デイヴ・グロールの歌声の変遷｜声を隠したかった青年が、叫びも静けさも選ぶまで

デイヴ・グロールは、大きな会場を歌声で引っ張る人です。
けれど、Foo Fightersの初期には、自分の声をミックスの奥へ隠したがっていました。
そこから歩みをたどると、叫ぶ力が増したというだけでは説明できない変化が見えてきます。
声を人前へ出すことに慣れ、静けさを表現の武器にし、合唱や裏声にも居場所を作っていった。
その一方で、荒々しく歌う楽しさも手放していません。

1995〜1997年、自分の声を隠したかった時期

1995年のファースト・アルバムへ向かう頃、デイヴは自分の歌声をまだ十分につかめていませんでした。
約一年半のツアーで歌いやすい範囲を知り、歌うことに慣れていったと振り返っています。

1997年の『The Colour and the Shape』では、ギル・ノートンとの制作が転機になりました。
声や歌詞への自信がなく、歌をミックスに埋めたがっていたデイヴは、彼の助けで不安を乗り越えていきます。

初期の転機は、使える音域が増えたという記録より、自分の声を聴き手へ差し出せるようになったことにあります。
歌を隠す側から、客席と共有する側へ。
その変化があってこそ、以後の大きなサビも、単なる音量以上の意味を持つようになります。

1999年、叫びが目立つ時代にメロディーへ向かう

三作目の『There Is Nothing Left to Lose』（1999年）では、メロディーを前に出しました。
当時のニュー・メタルの、静かなヴァースから大声のサビへ進む型に、デイヴは同じような響きを感じていたといいます。
そこで自分たちは穏やかな方向を選んだ。
「Learn to Fly」を含む時期の歌を、激しさを失った結果としてだけ捉えるべきではありません。

大きく叫べる人が、メロディーを選ぶ。
この順番が大切です。
穏やかな曲を、強く歌えない時の代用品にしていたわけではなく、どんな曲を届けたいかという制作の選択がありました。
後年の激しい作品を聴く時にも、この柔らかな側面を出発点から消さずにおきたいところです。

2005年、ロックの大音量と静かな歌を分けてみる

2005年の『In Your Honor』は、激しいロックと静かなアコースティックの二枚組になりました。
デイヴには、ラジオ向けの四分ほどの曲を作る枠から、もっと表現の幅を広げたい思いがありました。
静かな曲を一曲だけ添えるのでなく、一枚分の世界として用意したところに、この時期の踏み込みがあります。

「Virginia Moon」では、ノラ・ジョーンズとボサノヴァのデュエットへ。
デイヴは、できあがったメロディーに彼女の声が合うと考えて声をかけました。
ノラの側は、ロック・バンドとの共演だから激しい曲だろうと想像していたそうです。
実際に待っていた穏やかな歌は、共演者の予想さえ変えるものでした。

ここでは、いつもの強い声を少し弱めるだけでなく、歌が置かれる場所そのものが変わっています。
大きなギターに向かって声を張る人が、相手の声を思い浮かべながら一曲を組み立てる。
静かな側面をまとまった作品にしたことで、Foo Fightersの歌に求められる表情も広がりました。

2007〜2011年、静けさと激しさを一曲の中へ

2007年の『Echoes, Silence, Patience & Grace』では、「Let It Die」が静かな導入から叫びへ進みます。
前作で二枚へ分けた世界を、一曲の中へ持ち込んだような構成です。

2011年の『Wasting Light』では、ガレージでテープへ録る制作が、再び大きなロックへ向かうきっかけになりました。
デイヴは、それまで約十年にわたりメロディーを追ってきたことを踏まえ、この環境とプロデューサーのブッチ・ヴィグなら、激しい作品を作るのが自然だと考えていました。

ただし、録音で聞こえる荒さを、すべて本人の喉の変化に置き換えることはできません。
「White Limo」では、マイクの声を歪みのエフェクターとギター・アンプへ通す方法が使われています。
声の出し方に加え、録音の作り方でも、歌の輪郭を荒くしていたのです。

穏やかになった後で、元へ戻った。
そんな一直線の見方より、静と動の置き方を作品ごとに変えてきたと考える方が、この時期のつながりを捉えやすくなります。
歌える範囲を広げたことが、激しい曲から離れ続けることを意味するわけでもありません。

2017〜2021年、声を重ね、裏声でも遊ぶ

2017年の『Concrete and Gold』では、グレッグ・カースティンと組みました。
デイヴは、彼がThe Bird and the Beeで作る旋律やハーモニーに惹かれ、自分たちの荒いギターと組み合わせようとしたのです。
タイトル曲では、Boyz II Menのショーン・ストックマンが何重にも声を録り、合唱の響きを作りました。
その経験から、ほかの曲でも声を積み重ねていきます。

この厚みは、デイヴ一人が大声を出した結果ではありません。
別の歌い手を迎え、複数の声を配置して、リードの周囲に大きな空間を作る。
一人の声の押し出しだけでなく、声同士の組み合わせへと、歌を大きくする方法が広がった時期です。

2021年には、Bee Geesの「You Should Be Dancing」で、ファルセットを前面に出しました。
本人にとって、それまでとは違う歌い方なのに、驚くほど歌いやすい経験だったといいます。
後悔交じりの冗談が出るほど、いつものロックの声とは別の可能性を楽しんでいました。

「You Should Be Dancing」／Studio 606でのライブ収録（2021年）。

このカバーはDee Gees名義の企画へ発展します。
デイヴは、最初の曲が楽しかったので翌日にも別の曲を録り、短い期間で形になったと振り返りました。
新しい歌手像を大仰に宣言するより、楽しんで試した声が、そのまま作品へ育っていったのです。

2023年の静かな別れ、その先の荒々しい声

2023年の『But Here We Are』は、テイラー・ホーキンスと母ヴァージニアを失った後の作品です。
「Show Me How」では娘ヴァイオレットとのハーモニーを置き、最後の「Rest」では、むき出しのデモを思わせる親密な歌から別れを伝えます。
大勢を鼓舞する声とは、違う近さが作品の中心に入りました。

2026年の『Your Favorite Toy』では、再び荒々しいエネルギーが前に出ます。
一年以上、音や強弱を試す中でタイトル曲ができ、デイヴはアルバムの進む方向が見えたと説明しました。
「Caught in the Echo」は、自分の中で物事を整理しようとする対話から生まれた曲です。
勢いのある音の内側にも、自分へ向けた言葉があります。

タイトル曲では、歪ませたボーカルも特徴になります。
2023年の親密さから、2026年のざらついた響きへ。
声をどう録音して届けるかも、作品の違いに含まれます。

デイヴの歌は、静かになったり激しくなったりしながら、使える表現を増やしてきました。
初期に隠したかった声を、言葉の分かる声として前へ出す。
そこへ穏やかなデュエット、合唱の厚み、軽い裏声、身近な人へ語りかけるような歌が加わった。
今の叫びにも、そうした別の声を選んできた歴史が重なっています。
荒々しさを保ったまま、それだけで一曲を説明できない歌い手になったことに、デイヴの変遷の面白さがあります。

曲ごとの声の選び方は、デイヴ・グロール(Foo Fighters)の歌い方で掘り下げています。

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