Kの歌い方｜声を張る、力を抜く、重ねる。その選択で曲を変える

ピアノの弾き語りで聴かせる、柔らかな声。
Kを知る入口には、そんな歌の魅力があります。

歌を一本の旋律として届ける一方で、コーラスを重ね、短く刻み、楽器のように使う。
その両方を自分で組み立てるところに、Kの歌の面白さがあります。

憧れの声へ近づけるより、自分の声を生かす

Kは、好きな歌手のハスキーな声に憧れ、自分の声との違いに悩んだ経験を話しています。
その後、同じような声になることより、自分にしかない声のよさを認めるようになりました。
今の歌を理解するうえでも、誰かの声の型に合わせることを出発点にしないほうが、選択の幅が見えてきます。

力を抑えると、メロディの役割も変わる

「Day ’N’ Night feat. MADz’s」では、力を抑えた声が、曲全体の軽やかさにつながります。
本人も、歌い方によって言葉や旋律の感じ方が変わることを面白がっていました。
常に大きな山場へ押し上げる必要はないのです。

共演を楽しむ姿勢は、以前からありました。
2008年に語った「Lovin’ You」のカバーでは、エレクトリックピアノ、ギター、打楽器で、その場の演奏の空気を残そうとしています。
決めた形へ全員を収めるより、相手の出す音についていく。
歌も、そうしたやり取りの中に置かれています。

声の強さだけで、歌を前へ出すわけではない

「あの雲の向こう側」では、歌を中心に聴いてもらうため、編曲をシンプルにしています。
豪華に音を足す選択もありましたが、Kはそれを選びませんでした。
声が届く場所を、周囲の音の引き算で作っているのです。

『Ear Food』の「愛」では、オルガンと声が互いを探るように進み、途中からピアノが加わります。
Kが描こうとしたのは、恋に踏み出すときの臆病さでした。
初めから迷いのない強い声で押し切るより、相手の音を受けながら歌う関係が、その気持ちに合っていたのです。

伴奏へ一方的に声を重ねるだけでなく、相手の音に反応することも、歌の表情になっています。

言葉の意味と、語尾に残る響きを考える

Kは『Curiosity』の作詞を依頼するとき、内容だけでなく、日本語と英語を使う場所や、フレーズをどの母音で終えたいかまで伝えていました。
言葉の終わりに残る響きも、旋律の一部として考えているのです。

歌詞は、書き上がった文章をそのまま音符へ載せるだけではありません。
どの音で言い終えるかによって、次のフレーズまでの感触も変わります。
Kの歌では、伝える意味と、声にしたときの響きとを、制作の段階からすり合わせています。

逆に、先に旋律があると言いたいことを収めきれない場合には、歌詞から作る方法も選んでいます。
『641』では、言葉を残しながら旋律を何度も試しました。
言葉を音に合わせるだけでなく、音のほうを言葉へ近づける。
その往復が、歌いやすさと伝えたい内容をつないでいます。

コーラスも、一緒に曲を動かす声になる

「MUSIC」や「LOOP」のコーラスは、主旋律に和音を添えるだけの存在ではありません。
短い声の反復が、リズムを刻む役割も持っています。
歌詞を聴かせる長い旋律と、曲を前へ動かす短い声を、別の仕事として置いているのです。

声だけで作った「遠雷（Album ver.）」では、その考え方を別の方向で確かめられます。
Kは、コーラスのパターンを考える準備を重ね、十六トラックで声を録りました。
一回の歌唱の迫力をそのまま増やすのではなく、重なる声の関係で曲を成り立たせる作品です。

同じ「遠雷」でも、「桐箪笥のうた」のカップリングとは版が異なります。
どの録音で、声が何を担当しているかを分けて考えると、違いが分かりやすくなります。

生の高い声と、加工して作った声を分けて聴く

「winter light feat. sloppy dim」の終盤には、ファルセットで歌い上げる場面があります。
一方、女性の声のように響くコーラスは、Kの声だけをそのまま高くしたものではありません。
本人の声を含む複数の声を、ソフト上で組み合わせて作っています。

生の歌と加工した声には、それぞれの役割があります。

「Touchdown feat. VILLSHANA」で使うトークボックスも、声に関わる別の表現です。
Kは、その響きで伝わりやすい言葉を考えていました。
普通に歌うときの発音をそのまま持ち込むだけではなく、使う音に応じて言葉を選ぶ工夫があります。

トークボックスは、チューブで口へ送った楽器の音を、口の形で言葉のような響きに変える仕組みです。
声を強く出すこととは、音の作り方が異なります。

本人の作り方は、きれいに発音できる語句をまず並べ、それから歌詞にするというものです。
この曲ではオートチューンも使っていますが、Kはトークボックスに、それとは別の魅力を感じていました。
加工の方法を一括りにしない点も大切です。

同じ曲でも、舞台では声の置き方が変わる

2019年六月の、Michael Kanekoを迎えた公演では、「遠雷」を鍵盤とファルセットで聴かせました。
声を何層も重ねたアルバム版とは違う形でも、曲の繊細さを伝えています。
録音で作った厚みを、そのまま舞台の声量で置き換える必要はないのです。

その日の「誓い」では、マイクを使わず、客席へ丁寧に歌いかける場面もありました。
増幅した声を届けるときとは条件が変わる中で、観客を見渡しながら歌っています。
大きく聞こえることだけを目指さず、目の前の人へ声を向ける。
Kの歌の親しさは、こうした距離の取り方にも表れます。

録音でも舞台でも、声を出す条件を整える

Kは自宅の制作環境でも、自分の声に合う機材の組み合わせを試しています。
マイクだけでなく、録った声の質感に関わる機材も、時間をかけて選びました。
声を出した瞬間だけでなく、それをどのように録り、曲へ置くかまでが、歌の表現につながっています。

自宅なら、緊張を抑えた状態で試し、納得するまで歌を探せます。
気楽に歌える環境は、手間を省くためというより、いろいろな歌を試せる条件になっていました。

限られた時間で録ると、思い描いたものへ届く前に妥協してしまうこともあったといいます。
家で日を変えて取り組めることは、歌や音を、最初にできた形で決めてしまわないためにも役立っていました。

ライブでは、会場の響きや、その日の空気も歌に関わります。
Kは、以前は難しかった、その場の条件へ自然に反応することができるようになってきたと話しています。
録音の歌い方を毎回そのまま再現するだけでなく、その日に届く声を探す面もあるのです。

会場の響きや観客の様子まで受け取り、その場所に合う声を届ける。
Kの歌には、録音を作り込む細かさと、その場で反応する柔軟さが共にあります。
そうした表現が広がった経緯は、Kの歌唱変遷でたどっています。

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