ホリエアツシ（ストレイテナー）の歌い方｜「シーグラス」と「Skeletonize!」で声の熱量が違う理由

ストレイテナーの「シーグラス」と「Skeletonize!」を、同じ人が歌っている。
一方は歌を聴かせるために楽器が場所を空け、もう一方は落ち着いたAメロから激しいサビへ声の熱量を切り替える。
ホリエアツシの歌い方を「常に張る」「常に力を抜く」のどちらかで説明できないのは、この二曲があるからだ。

本人とメンバーが何を目指して録ったかを追うと、歌の存在感を作る方法が二通り見えてくる。
声だけを大きくするかどうかではなく、旋律、楽器、言葉の配置まで含めて、一曲の中で歌をどう立たせるかという話だ。

「シーグラス」で歌が前に出るのは、声量だけの成果ではない

2016年のアルバム『COLD DISC』について、ホリエは歌を聴かせることへ集中したと話している。
「シーグラス」でギターの大山純がAメロを細かく弾いたのは、波に転がる石やガラスの景色を作るためだった。
Bメロではギターがボーカルを追うように演奏したという。
主旋律と楽器が同じ方向へ押し寄せるのではなく、楽器が歌の動きを受け止める関係だ。

ホリエは大山の景色のイメージを、取材で初めて知って驚いた。
つまり、歌い手が細部まで命令して音を組み上げたわけではない。
各メンバーが自分の音を考え、その結果、歌が置かれる場所ができた。
曲の切なさを「ホリエの声だけが生んだ」と言い切るより、このやり取りを知ったほうが、なぜ歌に耳が向くかを説明できる。

同じアルバムの「Force」では、リズム隊をどこから入れるかも話し合った。
ホリエが演奏の入りを求めたのに対し、ナカヤマシンペイは一コーラスを丸ごと弾き語ってもよいのではないかと提案し、試した結果、Bメロから入る形になったという。
歌を聴かせたいからと、歌手が最初から最後まで強く押し出す必要はない。
周りの音が加わる瞬間を選ぶことでも、声の見え方や曲の広がりは変えられる。

メロディを先に作るから、同じ声でも曲の表情が変わる

ホリエには、聴き慣れた着地へ素直に落とさない旋律の癖がある。
本人は、仲間から「半音落ちるのがホリエメロディ」と言われると話し、自分でも決まりきったメロディを避けてきたと振り返った。
ただし近年は、誰にでも分かりやすく、なおかつ自分たちならではの旋律を作ることも目指す。
次に来る音が少し意外だからこそ、同じ声でも旋律に独特の引っかかりが生まれる。
持ち声の印象と、歌っている音の並びは、切り離しにくいものなのだ。

2024年の公式座談会では、ホリエは旋律とアレンジを別に考えると説明した。
「Skeletonize!」のメロディだけなら、もっと穏やかな曲にもなり得る。
しかし実際には激しい四つ打ちのバンド曲にした。
旋律が同じでも、その周囲のリズムが変われば、歌手に必要な熱量も変わる。
彼は歌い方を先に一つ決め、全曲へ当てはめていない。

「Skeletonize!」は、Aメロとサビを同じ調子で録れなかった

この曲でホリエは、Aメロを落ち着いた感じで、サビを強いテンションで歌いたかったという。
ところがサビを激しく歌うと、今度はAメロへ戻すのが難しくなる。
本人はそのせめぎ合いを具体的に語り、サビを普段の調子で歌っても曲に合わないと思ったため、強い出し方を選んだ。
録音では一度喉を潰したとも明かしている。

この曲の難しさは、サビだけを強く歌い切れば終わりではない点にある。
一度上げたテンションを戻し、次の静かな部分にも表情を残さなければならない。
声の最大値だけを見ると、こうした切り替えの難しさが隠れてしまう。

ここで大事なのは、荒く出した声を万能の「ホリエ流高音」と扱わないことだ。
本人が語るのは、同じ曲の前半とサビに別の表情を与える苦労である。
高い音を必ず力で押すという一般的な方法ではない。
普段は喉をいたわる歌い方を知っていると本人が話すからこそ、この曲の強さは、狙って選んだ例外として見えてくる。

抜く声も、張る声も、曲が求める場所に置く

ホリエは秦基博の「鱗」をカバーした際、高い音を張るばかりではなく、力を抜くと出しやすいことに気づいたと語っている。
よく知られた曲だからというだけで選ぶのではなく、自分が実際に歌ってよいと思えるところまで、秦の声の出し方を試したという。
その中で、張り続けると届きにくい高さにも、違う入り方があると気づいた。
本人は、その経験が自分の曲作りや歌い方にも影響したと話している。

高音が出るかどうかに加えて、その音へどう入ったら旋律が気持ちよく続くかを考える。
力を抜く発見も、激しいサビを選ぶことも、その曲をどんな歌として成立させたいかという判断につながっている。
声の強さだけでなく、余白と切り替えも表現の材料なのだ。

「灯り」で秦基博を驚かせた、言葉の乗せ方

声の個性は、力の入れ方だけには表れない。
秦との共作曲「灯り」では、送られてきた歌詞を読んで秦が予想した歌い方と、ホリエが実際に歌った形がまったく違っていたという。
秦はその言葉の乗り方に驚いたと話し、ホリエも、歌詞が旋律の中でどう響くかを重視すると説明した。
同じ文章でも、どこをひとまとまりとして流し、どの音へ言葉を置くかで、歌の輪郭は変わる。

二人は当初、それぞれ自分が歌う部分の詞を書いていたが、途中からは互いの担当部分にも書き合うようになった。
一人が歌う箇所から次の声へ、歌詞の意味だけでなく音の流れも渡していく。
「灯り」を聴くときは、二人の声質の似ているところや違うところに加え、言葉が旋律へ入るタイミングにも目を向けたい。
声を張らなくても、言葉の置き方に歌い手の個性は残る。

声を重ねて作る厚みもある

2025年の『Next Chapter EP』の取材では、録音した声の重ね方についても具体的に語っている。
同じ主旋律をオクターブ違いで歌ってみたり、ハーモニーを上や下へ配置したり、途中でその上下を入れ替えたりする。
複数の声の組み合わせを試す時間を惜しまないという考えだ。

これは、一本の声をただ太く、強く出すこととは違う。
同じ旋律を高さを変えて重ねれば、メロディの動きを保ちながら別の響きを加えられるし、異なる旋律のコーラスなら、主旋律との間に和音の表情を作れる。
ホリエの録音された歌を聴くときには、前に立つ一本の声だけでなく、その周りで支える声も含めて捉えると、曲の厚みが分かりやすい。
「シーグラス」で楽器が歌の場所を作ったのと同様に、ここでは自分の別の声も、歌を支える役になる。

ホリエの歌い方の核を、声を張るか抜くかの二択にはできない。
「シーグラス」では楽器が歌の周りを動き、「Skeletonize!」では一曲の中で自分の声の熱量を切り替える。
歌の存在感は、一音の強さより、曲のどこに声を置くかで決まる。
こうした選択がいつ増えていったかは、ホリエアツシの歌唱変遷でたどれる。

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