松下優也の歌い方｜声の重さ、語尾、休符を変えて感情を届ける

松下優也の歌を考えるとき、強い声が出ることと、その強さをいつ使うかは分けて見たいところです。
本人の言葉から浮かぶのは、舞台と録音で声の出し方を調整し、フレーズの終わりや音のない時間にも意図を持たせる歌手の姿です。
発声を一つの型に固定するより、曲や役に応じて声を選ぶ過程に、その個性があります。

「Ride It」— MV（2024年）

舞台の声を、近いマイクに合う声へ調整する

2024年の「Ride It」の制作では、松下は、舞台で歌っていた声を録音用に調整する必要があったと説明しています。
客席へ届ける舞台では体の重心を低く捉えて歌う一方、その感覚を近いマイクへそのまま持ってくると、声が強すぎるというのが本人の実感でした。
どの距離へ、どれほどの重さを感じる声として届けるかという選択です。

発音にも調整があります。
日本語が一音ずつ分かれすぎないよう、言葉が伝わる範囲で発音をなじませると本人は述べています。
明瞭さと流れの両方を扱っています。

音を伸ばす長さと、終わり方を決める

松下は2022年、歌い方を作る手順をかなり具体的に説明しています。
まず感覚で歌い、そこから音の終わりを下げる箇所、伸ばす長さ、ビブラートを付けるかどうかを細かく決めていくそうです。
声の色は、その場面の感情に合わせて選ぶといいます。

たとえば長い音でも、まっすぐ保つか、揺れを加えるか、下へ抜いて終えるかで、後に残る印象は変わります。
松下の説明が示すのは、揺らせる能力だけでなく、揺らさず置くことも含めた選択です。
一つのフレーズの中で、どの音を持続させ、どこで力をほどくかが表現の単位になります。

『バイ・バイ・バーディー』のコンラッド役では、エルヴィス・プレスリーの歌から、ふざけるように低く歌う表現を参考にする一方、自分の感覚が合うところは別の方法も試していました。
声の低さを人物の振る舞いと結び付けつつ、自分の声で成立する形を探す例です。

息と休符にも、リズムの役目がある

『うたふぇち伝わりますか』の「スローなブギにしてくれ (I want you)」では、息や休符をリズムの一部として扱ったと本人が説明しています。
「傘がない」でも、R&Bの編曲に対して音を休める部分を意識していました。
歌う時間と、次の言葉を待つ時間を続けて捉える考え方です。

音を置かない間が、次の入り方に意味を与える。
旋律の周囲の息や間にも、歌謡曲とR&Bを結ぶ発想があります。

『うたふぇち伝わりますか』— アルバムのダイジェスト（2022年）

同じ曲でも、伴奏が変われば歌を作り直す

YOUYA名義の「スーサイド:) feat.向井太一」には、通常版とアコースティック版があります。
本人が2022年に明かした制作では、後者は伴奏だけを差し替えたものではなく、そのために歌を録り直した版です。
旋律の一部や細かい装飾も変え、別の歌として組み立てています。

本人が悩んでいたのは、歌の力を前へ出すことと、自分が作りたい音楽として成立させることのバランスでした。
歌を目立たせるだけで作品の狙いに近づくとは限らない。
その一方、ピアノを伴う版では、二人の歌そのものを聴かせる意図がありました。

この違いを踏まえると、装飾が多いか少ないかだけで上手さを測る見方から離れられます。
同じ曲の旋律でも、トラックとの関係が変われば、声を動かす場所も変わるのです。

「スーサイド:)」— 向井太一とのアコースティック版（2022年）

踊りながら歌うときにも、声を優先する場所を選ぶ

歌とダンスの両方が強く見えるパフォーマンスには、ずっと両方へ同じ力を注ぐ方法とは別の工夫があります。
松下は2022年、歌へ力を置く部分と、動きに合わせて歌を変化させる部分を考えていると語っています。
どちらかを引くところも含めて組み立てることで、全体として両方を見せる発想です。

ライブで加える歌い回しにも、準備があります。
本人によれば、その場だけの思い付きに見える表現の中には、リハーサルで生まれ、繰り返すうちに形になったものもあります。
録音と違うフレーズを歌っているから、すべて即興だとはいえません。
余裕を感じさせる自由さを、準備の量と対立させずに捉えることができます。
一方、松下が振り返る原点には、大人数のゴスペルのクワイアで、突然マイクを渡されて歌う経験があります。
用意した短いフレーズを披露するのではなく、その場で応じる力が求められたそうです。
瞬間の反応を育てた経験と、反復して表現を磨く経験の両方が、ライブの歌を支えています。

難しい音の前には、感情のつながりを探す

2023年の『太平洋序曲』でも、ソンドハイムの予想しにくい旋律について、松下は芝居の流れから考えています。
ある音へ進みにくいと感じたとき、その音だけを取り出すのでなく、直前の表現とうまくつながっているかへ戻るというのです。
音程を当てる課題と、その人物がなぜそこへ進むのかという課題が、本人の中では結び付いています。

これは、難所を感情だけで乗り切るという説明ではありません。
本人は歌や表現の細部を作ることも認めたうえで、根にあるのは芝居だと話しています。
技術で形を整えながら、その形を必要とする気持ちが前の場面から続いているかを確かめる。
R&Bとは音楽の性格が違う作品でも、この考え方なら自分の声を物語の中へ置けます。

歌と台詞の境目についても、松下は、歌が終わった後の台詞へ不自然な切れ目を作らないことを重視していました。
高い音や長い音を歌い終えるだけで場面が完結するわけではありません。
次に出す言葉まで含めて、その人物の呼吸が続いている必要があります。

「Not My Father's Son」で考える、声の持ち主と歌の流れ

『キンキーブーツ』の宣伝用MV「Not My Father's Son」は、東啓介、有澤樟太郎、甲斐翔真、松下優也の4人で歌う特別な構成です。
松下は上演前に、MVでは役として完成した歌を見せるというより、役者それぞれの良さを出していたと説明しました。
舞台ではローラが歌う部分が大きいため、人物として曲を担う作業はまた別にあると捉えています。

短い担当箇所で自分の声を示すことと、一人の人物の感情を曲の中で進めることでは、声の役割が違います。
同じ曲名の映像でも、その条件を分けると、歌唱の違いを声質だけに結び付けずに考えられます。