辰巳ゆうとさんは、若手演歌歌手らしい伸びやかな高音で知られています。
ところが、本人がデビュー直後から自分の長所として挙げていたのは高音ではなく、低い声でした。
この順番が、辰巳さんの歌い方を理解する鍵です。
低音に重心を置いたまま、こぶしを利かせる演歌、語りかけるラブソング、客席を巻き込む歌謡曲、そして高いサビを持つロックまで役を変えていく。
声を一種類の型に固定しないから、ジャンルが広がっても「演歌歌手が無理に別の歌を歌っている」状態になりません。
高音の強さだけを切り取るより、どこで演歌らしさを足し、どこで引いているかを見ると、その器用さがよく分かります。
デビュー時に本人が聴いてほしかったのは低音だった
2018年の「下町純情」でデビューした辰巳さんは、翌年のインタビューで自分を「割と声が低い方」と説明しています。
曲の低い部分が魅力になるよう意識し、作曲家から受けた「楽しく歌えばいい」という助言も大切にしていました。
若い男性演歌歌手という肩書からは、派手な高音や細かなこぶしを想像しやすいでしょう。
実際には、最初に本人が守ろうとしたのは、無理に背伸びをしない若さと、言葉へ厚みを与える低音でした。
低い音に芯があると、高い音だけを強く押し出さなくても一曲の中に高低差が生まれます。
サビへ上がる前の声が痩せにくいため、高音が突然別人の声へ切り替わったようにも聞こえにくくなります。
この土台があるから、現在のロック調ナンバーで高音へ攻めても、声の中心が消えません。
辰巳さんの高音は、低音を捨てて作った別の声ではなく、低い場所から同じ人物が上がってくるように設計されています。
「こぶしが多いほど辰巳ゆうとらしい」ではない
演歌の歌い方というと、音を細かく上下させるこぶしを思い浮かべる人が多いかもしれません。
「心機一転」では、その技術を豊かに使う王道演歌をのびのび歌いました。
ところが次の「星くずセレナーデ」では、本人がこぶしを封印したと語っています。
声を回して巧さを見せるより、目の前の一人へ話すように歌うことを選びました。
ここに辰巳さんの面白さがあります。
得意な技術をいつでも見せるのではなく、曲の主人公が必要としなければ外す。
演歌らしさを足し算だけで考えず、引き算でも作れる歌手です。
本人は一曲ごとに違う辰巳ゆうとになりたいと話しています。
その言葉どおり、こぶしの量、言葉との距離、声の強さを変えることで、若い純情な男、ダンディーな男、情熱的な男を描き分けています。
ミュージカルで学んだのは大声より感情の切り替えだった
2022年には、ミュージカル俳優の中川晃教さんから、発声や感情表現、歌い方の変化を学ぶ企画に挑戦しました。
辰巳さんが特に難しいと感じたのは、同じ曲の中で喜怒哀楽を演じ分けることでした。
演歌では一つの感情を長く深く保つ曲も多くあります。
ミュージカルでは、短い時間で人物の気持ちが動き、その変化を台詞と歌の両方で見せなければなりません。
この経験は、後のラブソングで生きます。
「星くずセレナーデ」では恥ずかしさを隠すのではなく、恋をする人物へ振り切って歌えたと本人が振り返りました。
声の形を先に作るのではなく、人物の状況を具体的に置いてから声を変える考え方です。
第三者の記録でも、音程や声量だけでなく、イントロ前に表情が切り替わり、指先まで情景を作る姿が印象に残ったと評されています。
辰巳さんの歌唱力は、マイクに入る音だけでは完結せず、人物へ変わる瞬間まで含めて働いています。
「迷宮のマリア」で全力が魅力にも限界にもなった
2024年の「迷宮のマリア」は、静かに語りかける「星くずセレナーデ」と反対側にある曲でした。
情熱的なテンポと主人公につられ、本人は力を抜こうとしても自然に全力になり、録音の終盤には声が出なくなるほどだったと明かしています。
これは、強く歌えば歌うほど正しいという成功談ではありません。
曲が持つ勢いを身体で受け止められることは武器ですが、毎回限界まで使えば安定して届け続けることは難しくなります。
むしろ注目したいのは、辰巳さん自身がその経験を言葉にし、次の作品では別の出し方を選んでいる点です。
高音や熱量を一つの正解にせず、作品ごとに出力を組み替えています。
高音で力みやすい原因を考える時も、感情を強くすることと、首や喉を固めることは分けなければなりません。
辰巳さんの完成した歌を表面だけ真似し、最初から最大音量で押し上げるのは避けた方がよいでしょう。
「運命の夏」は身体が動かない日に高音が軽く出た
2025年の「運命の夏」には、発声を考えるうえで興味深い録音エピソードがあります。
過酷な企画の翌日で全身が筋肉痛になり、マイクの前以外では立っているのもつらい状態だったそうです。
ところが、余分な力が入らなかったことで高いキーはかえって滑らかに出ました。
もちろん筋肉痛で歌うことを勧める話ではありません。
普段は「高い音を出すぞ」と準備するほど、歌に不要な場所まで固めていた可能性に本人が気づいた出来事です。
明るいAメロと、少し落ち着くBメロを歌い分けるよう求められたことも重要です。
一曲を同じ勢いで塗るのではなく、声の温度を一度下げるから、サビの明るさが目立ちます。
辰巳さんの歌を参考にするなら、最高音だけを聞くより、その直前で声量や気持ちをどう切り替えているかを見る方が役立ちます。
高音の直前から全力になる人には、特に大きな発見になるでしょう。
「ロンリー・ジェネレーション」は本人が半音上を選んだ
2026年の「ロンリー・ジェネレーション」は、演歌歌手としてデビューした本人も、10枚目がロックになるとは想像していなかった作品です。
制作時には当初の予定よりキーを半音上げることを自ら提案しました。
サビは本人にとっても楽ではありません。
それでも、曲の爽快感と攻める感覚を出すには、その高さが必要だと判断しました。
ここだけを見ると、限界を高く設定することが辰巳流に思えます。
しかし、その前年には力を抜いた時ほど高音が出やすかった経験があり、さらに以前にはこぶしを封じて語る歌も成立させています。
高いキーを選べた背景には、いつも高く強く歌う癖ではなく、低音、引き算、人物表現を使い分けてきた蓄積があります。
攻めるべき曲だから攻めるのであって、攻める声しか持っていないわけではありません。
真似したいのは音色ではなく「曲ごとに声を選び直す」姿勢
辰巳さんの低音、高音、こぶし、明るい声を一度に再現しようとすると、どれも中途半端になりやすいでしょう。
まず参考にしたいのは、好きな技術を足し続けない姿勢です。
「心機一転」と「星くずセレナーデ」を比べれば、同じ歌手がこぶしの有無で人物との距離を変えていることが分かります。
「迷宮のマリア」と「運命の夏」では、全力で押し出す歌と、余分な力が抜けた高音の違いを考えられます。
声帯の動きや声区を外から断定することはできません。
大切なのは「地声かミックスか」という名前を当てることより、低い音から高い音まで声の人物像が途切れず、曲ごとに必要な強さが選ばれていることです。
痛み、強いかすれ、話し声の違和感が出た場合は歌唱を中止してください。
不調が長引く時は無理に声を作らず、耳鼻咽喉科などへ相談することが必要です。
辰巳ゆうとの歌い方は、低音から始まる変身である
辰巳ゆうとさんの歌い方は、高音やこぶしの多さだけでは説明できません。
デビュー時に大切にした低音を土台に、王道演歌では技術を見せ、ラブソングではこぶしを引き、情熱歌では全力を解放し、ロックでは自らキーを上げて攻めています。
変わっているのは声そのものだけではなく、その声に誰を住まわせるかです。
一曲ごとに違う人物になりたいという考えが、ジャンルの広さを単なる器用さではなく、物語として聞かせています。
若手演歌歌手のままロックへ向かったのではありません。
低音を捨てず、演歌を捨てず、それでも同じ型に留まらない。
その積み重ねを年代順に知りたい方は、辰巳ゆうとさんの歌唱変遷もご覧ください。
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