竹達彩奈の歌い方｜かわいい声だけでは語れない、声の高さと感情の使い分け

竹達彩奈の歌を、かわいい声だから、という一言で説明すると、大切な工夫が抜け落ちます。
低めの印象を保って歌う曲もあれば、明るい曲の中で甘さを控える場面もあるからです。
同じ人の声でも、誰の気持ちを、どの距離から歌うかによって、表情は変わります。

声の出し方を考えるときも、高い音が出るかだけでは足りません。
その音に上がったときに人物像を保てるか、言葉を強く押しすぎていないか。
録音で本人が工夫したことから、竹達の歌い方を見ていきます。

低い声の印象を保つには、呼吸の落ち着きも必要

『PHANTASY STAR ONLINE 2』のイオとして歌う「kitty girl」は、本人名義の歌とは違う条件を持つ曲です。
イオは、感情をあまり表へ出さない、ボーイッシュな少女。
竹達は、感情が動いた瞬間に普段の声が出ないよう、声のトーンを低めに保つことを意識しました。

普段のはしゃいだ表現を抑え、呼吸も深めに落ち着かせたと説明しています。
難しかったのは高くなるサビで、元の曲から下げてもらったうえで、人物らしい声を保とうとしました。
単に低い音を出すことより、高い音へ移ってもキャラクターの印象を崩さないことが課題だったのです。

声の印象と、メロディーの音の高さは別です。
音程が上がっても人物の落ち着きを保つことが、この歌の難しさになっています。

抑揚は、たくさんつけるほど伝わるとは限らない

「♪の国のアリス」の録音では、抑揚をつけようとしていたところへ、末光篤から、もっと自由に歌いやすく歌ってほしいという提案がありました。
竹達は、アリスを自分なりに想像しながら、素の感覚で歌っています。
曲を描くために、毎回わざと大きな変化をつける必要はなかったのです。

「Miss. Revolutionist」でも、かっこいい曲だからかっこよく歌おう、とは考えていませんでした。
革命を起こす主人公ならどう歌うかを想像しつつ、気持ちを入れすぎて技術的な表現が出すぎないよう、シンプルさを意識したそうです。

強そうな声を外から飾り付けるより、その人物の気持ちをまっすぐ出す。
この曲での自然な歌い方は、何も考えずに歌った結果ではありません。
感情は持ちつつ、声で見せる演出をどこまで足すか選んだ結果です。

声優として声を変えられることと、歌の中で変化を多用することは別です。
作り込む力があるからこそ、控える選択にも意味があります。
勢いのある曲で、どこまで声そのものを飾らずに歌うかにも注目すると、曲の人物が見えやすくなります。

かわいさの中に、不思議さやほろ苦さを残す

「SWEETS is CIRCUS」では、かわいいだけでなく、少し怖い夜のサーカスを表したいと考えました。
もっと元気に、というディレクターの提案に対し、本人は声に芯があるのかないのか曖昧な感じを試し、その歌い方を希望しています。

この曲で欲しかったのは、楽しそうなのに少し落ち着かない感覚でした。
印象を決めすぎない声も、曲のために選んでいます。

『Lyrical Concerto』（2016年）の新曲試聴クロスフェード。

「OH MY シュガーフィーリング!!」では、甘さの中に少し苦みを残すよう意識しました。
かわいくしすぎず、『だがしかし2』のほたるを思わせる大人びた部分も加えたのです。
ただ、曲は賑やかなので、普通に歌いすぎても合わない。
本人も、そのバランスを見ながら歌ったと説明しています。

甘さと大人びた部分の、どちらをどれほど見せるか。
その加減も歌の表情を作っています。

近づく声を、あえて小さくする

「わんだふるワールド」には、かくれんぼを思わせる呼びかけがあります。
小林俊太郎が、だんだん近づくようにと頼んだとき、竹達は遠くでは大声、耳元では小声になると考え、最後をささやく表現にしました。

声が小さくなることで、かえって近さを感じさせる。
歌の中に相手との距離を作る工夫です。

物語がはっきりしない曲では、テンポの感触から探す

『apple symphony』の「ナナナナンバーワン」は、本人が録音で難しかったと挙げた曲です。
速い曲でもバラードでもなく、歩くようにゆっくり、ふんわり進む。
歌詞にも明確な物語がないため、雰囲気をつかむことに苦労したと話しています。

人物の気持ちが分かれば、声を置く場所も見つけやすい。
一方、この曲では物語を頼りにするだけでなく、進む速さや浮遊するような感触へ声を合わせる必要がありました。
役を想像して歌う方法が得意だからこそ、それだけでは決まらない曲も経験しています。

テンポがゆっくりでも、感情を重くするとは限らない。
言葉を物語として届ける曲と、音の流れの中に置く曲では、求められる歌の感触が違います。

「明日のカタチ」は、独り言からサビへ向かう

「明日のカタチ」の前半では、独り言のような感じを出せたらと話しながら録音した、と本人は振り返っています。
特に難しかったのは、ピアノを頼りに歌へ入るところ。
伴奏に分かりやすい合図が少なく、声が前へ出ることにも怖さを感じたそうです。

大きく歌って埋めるより、音の少ない場所で、言葉をどう始めるかが問われます。
そこからサビの疾走感へ進むので、入口の孤独な感じが、後のひたむきさを受け取る土台になっています。

この曲では、主人公のウィステリア役を演じているからこその調整もありました。
感情を入れすぎるとキャラクターソングに近づくため、竹達は、物語全体を知って語る人のような位置を考えて歌っています。
登場人物に寄り添いながら、聴き手自身の気持ちも重ねられる距離を保とうとしたのです。

「kitty girl」で人物の声を守る歌い方とは、役割が違います。
本人名義の主題歌では、演じる人物だけを前面に出すのではなく、その作品へ聴き手を案内する。
声を変えるかどうかの前に、誰として歌うのかを決めることが、表現の方向を作っています。

声の魅力は、曲の中で何をするかによって変わる

低めの印象を保つために落ち着く。
抑揚を控えて、気持ちをまっすぐ出す。
かわいさを加減し、静かな入口では独り言のような距離を作る。
竹達彩奈の歌い方には、こうした具体的な選択があります。

好きな曲を聴き直すなら、声の高さだけでなく、同じ曲の中で人物や感情がどう保たれているかに目を向けてみてください。
その選択を自分で提案するようになるまでの歩みは、竹達彩奈の歌唱変遷でたどっています。

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