テソンの歌い方｜ハスキーな息と、言葉を立てる強い声の使い分け

テソンの声を、力強いハイトーンだけで説明するのは少しもったいない気がします。
切ない歌の息遣いもあれば、明快な言葉で客席を動かす歌もある。
BIGBANGのDAESUNG、そしてD-LITEとしての歌を支えているのは、一つの声をどの曲にも当てはめない選び方です。

息を混ぜる歌と、発音を立てる歌

本人は、悲しい歌では空気や吐息を混ぜ、ハスキーな感じで歌うと説明しています。
声の勢いを弱めるだけでなく、息を含んだ質感そのものを表情にするのです。
一方、『でぃらいと』では、はっきり発音して力強く歌う方法を選びました。
「どうにもとまらない」のように場を盛り上げる曲では、言葉が明確に届くことが大切になります。
同じ声の持ち主でも、切なさをにじませる場面と、みんなで楽しむ場面とでは、息と発音の扱いが違います。

ハスキーな声色をまねるときも、最初から全曲をかすれた声で通そうとすると、この違いが見えなくなります。
柔らかな質感が欲しいのか、言葉を前へ出したいのか。
まず曲の中で声に任せる役割を分けると、テソンの歌の幅を捉えやすくなります。

強い高音を選ぶのにも、曲ごとの理由がある

「Anymore」では、本人が高いキーの難しさを認めながら、裏声ではなく地声で力強く歌うことを選んでいます。
そのほうが、この曲の感情に合うと考えたからです。
バラードでは、声を細かく調節して丁寧に表現する必要もあると話しています。
勢いで全部を押し通すのではなく、細部を整えたうえで強さを残す。
高い声が出ることと、その声を曲のために選ぶことは別の話です。

ここでの「地声」は本人が歌の感覚を説明した言葉です。
それだけで喉の中の動きや、特定の発声法まで決めることはできません。
表現として注目したいのは、高い音へ行けば必ず軽い声に変える、という決まり方をしていない点です。

「I LOVE YOU」は、一曲の途中で自分の色を増やす

「I LOVE YOU」では、1コーラス目に原曲の雰囲気を残し、2コーラス目に自分の色を濃くする構成を考えました。
テソンが受け取ったのは、周囲に反対されても二人で進もうとする恋の強さです。
悲しい歌だから終始弱く歌う、と決めず、人物の中にある勇気も声へ入れようとしました。
さらに、葉加瀬太郎のバイオリンの音を聴くことで、歌のイメージが明確になったと話しています。
伴奏は声を支えるだけでなく、どんな感情を歌うかを教えてくれる存在でもあったのです。

テソンは、録音前に伴奏を繰り返し聴き、その曲に合う自分の声を思い描いていました。
先に得意な声を決めて伴奏へ乗せるだけでなく、音が持つ雰囲気から声の方向を探す。
原曲を尊重しながら自分の解釈を加える姿勢は、こうした準備にも表れています。

「じょいふる」で、明るさを自分の形にする

「じょいふる」のカバーは、初めて挑むタイプの曲でした。
テソンは子どものように楽しむ感覚を大切にしつつ、笹路正徳とBIGBANGのスタイルも入れたアレンジをつくっています。
原曲のかわいらしさをそのまま写すのではなく、より野性的な印象へ近づけたものです。
同じ旋律でも、人物像や気分によって歌の顔が変わります。

「VENUS」では、速さゆえに息をする場所が難しく、歌をかなり練習したとも話しています。
弾む曲の楽しさも、ただ気分よく声を出すだけではつくれません。
リズムの取り方と、歌い切るための準備が必要になります。

一方、秦基博の「アイ」では、歌詞を自分の歌と思えるほど身近に感じたと話しています。
楽しさを外へ開く曲と、言葉を自分の気持ちへ近づける曲では、声を出す前の出発点も違います。

グループでは、前の声とのつながりを考える

BIGBANGで歌うときには、前のメンバーの声を受け、自分の声色を考えるという意識があります。
一人だけ強く目立てばよいのではなく、次の声としてどう入るかが大切なのです。

声の個性と、周りとの調和は両立します。
ソロでの伸びやかな歌だけを基準にすると、グループの中で声の濃さを選ぶ仕事を見落とします。
自分のパートの上手さに加えて、そこへ曲がどう流れ込んでくるかを見ると、歌い手の判断が分かりやすくなります。

「BLUE」でも、私生活の感情をそのまま出すより、曲が持つ寂しさや孤独を歌おうとしていました。
歌に自分の経験がにじむことはあっても、まず向き合う相手は曲の中の感情でした。

バンドの力を受ける声と、語り掛ける声

「Universe」は、明るいポップロックの中で力のある声を広げる曲です。
大きく開けたサビが、前へ進むような勢いを生みます。
ここでは歌の力と、曲全体の開放感が同じ方向を向いています。
厚い声があることに加え、その声を受け止める曲の広さも魅力になっています。

対して、2026年の大阪公演での「Light」は、目の前の人へ語り掛けるように歌われました。
「Better Alone」では椅子に座り、熱さにも冷たさにも寄りすぎない歌い方で、聴き手へ解釈を委ねています。
同じ公演の「Wolf」が野性味を押し出すからこそ、こうした声の温度の違いも意味を持ちます。
相手に近づく歌では、大きさを競う必要はありません。

本人は、ソロの舞台を観客と一緒につくりたいと話しています。
客席と目を合わせながら歌い、反応を受け取る。
明るい曲で一緒に跳ぶことも、静かな歌で一人へ届けることも、その関係の中にあります。

声を張る力と、その日の声を扱う力

ボイストレーニングに力を入れた背景には、ソロツアーで声の大切さを実感した経験があります。
自分の声を楽器として捉え、自分で手入れする。
長い公演を一人で担うことが、声への向き合い方を変えていました。

歌のレッスンについて、テソンは調子の良い時と良くない時を区別し、自分で調節できるようになったと話しています。
強く歌えることだけでなく、今の声を把握することも、長く歌うために必要でした。

テソンの歌い方から考えられるのは、全部を同じ熱量で歌わないことです。
息を含ませる場面、言葉を明快に立てる場面、強い声を曲へ渡す場面。
その違いがあるから、力強さも切なさも届きます。
高音の一瞬に加え、その前後で声の役割がどう変わるかに目を向けると、歌の表情をより深く味わえるでしょう。

役割や表現が変わってきた歩みは、テソンの歌声の変遷でたどっています。

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