さとみ(元すとぷり)の歌い方｜裏声、囁き、言葉の輪郭で変わる声の距離

さとみの歌の色気は、強く響く声だけから生まれるものではありません。
裏声を使うとき、言葉を一つずつ立たせるとき、歌の中に囁きを置くときでは、聴き手へ近づく方法が違います。
何を歌うかに応じて、声の強さと距離を選び直すこと。
そこから、この歌い方を考えてみます。

「CURVE」の裏声は、柔らかさを表情にする

2025年の「CURVE」は、英語詞と裏声を生かした曲です。
同じ高い音でも、強く張る声と、軽い質感の声では、歌が作る印象は変わります。
この曲の色気を考えるうえでは、声量だけでなく、裏声という選択自体に注目したいところです。
大きく訴えかける歌い方とは違う形で、相手を思う気持ちを表しています。

この曲では、英語の発音についても厳しい指導を受けています。

横浜アリーナでの「CURVE」には、滑らかなラップもありました。
裏声の質感と、言葉をリズムへ続けて置く歌い方。
この二つを一曲で扱う難しさがあります。

声を軽くすることと、言葉を曖昧にすることは、同じではありません。
裏声の柔らかさを保ちながら、言葉の形やリズムも届ける必要があります。
さとみがこの曲で向き合った発音も、英語の知識だけの問題ではなく、歌の中でどう言葉を響かせるかという課題として考えられます。

一音を立たせる歌と、会話に近い歌

『S’s』の「涙の順番」は、シドのマオが詞を、ゆうやが曲を書いた作品です。
同じアルバムでも「CURVE」とは制作陣が異なり、別の言葉と旋律に向き合う曲になっています。

さとみがこの曲で意識したのは、言葉の一音一音を立たせることでした。
旋律をきれいにつなぐだけでなく、それぞれの言葉が耳に残る歌を選んでいます。

歌の言葉には、意味と同時に音としての輪郭もあります。
一続きの旋律を聴かせたい場合と、言葉を相手へ確かに渡したい場合では、重視するところが変わります。
「涙の順番」は、その違いを考える入口になる曲です。

一方、ころんと歌う「でこぼこげーむぱーてぃー」では、普段の会話に近い掛け合いを自然に楽しめたと話しています。
作詞作曲したるぅとが、二人の日常のやり取りを曲にしたからです。
言葉を強く印象づけることばかりが、さとみの表現ではありません。
親しい相手との普段の距離感を、歌の中へ残す選択もあります。

囁きと、伸びやかに歌う声を使い分ける

2019年のZepp Tokyoで歌った「GO GO CRAZY」には、囁く一節で客席を引きつける場面がありました。
同じ公演の「少女レイ」では、伸びやかな声を響かせています。
片方は言葉を近くへ届け、もう片方は旋律を広く聴かせる。
一晩の中にも、異なる歌の届け方がありました。

声を抑える場面は、強い声を出せない場面とは限りません。
囁きには、周囲へ大きく放つ言葉より、特定の相手へ向けた言葉のように感じさせる働きがあります。
その前後に伸びやかな歌があれば、声の距離の変化も意識しやすくなるでしょう。
一曲を通して強さをそろえるより、聴き手との関係を変えることが表現になります。

自分の経験と、役を演じる感覚

「脳内ピエロ」では、自分の過去の経験を思い出しながら歌ったといいます。
対して「遊獣浮男ボーイ」は、普段の自分ならしない行動をする主人公の気分になって歌うことを楽しんだ曲です。
切なさを内側から引き出す場合と、役の勢いを借りる場合で、感情の作り方が違います。

これは、歌詞の人物を説明するだけの話ではありません。
歌う瞬間に自分をどこへ置くかによって、声に乗せたい気持ちが変わるということです。
自分の記憶を呼び戻すのか、普段とは違う人物の態度を試すのか。
さとみの歌い分けには、その準備の違いも関わっています。

「恋をはじめよう」でも、経験した気持ちに現在の自分を重ねて歌ったと説明しています。
明るい声を作るより、その明るさへ至る気持ちを用意していたのでした。

強い声の隣に、爽やかな歌を置ける

2025年9月27日の横浜アリーナでは、「Uncontrollable」でシャウトを使いました。
同じ公演には、温かい声で歌う「約束」もあります。
力を外へ放つ場面と、柔らかく言葉を届ける場面を、曲に応じて選ぶ姿です。

「あいまいハート」では、優しく爽やかな声が中心になります。
日常の中の曖昧な気持ちを扱うこの曲には、強く迫る表現とは別の近さがあります。
感情のある歌を、すべて激しい歌と考える必要はありません。
まだ言い切れない気持ちに合う声を選ぶことも、歌を身近にする方法です。

張りのある声、囁き、軽い声のどれか一つを、さとみの正解とするのは難しいでしょう。
曲の中で相手に何を伝えるかによって、必要な声は変わるからです。
柔らかい歌があることで、強く歌う場面の意味も見えてきます。

同じ横浜アリーナの「Still Love」では、スタンドマイクに向かい、色気のある歌を聴かせました。
踊り続けられるようになった舞台でも、声そのものへ注意を向ける曲が残っています。
動きの大きさだけでは歌い分けを捉えきれません。

隣の人の声によって、同じ言葉の気持ちも変わる

ソロなら自分の考えで表現を決める一方、グループでは他のメンバーの歌を考えながら作ると、さとみは話しています。
「Feeling Love」も、一人で歌えば未練を残す切ない曲になっただろうと感じた曲でした。
六人で歌うことで、明るいポップな表情になったと振り返っています。
歌詞が同じでも、隣にいる声によって、自分の歌が担う役割は変わるのです。

2023年の『Never End』でも、岡本信彦との「Starlight Moonlight」、ころんとの「もっと」、グループ曲「Contact」が、ソロ曲と共に収められました。
一人の表現を作るアルバムの中に、他者の声を迎える余地も残されています。

さとみの歌い方を知るには、声の高さや強さに加えて、その声を誰へ向けているのかを見ることも大切です。
一音を際立たせる歌、近くで話すような歌、他の人と気持ちを分け合う歌。
声を選び直すたびに、聴き手との距離も変わります。
こうした表現が広がった経緯は、さとみ(元すとぷり)の歌唱変遷でたどれます。