Furui Rihoさんの歌声には、ゴスペル育ちらしい力強さがあります。
ただし、その強さは太い声で押し切ることではありません。
本人はかつて、自分の声が細く、憧れていたハスキーな声とは違うことを悩んでいました。
それでも声質を別物へ作り替えず、軽やかな声、少し遅れて弾むリズム、聴き手と一緒に歌える空気を磨いてきました。
Furui Rihoさんの発声を面白くしているのは、弱点を隠した技術ではなく、弱点だと思っていた声を音楽の中心へ置き直したことです。
高音の派手さだけでなく、細い声がなぜ頼もしく聞こえるのかをたどると、現在の歌い方が見えてきます。
太いハスキーボイスへの憧れが、自分の声を嫌う理由になった
小学生の頃からゴスペルクワイアで歌ってきたFurui Rihoさんは、ブラックミュージックの力強い歌声へ強く惹かれていました。
特に憧れたのは、太く、ハスキーで、一声だけでも場を支配するような声です。
ところが、自分の声はその理想より細く、軽いものでした。
歌の技術だけでなく、そもそも自分が音楽を続ける意味まで考えてしまうほど、その違いは大きなコンプレックスになります。
転機になったのが、ミニー・リパートンの歌声でした。
自分に近い軽さを持つ声でも、格好よく、グルーヴィーに歌えると知り、「太くない声は弱い」という前提が崩れます。
ここがFurui Rihoさんの歌を理解する入口です。
太い声へ近づけなかったから細い声を選んだのではなく、細い声にも別の強さがあると知ったことで、自分の音楽を始められたのです。
軽い声が弱く聞こえないのは、音量よりリズムが前へ進むから
声が細い歌手は、伴奏に埋もれないよう大きく張ろうとしがちです。
しかしFurui Rihoさんの歌では、音量より先に言葉とリズムが動きます。
旋律が心の中の独り言のように少し後ろへ揺れながら進み、ソウルフルな声がビートへ細かく刻まれることも、早くからFurui Rihoさんの魅力として受け止められてきました。
音を拍の真上へ硬く置くのではなく、少し待ったり、語尾を軽く離したりするため、細い声でも平板になりません。
これは単に遅く歌うという意味ではありません。
ドラムやベースとの距離を変えながら、言葉そのものを打楽器のように扱う感覚です。
高音でも同じで、声量を増やすだけではなく、母音へ入る前の子音や短い息が曲の勢いを作ります。
そのため、声の太さよりも先に「歌がこちらへ向かってくる」感覚が残ります。
宇多田ヒカルさんの息までリズムになる歌い方と比べると、二人の声質は違っても、声量以外の要素で言葉を前へ運ぶ考え方が分かりやすくなります。
ゴスペル由来の強さは、一人で圧倒することではない
ゴスペル育ちと聞くと、大声、フェイク、厚いコーラスを想像するかもしれません。
Furui Rihoさん自身も、現在の曲は聖書の言葉を歌う伝統的なゴスペルとは違うと説明しています。
それでも、自分の音楽の奥には長年のゴスペルで育てた精神があると語ってきました。
そこにあるのは、歌手が一人で聴衆をねじ伏せる力ではなく、隣の人と声や感情を共有する力です。
『LOA』では、弱い自分にも価値があり、誰かを愛する前に自分を受け入れるという考えが曲の中心にあります。
優しい声と力強い声を別々に使うのではなく、同じ声のまま温度を上げていくため、励ます歌が命令のように聞こえません。
ライブの感想でも、力強さと繊細さが同居すること、観客のクラップや合唱によって会場の空気が開いていくことが語られています。
Furui Rihoさんらしい強さは、声の大きさではなく、聴き手が曲の中へ参加できる余白を残すことにあります。
録音では完成品を作り、ライブではその日の空気に声を預ける
本人は、スタジオとライブを同じ歌い方で再現しようとはしていません。
録音では、何度聴いても成立する完成品として細部を整えます。
一方のライブでは、会場の反応やバンドの勢いを受け、その場でしか生まれない歌を選びます。
フェイクを増やすことだけがライブ感ではなく、観客の声、拍手、空気の動きによって、自分の声の出し方も変わっていくという考え方です。
この違いがあるため、音源よりライブの方が上手い、あるいは音源の方が整っているという一列の比較では捉えられません。
録音では言葉と音色を小さく彫り、ライブでは声を会場の共同作業へ開くという、目的の異なる二つの歌唱です。
2023年以降、ライブへの苦手意識を越えていった経緯を知ると、この差がさらに面白くなります。
年代ごとの変化は、Furui Rihoさんの歌声が『Rebirth』から『Letters』までどう変わったかで詳しくたどれます。
『ピンクの髪』で見つけたのは、背伸びをしない明るさだった
Furui Rihoさんは、自分をセクシーなタイプではなく、明るく、子どものような部分を持つ人だと捉えています。
以前は、ブラックミュージックらしい格好よさへ自分を合わせようとする意識がありました。
『ピンクの髪』では、その背伸びをいったん外し、茶目っ気や身近な言葉を前へ出しました。
歌い方も、重い声で威厳を作るより、弾むリズムと表情の切り替えによって主人公を立たせています。
この変化は、声質を改造した結果ではありません。
細い声、幼く見られること、明るい性格という、かつて隠したかった要素を作品のキャラクターへ変えた結果です。
弱点を消さなくても、曲の見せ方を変えれば声は強く聞こえます。
Furui Rihoさんの歌は、声の個性と曲の人物像が一致した時、無理に太くしなくても存在感が生まれることを示しています。
『Hello』では、一人の歌声を町全体の声へ広げた
『Hello』は、アニメに登場する大勢の人物が生きる町を想像しながら作られました。
そのため、クラップやコーラスには、一人の主人公が歌うというより、さまざまな人が同じ場所で声を重ねる感覚があります。
ここでもゴスペルの影響は、派手な高音の形ではなく、集団のエネルギーとして現れます。
自分だけが目立つよう声を張るのではなく、周囲の声が入れる空間を作りながら中心を保っています。
歌声が軽いからこそ、複数の声や明るいサウンドと混ざっても重くなりすぎません。
一方で、リズムの芯と日本語の輪郭があるため、にぎやかな編曲の中でも主役がぼやけません。
越智志帆さんの太い高音とは、一見すると反対側の歌声です。
それでも、声質を隠さず、曲が求めるエネルギーへ変える点では共通しています。
真似するなら、細い声を無理に太くする前に価値を見直す
Furui Rihoさんへ近づこうとして、強いゴスペル歌唱や高いフェイクから始める必要はありません。
本人の歩みから学べる最も大きな点は、理想の声と違うことを、失敗と決めない姿勢です。
息の量、声の太さ、音域は人によって違います。
無理にハスキーな音を作ったり、細い声を喉で押し太くしたりすると、本人の魅力とは反対の方向へ進みます。
参考にしやすいのは、自分の声が気持ちよく動くリズムを探し、言葉を拍の中でどう弾ませるかを考えることです。
また、一人で大きく聞かせることだけを目標にせず、伴奏やコーラスと一緒に曲の空気を作る視点も役立ちます。
低くスモーキーな声を研究で磨いた例は、miletさんの歌い方と発声でも読めます。
声質は違っても、生まれ持った声を単純な優劣で判断せず、曲の中でどう機能させるかを考える点は共通しています。
まとめ
Furui Rihoさんの歌い方は、細い声を太く見せる技術ではありません。
憧れのハスキーボイスと違う自分の声を受け入れ、リズム、言葉、ゴスペルの共同性によって、軽さを前へ進む力へ変えています。
『ピンクの髪』では背伸びをしない人物像が声と結びつき、『LOA』では弱さを受け入れる言葉が、観客と共有できる強さになりました。
『Hello』では、その考え方が町全体のようなクラップとコーラスへ広がっています。
細い声は、必ずしも弱い声ではありません。
一人で圧倒する代わりに、聴き手を曲へ招き入れられることこそ、Furui Rihoさんのゴスペル育ちの強さです。
こちらの記事もおすすめ
コメント