松下洸平の歌い方｜ブレスと言葉の間、ファルセットで変わる歌の表情

松下洸平の歌い方には、言葉を届けるまでのわずかな時間が関わっています。
本人は「つよがり」の録音で、ブレスを入れた直後に言葉を歌うことや、少し間を取ることによって、気持ちの伝わり方が変わると学んだと話しています。
声の響きと、言葉をいつ歌うかを、一緒に考える手がかりになる説明です。

「つよがり」公式MV。

ブレスを、歌の表現の一部として使う

2021年、松尾潔とのReal Soundの対談で、松下は「つよがり」の録音を振り返りました。
曲の終わりでは、息を入れて、すぐに最後の言葉を歌うよう、ディレクションを受けたといいます。
実際に試すと、強がっている主人公が、より明確に感じられたと説明しています。

ここで本人が語っているのは、息をどれだけ吸えるかということより、息を入れたあと、どの瞬間に言葉を出すかという選択です。
言葉の前の短い時間も、歌の人物像を伝える材料になっていました。

「つよがり」を聴く時には、最後の言葉へ入る前と、歌い出した直後を続けて追うとよいでしょう。
声が出ているところだけでなく、言葉へ向かう息の時間にも、耳を向ける聴き方です。

タメることと、まっすぐ歌うことを選ぶ

同じ録音で松下は、少しタメる歌と、あえてまっすぐに歌う表現でも、伝わるものが変わると学びました。
主人公の気持ちを深く考えたうえで、その人物がどう言葉を口にするかを、歌い方として探していました。

声の強さに変化をつけることも、その一つです。
松下はSPICEの取材で、どこを伸ばすかという歌の調整を、芝居で台詞の間を調整する作業に重ねて説明しています。
感情を込めようとする気持ちと、それが伝わる形へ整える作業の両方がありました。

松尾も対談の中で、わずかな歌のタメに、松下が音楽へ親しんできた蓄積を感じると評価しています。
松下自身は「つよがり」を長い台詞のように捉え、最も気持ちを大きくする場所のために、ほかの部分を抑えることを考えたと説明しました。
一節の歌い回しは、その場所だけの飾りではなく、後に続く盛り上がりを準備する役割も持っていました。

言葉をいつ始め、どこまで続けるか。
一曲の中でどの場面を大きく見せるか。
松下の説明からは、歌を一つの長い流れとして作っていることが分かります。

ただし、芝居と歌がつながっていることと、いつも同じ声で歌うことは別です。
2024年、ミュージカル『ケイン＆アベル』への出演を控えたCUTの取材で、松下は、自分の音楽とミュージカルではジャンルが違い、声の出し方も変える必要があると話しています。
自作の音楽は自分が歌いやすいように作っている一方、舞台では稽古を通して歌い方や見せ方を取り戻していこうとしていました。

この発言は、役者としての経験だけで、どんな曲も同じように歌えるわけではないことを教えてくれます。
曲の様式に合う声を選び、その声で人物の思いを届ける。
歌詞を長い台詞のように捉える工夫は、曲そのものの要求に向き合う作業と並んでいるのです。

「This is my love」は、憧れのファルセットへ挑んだ曲

2023年の『R&ME』では、「This is my love」で新しい挑戦をしています。
encoreの取材で松下は、好きな歌手ロビン・シックの、ファルセットを生かした歌に憧れ、この曲で試せたと話しました。
聴いて育ったR&Bの雰囲気を、自分の声で形にする機会になっています。

「This is my love」公式公開音源。

ファルセットは、松下がこの曲で試したと説明している声の使い方です。
ここでは、高い音へ届くことだけでなく、どんな印象の愛の歌にしたいかという意図と結びついていました。

曲を聴く時には、声の高さとともに、言葉がどのような雰囲気で届けられているかを追うとよいでしょう。
「つよがり」で主人公の気持ちを作った歌と続けて聴くことで、異なる曲へ声を置く時の表情を考えられます。

こうした表現を使う目的について、encoreで本人は、技量を見せることより、聴く人の心へ直接届く声でありたいと説明しています。
芝居では相手との会話に集中するように、歌でも目の前で聴いている人へ届けることを大切にする。
ファルセットも、誰へ、どんな気持ちを向けているかと一緒に捉えると、曲の中での役割が見えてきます。

「たんぽぽ」では、ピアノと声だけを残す

『R&ME』の最後に置かれた「たんぽぽ」は、ピアノと声だけの曲です。
松下は、声を届けるアルバムを、最後は飾らない自分で終えたいと考え、初めからその形をイメージしていたと話しています。

「たんぽぽ」公式歌詞映像。

ビートに声を乗せる曲と、声を支える音を少なくした曲。
伴奏の形が変わることで、言葉の長さや、声が続く時間へ、目を向けやすくなります。
この曲では、一つの言葉の始まりから終わりまでを追い、ピアノとの間にどんな余白があるかを確かめる聴き方もできます。

声を中心に据える考え方は、2024年の「愛してるって言ってみてもいいかな」にも続いています。
ビクターの公式コメントで松下は、声とギターを軸に、装飾を少し加えて愛を歌いたいと、andropの内澤崇仁へ依頼したことを明かしました。
言葉を伝える歌声が、伴奏の中で近く感じられるような曲を望んでいたことが分かります。

公式の楽曲紹介が挙げているのは、パートナーとのすれ違いを経て、普段はためらう愛情を言葉にする場面です。
「つよがり」で気持ちを隠そうとした主人公とは、言葉を口にする理由が変わります。
どちらも、恋愛の歌だから甘く歌うという一つの形に収めず、その人物が何を伝えようとしているかから聴くと、声の表情を追いやすくなります。

踊れる曲の中に、声を聴かせる時間を作る

2024年のメトロック出演後、松下はORICON NEWSの取材で、短い時間でも自分の音楽を知ってもらうため、ソウルやR&Bの要素が強い、踊れる曲を選んだと話しています。
その中盤へ一曲だけ置いたバラードが「君を想う」でした。
その理由として本人が挙げたのは、自分の声を知ってもらうことです。

リズムに乗って楽しむ曲と、声そのものへ耳を向ける曲を、同じステージの中に持つ。
この選曲からは、ファルセットや言葉の間といった工夫を、一曲の中だけでなく、公演全体でどう届けるかも考えていたことがうかがえます。
松下の歌を初めて聴く時にも、踊れる曲とバラードを続けて聴くと、言葉の運び方や声の表情の違いに気づきやすくなるでしょう。

ブレスのあとに入る言葉、少しタメる時間、ファルセットで試す曲の雰囲気。
松下洸平の歌い方を、声の響きと言葉の時間を一緒に作るものとして捉えると、本人が語る工夫が見えてきます。
歌手としての出発から、こうした表現を作品へ結びつけてきた歩みは、松下洸平の歌唱変遷でたどっています。

こちらの記事もおすすめ