杉山清貴さんの歌声は、よく「爽やか」「透明感がある」と表現されます。
けれど、それだけでは少し足りません。高い音をまっすぐ伸ばしているのに、声が前へ出すぎない。リズムの速い曲でも言葉が置き去りにならず、バラードでは感情を盛りすぎない。それなのに、聴き終えたあとには声がはっきり残ります。
この不思議な軽さは、生まれつきの声質だけでできているわけではありません。杉山さんは、自分の声を主役にして聴き手を圧倒するより、メロディーと歌詞が気持ちよく届くことを優先してきた歌手です。
つまり、杉山清貴らしさの中心にあるのは「強い声をどう出すか」ではなく、強く出せる声をどこまで曲の中へ収めるかという判断です。
杉山清貴の爽やかさは「声を目立たせすぎない」ことから生まれる
杉山さんは、自分の声そのものに酔う感覚があまりなく、ヘッドホンで聴いたときに音楽全体が気持ちよく感じられることを大切にしていると話しています。
この言葉を知ると、あの爽やかさの見え方が変わります。
声が薄いから軽いのではありません。歌唱力を見せつけないから、伴奏の中に風の通り道が残るのです。ロングトーンでも必要以上に揺らさず、語尾を派手に飾らず、歌詞の一語だけを不自然に押し出さない。聴き手は技術を意識する前に、曲の景色へ入っていけます。
杉山さんの高音を「海辺に似合う声」と感じる人が多いのも、音色が明るいからだけではないでしょう。歌がこちらへ迫ってこないため、聴く側が自分の記憶や風景を重ねられる余白があります。
出発点は、むしろ力のあるロックボーカルだった
現在の涼しげな歌い方だけを見ると、杉山さんは最初から力を抜いたシティポップの歌手だったように思えます。
実際は逆です。デビュー前からバンドで歌い、周囲には声の強さやステージでの勢いを印象づけていました。ところが杉山清貴＆オメガトライブの制作現場では、プロデューサーから「張り上げない」「抑えて歌う」という方向を細かく求められます。
それは単に小さな声で歌う指示ではありませんでした。歌詞の主人公がどこにいて、何を見て、どんな気持ちで一言を発するのか。場面を決めたうえで声を置き、納得できなければ一つのフレーズに長い時間をかける。若いロック歌手の勢いを、録音作品の中で働く表現へ変える訓練だったのです。
当時の本人には窮屈さもあったはずです。しかし、声を抑えることを覚えたからこそ、強い声を毎回むき出しにせずに済むようになりました。
杉山さんの歌声にある「余裕」は、何もしていない自然体ではありません。出せる力の一部を、曲のために使わずに残す技術です。
高音は「地声かミックスか」だけでは説明しきれない
杉山さんの高音を聴くと、「これは地声なのか」「ミックスボイスなのか」と気になる人もいるでしょう。
ただし、公開されている歌声だけから発声の内部を断定することはできません。しかも杉山さん本人は、若い頃より現在の声のほうが厚くなった一方、高い音は技術を覚えた現在のほうが楽だと説明しています。
ここで重要なのは、声が若いまま保存されているのではなく、年齢に合わせて声の作り方を更新しながら、曲の印象は変えないということです。
高音に入るたびに音量を急に上げない。言葉の形を大きく崩さない。マイクを通したときに、声だけでなく歌詞まで近く感じられるようにする。こうした選択が積み重なると、高い音だけが曲から飛び出しません。
根本要さんとの対談では、二人の声について、大きな空間へ生声を飛ばすというより、マイクを通して聴き手へ届く性質が語られています。杉山さんの高音は、遠くへ投げる声というより、録音やマイクの向こう側にいる一人へ近づく声と考えるとわかりやすいでしょう。
「地声の強さをどこまで残すか」は曲ごとに違っても、言葉とメロディーを一緒に届ける姿勢は変わりません。
「君のハートはマリンブルー」は、透明な声で芝居をしている
杉山清貴＆オメガトライブ時代の歌を、感情の薄いクールな歌唱だと捉えるのは早計です。
「君のハートはマリンブルー」の録音では、歌詞の場面を思い浮かべ、主人公になって歌うことを求められました。何度も録り直した末に作られたのは、感情を消した声ではなく、感情を声の表面へ出しすぎない演技です。
泣きそうな人を演じるとき、必ずしも泣き声を出す必要はありません。平静を保とうとする声のほうが、かえって切なさを感じさせる場合があります。杉山さんのクールさには、この「見せないことで見せる」発想があります。
だから歌詞が都会的でも、人物が記号になりません。声が過剰に説明しないぶん、聴き手は主人公の迷いや未練を自分で想像できます。
これは、単に鼻へ響かせれば再現できる特徴ではありません。声の響きより前に、どの言葉をどの温度で渡すかが決まっているのです。
「Nightmare」では、透明感よりスピードを選んでいる
杉山さんの歌い方がよくわかるのは、往年のバラードだけではありません。
2023年の「Nightmare」は、本人にとって馴染みの薄いタイプの曲でした。ここで優先したのは、いかにも杉山清貴らしい美声を保つことではなく、曲の速さとグルーヴに乗りながら、言葉をはっきり届けることです。
キーも高めに設定されていますが、高音を見せ場として長く誇示する曲ではありません。声がリズムの流れを止めず、歌詞が次々と前へ進みます。公式ライブ映像は、現在の杉山さんが現代的なバンドサウンドの中で歌う姿を確認するのに適しています。
ここに杉山さんの歌唱の本質があります。
透明感、太さ、高さといった声の性質は、曲を運ぶために選ばれる道具です。自分の得意な響きへすべての曲を寄せるのではなく、その曲が必要とする速さや感情へ声のほうを近づける。その柔軟さがあるから、新しい曲でも「昔の声の再現」になりません。
真似するなら、声色ではなく「引き算の順番」を見る
杉山さんのように歌いたいとき、最初に真似したくなるのは明るい高音や、さらりと伸びる語尾です。しかし、声色だけを寄せようとすると、息っぽく頼りない声になるか、反対に爽やかさを作ろうとして口元だけが明るい歌になりがちです。
先に見るべきなのは、曲の中で何を目立たせていないかです。
高音だからといって急に大声にしない。切ない歌詞だからといって、すべての語尾へ泣き節を足さない。ビブラートをかけられる場所でも、メロディーがまっすぐ届くなら揺らさない。杉山さんの歌唱は、できる技術を順番に並べるのではなく、曲に不要なものを外していく発想に近いといえます。
そのうえで、メロディーと歌詞の割り振りは崩さない。杉山さんはアレンジを変えるときも、原曲の旋律や言葉の置き方を大切にしています。アコースティック編成になっても同じ歌として伝わるのは、音数ではなく歌の骨格を守っているからです。
声色のコピーより、この優先順位を聴き取るほうが、杉山清貴らしい歌へ近づけます。
杉山清貴の歌声は、主役にならないことで忘れられなくなる
杉山清貴さんの高音が爽やかに聞こえる理由は、透明な声を持っているからだけではありません。
若い頃に求められた抑制を技術として身につけ、年齢に合わせて声の作り方を変え、今も曲ごとに速度や言葉の届き方を選び直している。声の存在感は強いのに、歌手本人が曲の前へ出すぎない。この矛盾が、杉山さんの歌を特別にしています。
杉山さんの歩みをたどると、その引き算が最初から本人の自由な選択だったわけではないことも見えてきます。杉山清貴の歌声の変遷では、オメガトライブ時代の「抑えて歌う」要求が、ソロでの解放を経て、再び自ら選ぶ表現へ変わった過程を詳しく紹介しています。
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