ウィンストン・マッコールの歌い方｜声の荒さと旋律を、どう使い分けるのか

ウィンストン・マッコールの歌の魅力は、荒々しい声が持つ圧力にあります。
けれども、その圧力は、どの曲でも同じように叫ぶことで生まれているわけではありません。
旋律を通す声、低く語る声、短い言葉を打ち込む声。
Parkway Driveの曲を手掛かりにすると、声の質感と、その声を置く場面を選ぶ歌手としての姿が見えてきます。

声の粗さと、音程の輪郭を分けて考える

ウィンストン自身が、歌を学ぶ中で大切だったと話しているのは、音程とざらつきの関係です。
荒い声を出すことだけでなく、その声にどんな高さを持たせるかを意識する。
この二つを組み合わせるところに、彼の旋律的な歌の特徴があります。

ざらついた声というのは、耳に届く音色の特徴です。
音程は旋律を形作る音の高さなので、粗さがあることと、旋律がはっきりしていることは両立します。
そのため、クリーンか叫びかという二択だけでは、声の違いを捉え切れません。
同じ強いフレーズでも、高さの流れが前に出るのか、言葉を打ち付ける勢いが前に出るのかで、曲の印象は変わります。

ウィンストンを聴くときは、まず声の荒さに引かれ、その後でフレーズがどの方向へ進むかに注意を向けてみる。
そうすると、声の迫力だけでなく、聴き手が一緒に歌える形へ整える工夫も捉えやすくなるでしょう。

言葉を届かせるために、歌と演奏の場所を作る

「Vice Grip」などを作った頃、ウィンストンは、歌詞を初めて聴いた人にも理解しやすくしたいと考えていました。
メッセージによっては声を前へ置き、ギターの旋律を中心にする場面とは役割を変える。
歌の強さは、言葉を届ける設計とも結び付いています。

『Reverence』では、その考えがさらに具体的になります。
言葉を速い演奏に合わせて収めるだけでなく、伝えたい内容を残すため、演奏の密度や勢いを抑える場面も作りました。
歌が収まる場所を、伴奏の側から整えているのです。

大きな声なら必ず言葉が伝わる、というわけではありません。
楽器と声が絶えず同じ勢いで走っていると、フレーズの区切りより、全体の熱量に耳が向きます。
反対に、声の周囲に余白ができると、短い言葉の置き方や、次へ進むまでの時間も表現になる。
ウィンストンの歌は、声量だけでなく、何を聴き手の正面に置くかという点でも強さを作っています。

「Writings on the Wall」では、弦の響きからピアノと行進のようなリズムへ移り、その上に険しい語りが乗ります。
声を滑らかな旋律に溶かすのではなく、言葉の輪郭を残して前へ進む表現です。
荒い質感が同じでも、速い演奏を押す叫びとは、声の働きが違ってきます。

「The Colour of Leaving」で、声の近さを選ぶ

「The Colour of Leaving」は、強く押し出す歌との違いを捉えやすい曲です。
直前の「Chronos」が大きなギターと攻撃的な歌で展開するのに対し、最後は伴奏を絞り、ウィンストンの低い声を近く感じさせる形へ移ります。
歌の存在感を残したまま、周囲の大きさを変えているのです。

この曲を、ウィンストンは大切な人への別れとして書きました。
怒りを爆発させるだけでは言い尽くせない内容だからこそ、言葉そのものが残る歌い方に意味があります。

重い内容を歌う声が、常に最大の音量である必要はない。
この曲では、そのことが歌の配置から見えてきます。
強く歌う箇所だけを拾うと見落としやすい、声を近づけて言葉を受け取ってもらう表現です。
前の曲との隔たりまで含めて考えると、静かな声もアルバム全体の起伏を担っていることが分かります。

「Darker Still」では、声の個性を旋律に乗せる

バラードを目指したウィンストンに、歌の講師が示したのは、声の個性や音色が曲に合うことの大切さでした。
技巧の多さだけを目指すのでなく、自分の声でその曲を成立させる。
「Darker Still」を考えるうえでも大切な視点です。

叫び声のときは、短い言葉の衝撃で前へ進む場面があります。
対して、旋律を長く担うバラードでは、一つのフレーズが次へどうつながるかも歌の中心になる。
強い声を一度出せることと、その声の人物像を保ちながら一曲を運ぶことは、同じ課題ではありません。
ウィンストンの歌の幅は、声を弱めたかどうかより、どんな時間の流れを支えられるかに注目すると捉えやすくなります。

囁きと声の重なりが、激しさの奥にあるものを描く

「Like Napalm」では、終盤にギターの厚みが退き、ベースとドラムの上でウィンストンが囁く場面があります。
そこから再び全体の強い音へ戻るため、小さな声が次の大きさを際立たせます。
声を引く瞬間そのものが、曲を強くする仕掛けです。

「Glitch」では、覚えやすい歌の背後に囁きや掛け声を重ね、落ち着かなさを描いています。
「Land of the Lost」はさらに、機械で作った声、歪んだ人の声、人の声を重ねる構成です。
ウィンストンは、機械的な人間像から、終盤の感情を持つ人間へ移る狙いを説明しています。

「Glitch」の重なりは悪夢や眠れない感覚につながり、「Land of the Lost」の声の層は人間らしさの変化を表します。
どちらも厚みを増すだけの重ね方ではなく、曲が扱う内容と結び付いた仕掛けです。

ここでは、一人の喉から聞こえる音と、録音で組み立てた声の層を分けて考えることが大切です。
加工や重なりを含む完成形を、そのまま本人の一種類の発声だと捉えると、歌の工夫を見誤ります。
声の選択に録音の設計が加わり、曲の世界が作られているのです。

録音の空間を生かす工夫は、2010年の『Deep Blue』にもありました。
ウィンストンは、プロデューサーのジョー・バレシと声の反響を試し、部屋の響きを収めるマイクも使ったと話しています。
声の大きさや奥行きは、歌い手の出す音に、録る場所と方法が加わって届くものなのです。

強い声を、どんな感情へつなげるか

ウィンストンは、言葉が通じなくても音楽で人とつながれることを大切にしています。
歌は感情を外へ出す手段でもあり、その感情を受け取る相手がいる。
発音を理解する前に迫ってくる声の質感も、彼にとって音楽の力の一部なのでしょう。

彼の歌を一つの発声法で説明しようとするより、音程と粗さ、声と伴奏、強い声と近い声の関係を見る。
そうすると、咆哮の迫力を入り口にしながら、その奥の選択まで見えてきます。
荒々しさを使う場面と、あえて声を引く場面があるからこそ、強いフレーズにも意味が生まれる。
それが、ウィンストン・マッコールの歌を、単に激しいだけでは終わらせないところです。

表現が広がってきた歩みは、ウィンストン・マッコールの歌唱変遷でたどっています。

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