こっちのけんとさんの歌声は、明るく軽快なのに、聞き終わると妙な切実さが残ります。
その理由は、深刻な言葉を暗い声で説明するのではなく、笑顔にも聞こえる声、短く切れる語尾、急に空く間を使って、本音を明るさの内側へ隠しているからです。
「はいよろこんで」が広がった時、耳に残ったのは速い言葉や「ギリギリダンス」だけではありませんでした。
元気な返事の形を借りながら、助けを求める信号が少しずつ見えてくる構成こそ、この歌声の核心です。
高音の高さやミックスボイスの種類だけを調べても、この魅力は十分に説明できません。
アカペラで磨いた音程感、複数の役を演じる声色、言葉を置かない空白まで含めて、一人の中にある矛盾を歌にしています。
「はいよろこんで」は、明るい返事の中にSOSを隠した歌
活動名の「こっちのけんと」には、会社員として働く自分とは別に、好きな歌を選ぶ側の自分という意味が込められています。
この二つの自分が同時に存在する感覚は、曲の中にもそのまま現れました。
「はいよろこんで」は、頼まれたことを反射的に引き受ける明るい返事から始まります。
しかし、曲が進むほど、その返事は元気の証明ではなく、限界を隠すための癖だったことが分かります。
本人は制作過程で、当初の歌詞が要求を拒む方向へ寄り過ぎていたため、もっと多くの人が抱えるSOSへ焦点を移したと説明しています。
そこで重要になったのが、説明を増やすことではなく、歌詞を削って間を作ることでした。
声が止まる瞬間があると、聞き手はその空白へ自分の経験を入れられます。
ずっと歌い続けるより、言葉が途切れた方が「本当は何を言えなかったのか」が気になるのです。
この作り方は、感情を大声で説明する方法とは反対です。
明るい声が続くほど、その奥に隠れた苦しさが後から浮かび上がります。
しかも、空白は重たい沈黙として置かれていません。
踊れるテンポが先へ進み続けるため、聞き手は深刻な告白を立ち止まって読むのではなく、身体を動かしながら受け取ります。
ここに、この曲が広い層へ届いた理由があります。
苦しい人だけを集める閉じた歌ではなく、元気な人も口ずさめる入口を作り、その奥にSOSを残しました。
楽しさと切実さのどちらかを選ばなかったことが、こっちのけんとさんの声を一度聞いて終わらないものにしています。
アカペラで覚えたのは、目立つ声より「崩れない感情」だった
こっちのけんとさんは大学時代、アカペラグループで活動し、全国規模の大会でも結果を残しました。
ビートボックスに憧れて始めたものの、やがて歌う役割を担い、一人で複数のパートを重ねる動画も作るようになります。
本人が自分の強みとして挙げているのは、感情を込めても音程を外しにくいことです。
四年間にわたってディズニー楽曲のカバーへ取り組み、作品ごとに異なる人物や感情を声で表す経験が、その土台になりました。
アカペラでは、誰か一人が勢いだけでテンポや音程を変えると、全体の和音が崩れます。
つまり、豊かな表情と正確さを同時に保つ必要があります。
こっちのけんとさんの歌は、感情的に聞こえても、声が無計画に暴れているわけではありません。
短い言葉を跳ねさせ、急に細い声へ移り、再び明るい音へ戻っても、曲の流れを見失いにくい背景には、この集団歌唱の経験があります。
正確さという言葉から、無表情な歌を想像する必要はありません。
アカペラで求められる正確さは、全員が同じ顔になることではなく、自分の役を守ったまま相手の声を聞くことです。
だからこそ、こっちのけんとさんは声色を大きく変えても、曲の中心から外れにくいのでしょう。
目立つ変化の下に、次の音へ戻る道筋が残っています。
「ギリギリダンス」は、意味より先に身体へ届く
「ギリギリダンス」という言葉は、最初から日本語の決めぜりふとして作られたものではありません。
制作時の英語の響きが日本語のように聞こえ、曲の意味とも重なったことで、現在の形へ育ちました。
ここには、こっちのけんとさんの言葉の扱い方がよく表れています。
文章として正しいかどうかだけでなく、口にした時の跳ね方、子音の引っ掛かり、聞き手が一緒に言える短さまでが歌詞の一部です。
第三者による歌唱解説では、語尾を伸ばし切らずに切ること、音を細かく区切ること、短い声色の変化が特徴として挙げられています。
音域の調査では「はいよろこんで」は極端な超高音曲というより、速い言葉と休符の管理が難しい曲と整理されています。
高い音を出す競技ではないからこそ、歌ってみると難しさが見えます。
言葉を全部同じ強さで並べれば重くなり、急ごうとすればリズムが平らになり、息を詰めれば空白の後へ戻れません。
速い歌を歌う時、多くの人は一文字ずつはっきり発音しようとします。
しかし、すべてを同じ大きさで読むと、重要な言葉と通過する言葉の差がなくなります。
こっちのけんとさんの作品では、聞かせたい音の直前に小さな声や間があるため、短い決めぜりふが強く残ります。
滑舌の良さとは、全部を濃く発音することではなく、何を薄くできるかまで選べることだと分かります。
Reolさんの速い言葉の置き方と同じく、滑舌の速さだけでは成立しない歌です。
どの音を立て、どこを軽く通し、どこで黙るかという設計が、言葉をビートへ変えています。
一人の声に何人もいるから、歌詞の矛盾が面白くなる
2025年の「けっかおーらい」では、明るい主人公のような声だけでなく、少しねじれた悪役のような声も使われました。
これは派手な声色ショーではなく、一つの曲の中に正反対の立場を置くための選択です。
本人は、正義だけでは割り切れない物語を表すため、サビへ入る前に別の人物を思わせる声を置いたと語っています。
同じ歌手が歌っていても、声の姿勢が変わると、聞き手は会話や対立を感じられます。
こうした役の切り替えは、幼い声、話し声、鋭い声を行き来するanoさんの発声とも通じます。
ただし、こっちのけんとさんの場合は、異なる声が一人の心の会議として聞こえることが特徴です。
前向きになりたい自分と、もう止まりたい自分。
人に応えたい自分と、自分を守りたい自分。
その両方を同じ声色で説明せず、役を分けて登場させるため、歌詞の矛盾が欠点ではなく物語になります。
高音より難しいのは、明るさを保ったまま重くしないこと
こっちのけんとさんの歌を真似する時、目立つ裏声や変わった声だけを抜き出すと、曲がばらばらになりやすくなります。
先に注目したいのは、一番普通に聞こえる明るい声です。
その声は、強く押し出すというより、言葉の頭をはっきり置き、長く抱え込まず次へ渡す役割を持っています。
声量を上げ過ぎると短い語尾が重くなり、リズムの隙間が消えてしまいます。
また、声色を増やすことと喉へ無理をさせることは別です。
高い声、低い声、かすれた声を本人と同じ音にしようとせず、話す速さ、語尾の長さ、声を置かない場所から考える方が安全です。
自分の音域を調べる方法で無理のない高さを確認し、キーを変えても言葉の跳ね方が残るかを見ると、この歌の本質へ近づけます。
痛みや強いかすれが出る場合は、声色の再現ではなく不調のサインとして休む必要があります。
こっちのけんとの声は、元気と限界を同時に歌う
こっちのけんとさんの発声で最も面白いのは、明るい声を苦しさの反対側に置かなかったことです。
元気に聞こえる返事の中にも限界はあり、踊れるリズムの中にもSOSは隠れています。
アカペラで身につけた音程と役作り、短く切る言葉、聞き手へ渡す空白、複数の人物を思わせる声色。
それらが組み合わさることで、深刻なテーマを重苦しく閉じず、多くの人が自分の話として受け取れる歌になりました。
声の高さだけではなく、明るい言葉の後に何が言われずに残ったかを聞くと、この歌声の切実さがよく分かります。
アカペラ時代から現在まで、その表現がどう育ったかはこっちのけんとさんの歌唱変遷で詳しく整理しています。
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