AYANE（ME:I）の歌い方｜響きと声の密度を変え、曲の中の人物になる

AYANEの歌は、声の個性が強いのに、曲が変わると印象も変わります。
高音で目を引く場面の隣に、かわいく語りかける歌や、柔らかく気持ちを渡す歌がある。
本人の録音での考え方と、具体的な曲の違いをたどると、その歌声を一つの音色だけで捉えられない理由が見えてきます。

2025年の『WHO I AM』収録音源。

響きと密度を、曲ごとに選び直す

AYANEはアルバム『WHO I AM』の制作で、響かせ方と声の密度を、曲のテーマに合わせて考えたと話しています。
「Summer Magic」では明るく弾むような声色を、「キラキラ」では現代のJ-POPらしい歌唱を選ぶ。
高さだけでなく、声の質感から曲の世界へ近づこうとしているのです。
ここでの響きや密度は、本人が録音で使った感覚の言葉です。
声の個性を固定せず、曲に合う出し方を探す姿勢として受け取ると、作品ごとの差が分かりやすくなります。

「MUSE」は、高音以外の変化も曲を動かす

MIUが「MUSE」の聴きどころに挙げたのは、ダンスブレイク後、2番に出てくるAYANEのパートでした。
高い音を張るだけでなく、幅のある音域で歌い方を変え、曲の雰囲気を切り替えていると評価しています。
強い一音へ向かうだけではなく、前の場面からどう空気を変えるか。
その役割まで含めて聴くと、声の目立ち方に意味が見えてきます。

一緒に収録された「Affogato」では、同じMIUが、AYANEの声優を思わせるかわいい声を挙げています。
サビを担う二人のうち、MIU自身も、さらにかわいく歌うよう助言を受けていました。
声の個性を生かすとは、力強い声を毎回そのまま出すことではありません。
曲の人物に合わせて、声の表情を作ることも含まれます。

2025年の『MUSE』収録音源。

歌詞の中の相手が決まると、声の態度も変わる

オーディションの「制服のマネキン」で、AYANEは歌詞の中の相手を具体的に考えることを提案していました。
誰に向けて歌うのかが曖昧なまま、音だけを追わない。
当時の歌唱には、少女のもどかしさを、声の緩急で見せる面もありました。
技法の名前を先に決めるより、言葉の向かう先から表現を組み立てる姿が見えます。

その違いは、一緒に歌うMIUにも伝わっています。
彼女は、AYANEの「TOXIC」と「AtoZ」の歌い方の差を、特に印象的なものとして挙げました。
さらにフェスでの「TOXIC（ME:I Ver.）」では、客席をあおる姿にも感心したといいます。
録音した声の表情だけでなく、目の前の相手へ向ける態度も、曲に合わせて選び直しているのです。

2025年には、声優の青山吉能から、声で人物を演じる方法を学ぶ機会もありました。
AYANEが気になっていたのは、役柄によって、声のどこを変えるのかということです。
番組内では悪役に挑み、声に緩急をつけ、感情や句読点の扱いも学びました。
終了後、本人はこの経験を歌にも生かせそうだと話しています。
特定の曲がこの体験で変わったとまでは言えませんが、旋律の外でも声の表情を探していたことが分かります。

2024年のROCK IN JAPAN FESTIVALでのバンドアレンジ版。

高音でも、相手の声と一曲を作る

「Hi-Five」の録音では、AYANEとTSUZUMIがフェイクを担当し、何度も一緒に練習していました。
ここでいうフェイクは、旋律の合間や終盤に加える、装飾的な歌い回しのことです。
自分が届く音を確かめるだけでなく、二人で同じ曲を仕上げる時間を重ねたことにも注目したいところです。

2026年のAYANEは、TSUZUMIとは同じ旋律を歌うことが多く、ボーカルとして通じるものを感じると話しています。
その一方で、相手の明るく伸びる声や、KEIKOの独特な声質にも惹かれていました。
声を合わせることは、全員の音色を同じにすることではありません。
相手の声に何があるかを聴き取り、その違いごと一曲に収めることでもあります。

「Golden（Japanese Ver.）」では、MIU、AYANE、TSUZUMIという三人の声が並びました。
AYANEの響きは、ハスキーさと透明感を併せ持つものとして紹介されています。
同じ曲を歌っても、三人が同じ質感で鳴るわけではない。
それぞれの声が受け渡されるところも、この組み合わせの聴きどころです。

バラードの柔らかさにも、声の芯を残す

「Fan Letter」は、RINONがAYANEの力強さを感じたバラードでもあります。
柔らかく歌う曲であっても、声が伝える思いまで弱くする必要はない。
静かな曲調と、聴き手へ届く力を別々に考えると、AYANEのバラードは、高音を抑えた歌というだけではなくなります。
一人ひとりの声がよく聴こえる曲だからこそ、言葉を渡す声の存在感が大切なのです。

また、2024年夏の「Our Diary」では、メンバーの優しい歌唱の流れに、終盤のAYANEの高音フェイクが重なりました。
ゆっくり進む歌の中で、最後に声の動きを増やす。
曲の柔らかさを保ちながら、終わりに向けて高揚を作れることも、声の使い分けの一つです。

2024年のTrack Video（上記公演の映像ではなく、録音版）。

自分の声の前後に、誰の歌があるかを聴く

「MUSE」の録音でAYANEが面白さを感じたのは、ほかのメンバーの新しい歌い方でもありました。
自分の前後を歌う声を聴き、曲がどんな形になりつつあるのかを知る。
一曲を分担して歌う場面では、担当部分だけを切り出した完成度と、前後を含めたつながりの両方が問われます。
AYANEの録音談は、仲間の声を受け取りながら歌う面白さも教えてくれます。

「ビヨンド ～越えてゆこう～」でも、一体感を出すために、全員が同じ主人公の気持ちへ向かいました。
異なる声をまとめる手掛かりは、音色だけではありません。
どんな不安を越え、何を決意している歌なのか。
同じ物語を共有することが、複数の声を一つの言葉として届ける支えになります。

自分の声がはっきりしているからこそ、曲へ合わせることは簡単ではありません。
「Sugar Bomb」で本人が感じた、教わった曲の意図と自分らしさを両立する難しさも、その一例です。
個性は、いつでも同じ出し方を守ることだけで残るものではないのでしょう。

学生時代に惹かれた音楽にも、共通点がありました。
ビヨンセやブルーノ・マーズ、aespa、XGなど、曲だけでなく、パフォーマンスまで含めて心を動かすものが好きだったといいます。
とりわけ、そこへ込められたメッセージに関心を持っていました。
声の珍しさに耳を留めた後は、曲の中の相手や、舞台での呼びかけにも目を向けてみる。
音色だけを取り出したときとは違う、歌全体の表情が見えてきます。

AYANEの歌い方を支えているのは、自分だと分かる声を持ちながら、その声の役割を固定しないことです。
高音で広げる、かわいく人物を演じる、柔らかく届ける、相手の声を受け取る。
どの場面でも、声を曲の中へ置き直す工夫があるのです。
こうした選択が広がってきた過程は、AYANE（ME:I）の歌唱変遷でたどれます。

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