みです。
少しかすれた質感と、明るく伝わる声は、彼女の中で両立しているのです。

ただし、声の特徴を知ることと、望む歌をすぐ録れることは同じではありません。
「Blank」では、それまで見せていなかった発声や技巧、雰囲気に挑み、最初は満足できる録音にするのが難しかったと話しています。
得意な声を持つ人にも、曲に合う使い方を探す時間があるのです。

2022年公開のLive Clip。

「Express Moon」では、声を近くへ届ける

「GLASSY」と同じ最初のシングル作品に入った「Express Moon」は、耳元へささやくような歌唱を生かしたミディアムテンポの曲です。
夜の街を列車から眺める情景に、ロマンチックな声を重ねています。
勢いをつけて遠くまで飛ばす声というより、一緒に景色を見ている相手へ届く声。
歌の距離感を考えると、明るい表題曲とは違う魅力が見つかります。

同じ作品のデュエット「Autumn Memories（가을 상자）」では、イ・ソクフンの柔らかく訴える声に、ユリの温かで甘い声を組み合わせています。
二人で歌う場合には、自分の特徴を目立たせることに加え、相手と並んだときの調和も聴きどころになります。
ハスキーさを持つ声が、親密さや温かさにもつながる。
その役割を確かめられる組み合わせです。

勢いを作る声と、言葉を包む声

「Love Shhh!」の頃、ユリは強い歌声を残すため、いつもより録音に時間をかけました。
普段なら一日で終わるところを、二〜三日に分けて取り組んだといいます。
力強さは、大声を出せば完成するものではありません。
時間をかけて、作品として残す声を作る作業でもある。
自然に弾けるような歌の後ろに、そうした手間がありました。

「Love Shhh!」では、力強い歌と、弾むようなギターの動きが曲を前へ進めます。
別れを引きずる代わりに、自分の日々を楽しもうとする歌なので、その勢いが内容にも合っています。
対して「This Time」は、アコースティックな編成と弦の響きに、ユリの温かな声を置くバラードです。
伴奏も含めた声の置き場所が違います。

一方、「Rolla Skates」には、メロディーを歌う部分に加え、歌とラップをつなぐようなパートがあります。
声を長く伸ばす場面だけを見ていては、このリズムに乗る面は見えてきません。

「Loveable」の終盤で、聴き手にも歌ってほしい理由

「Loveable」でユリが挙げた聴きどころは、最後に向けて盛り上がる、誰もが口ずさめる部分でした。
自分の歌だけを聴かせきるのではなく、ファンと一緒に声を出せることを喜んでいます。
技巧の細かさを見せる場面とは、歌の目的が違います。
明るく前向きな気分を共有できるように、声を聴き手へ開いているのです。

こうした届け方を支えるものについて聞かれたとき、本人が挙げたのは日々の練習でした。
すでに歌ってきた曲も、もっと上手に歌えるようになりたいと考えているのです。

「Bruise」は、歌えるかどうかより、どう仕上げたいか

「Bruise」に出会ったユリは、この歌をうまく仕上げたいという気持ちに動かされました。
ダンスや視覚的な演出が中心の曲とは違い、歌い手としての自分を見せられる曲だと考えたのです。
『LOVE ALL』では、それぞれの曲と調和する音色を作ることに力を注ぎました。
単にいつもの声を録音するのではなく、歌ごとに声の表情を考えていたことが分かります。

曲を作ったHENは、作詞・作曲・編曲に加え、ピアノとボーカルのディレクションも担当しています。
心にあざが残るような別れの痛みを、ピアノと歌の組み合わせで描くバラードです。
言葉の意味と、その言葉を渡す声とを、同じ制作の中で整えていく。
ユリの表現は、本人の声の能力だけでなく、こうした作り手との共同作業にも支えられています。

同じアルバムの「Hang On」では、別れを受け入れられず相手にすがる気持ちを、切実なボーカルで表します。
ジャズを思わせるギターと、リズムの効いたR&Bの土台がある曲です。
どちらも失恋を扱いますが、静かに痛みを見つめる歌と、まだ相手へ手を伸ばす歌では、言葉を届ける力の向きが変わります。
感情が悲しいという理由だけで、同じ歌い方にそろえる必要はありません。

物語が変われば、歌声の明るさも変わる

アニメ版『女神降臨』の「My Highlight」では、明るく爽やかな声が、主人公の希望や恋のときめきを支えます。
自分の姿を変え、新しい日々へ踏み出す物語のオープニングです。
ここで歌が受け持つのは、これから何が起こるだろうという期待。
声の明るさには、場面へ聴き手を誘う役割があります。

一方、「Spring Days Pass」では、ピアノと弦に寄り添う、深く叙情的な音色を生かしています。
同じ2024年の映像作品の歌でも、求められた印象は異なります。
声が明るいか暗いかを、歌手の固定した性質だけで決めない。
どんな場面に、どんな声が置かれているのかを見ると、ユリの持ち味の幅が伝わってきます。

バンドの中でも、声を一つの強さにそろえない

『Episode 25』の「Growls and Purrs」は、プロデューサーのクルムが弾く鍵盤と歌を組み合わせたシンセポップです。
親しい相手に甘えたり、不機嫌になったりする気持ちを、慎重で愛らしい雰囲気へ落とし込んでいます。
バンドの音楽へ進んだからといって、すべてを強く張る声へ変えたわけではありません。
相手との小さな感情の動きに似合う、声の表情も残っています。

同じ作品の「Overkill」では、抑えた悲しさを持つヴァースと、強いギターが導くサビの対照が曲を作ります。
ここでは一曲の中に、抑制と強さの両方が必要です。
初めから最後まで同じ勢いにするより、場面の切り替わりが、傷ついた気持ちや怒りを際立たせます。

ユリの声を特徴づけるハスキーさは、歌い方の完成形ではなく、使い分けるための持ち味です。
近くへ届く柔らかさ、曲を進める強さ、観客が加われる明るさ。
そのどれを使うかで、同じ声でも、歌の中にいる人の距離や気持ちが変わります。
そうした選択が作品を重ねてどう広がったのかは、チョ・ユリの歌唱変遷でたどれます。

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