イディナ・メンゼルの歌い方｜大きな声を支える、息と歌の組み立て

大きく、長く伸ばす音に向けて、むしろ吸う息を控えめにする。
イディナ・メンゼルは、自分の歌い方をそんなふうに説明しています。
圧倒するような高音の裏側には、勢いだけでは見えない選択があるのです。

大きい音でも、息を一度に押し出さない

イディナは、歌うときに肩を使わないよう意識し、大きく長い音では、息が一度に大量に出ていかないようにする、と話しています。
強い声を出すために、とにかく多く吸い込むという説明ではありません。
これは本人の感覚であり、そのまま万人向けの練習法にはできません。

『アナと雪の女王』の制作では、その呼吸までエルサの表現に関わりました。
アニメーターのウェイン・アンテンは、イディナから息を吸い、出すときの体の動きについて話を聞いています。
歌声だけに合わせて口を動かすのでなく、息をする人物として描くためでした。
一つのフレーズを歌い終え、次の言葉へ向かう呼吸にも、感情のつながりがある。
画面の中の歌手を生きた存在にするうえでも、その細部が必要だったのです。

「Let It Go」は、低い声から景色を広げる

作詞・作曲のクリステン・アンダーソン＝ロペスは、イディナの低い声に温かさと親密さを感じ、曲の出発点にしました。
高くなるほど、声の印象は大きく広がっていきます。
一方、本人はエルサの若さを出すため、もともと高かったキーをさらに上げることを提案しました。
届く最高音を見せるためだけでなく、役に合う声を選んだ結果でもあるのです。

録音では、声の質感を変え、何度も選択肢を試すことを楽しんだといいます。
一つの公演を通して演じる舞台と違い、休憩を挟み、数行ずつ取り直すこともできる。
映画で完成した一曲には、そのような選び直しの時間も含まれています。

強い高音まで、ずっと同じ声では歌わない

「Defying Gravity」の終盤のように、張りのある強い声で高音を届ける歌い方は、ベルティングと呼ばれます。
声の力が人物の決意と結びつき、感情を遠くまで届ける。
けれど、その強さを曲の最初から最後まで使い続けるわけではありません。

ヴォーカルトレーナーの桜田ヒロキは、ソロ公演でのこの曲を分析し、最初のサビでも声を大きくせず、途中から太い声へ進む組み立てに注目しています。
ピアノだけの自由な歌い出しから、リズムに入っても言葉の位置を少し動かし、着地点を拍へ戻す。
二番では子音を立て、細かな音の動きやアクセントで言葉を躍らせる点も挙げています。
軽い声や語りかけを挟み、強い高音を使う場面まで表情を変えていくのです。
これは劇中の歌唱とは別の、ソロでの一例です。
強い声を出せることに加え、それをいつ使うかを選べることが、一曲の起伏をつくっています。

高音と同じくらい、低い声にも役割がある

『Redwood』の作曲家ケイト・ディアスも、イディナの声を高音だけでは捉えていません。
彼女がよく知られる大きな歌い上げに加え、豊かで感情のある低い声にも惹かれたと語っています。
その声を使えるように曲を書きながら、イディナらしい細かな節回しを試す余地も残しました。
決められた音を正確に歌うだけでなく、歌い手が旋律の中で何をするかまで含めた共同作業です。

「Great Escape」では、木に登る人物の怖さや可笑しみが、大きな解放感へ進みます。
音楽にも、近くで話すような親密さと、映画的に広がる響きがある。
終盤の強い声は、それまでの細かな感情を受けて初めて、その人物の歌になります。
高い音の瞬間だけを取り出すと、声がそこへ向かう理由を聞き落としてしまいます。

静かな伴奏で、声の表情を変える

『I Stand』の「Perfume and Promises」には、イディナの個性がとりわけよく表れるとした批評があります。
愛情と痛みが交わるバラードとして声が生きる、という評価でした。
そこで問われるのは声の大きさより、曲の感情をどれだけ引き受けられるか。
音量の印象だけでは、この歌の魅力を捉えきれません。

『idina.』の「Last Time」では、静かなピアノに、沈んだ、謝るような歌を合わせています。
そこから感情を次第に強めていく点が、批評でも評価されました。
初めから強く歌うことと、気持ちが積もって声が強くなることでは、同じ大きな声でも役割が違います。

舞台の曲をコンサートで歌うときにも、イディナは音を減らした形を選んできました。
「Defying Gravity」をアコースティックに組み替えれば、劇場と同じ大きな装置や場面に頼らず、歌そのもので客と向き合うことになります。
歌手の声と伴奏の関係を変えることも、歌い方を選ぶ一部なのです。

リズムの中でも、声の大きさを生かせる

ダンス作品『Drama Queen』でイディナが求めたのも、自分の声を小さくまとめることではありませんでした。
大きな旋律を歌いながら、客が踊れる音楽にする。
転調や弦の響き、リズムの心地よさが、そうした声を受け止めると考えたのです。

本人は、Aメロからサビ、橋渡しの部分へと進む曲の構成に、声で表現できる場所の多さを感じていました。
ただ一つの強い音を保つのでなく、曲が動くたびに声にも行き先があるのです。

最高音が出る日だけを、成功にしない

イディナは歌唱指導者と、公演にA、B、Cという複数の形を用意しています。
疲れている日や調子が整わない日には、最も高い音を避ける旋律を選ぶこともある。
それを失敗版とは考えず、その日にできる美しい歌として成立させる準備です。
結婚式で多様な曲を歌い、即興に慣れていた経験も、この柔軟さにつながっています。
一週間に何度も同じ舞台へ立つなかで、少し変えた歌が、新しい感情の入口になる場合もあると話していました。

また、公演に向けては、発声、呼吸、物語の伝え方を別々の角度から練習するといいます。
準備を重ねるのは、本番で一つ一つの操作に縛られず、歌へ身を任せるためです。
音を長く保つことや、華やかな技を見せることに夢中になりすぎず、作曲家が求めたものと物語へ戻る。
大胆な歌い上げと、そうした確認は両立しています。

イディナは、完璧な音や最高音ばかりを目標にすると、客や音楽とのつながりを見失うと話していました。
強い高音が印象に残る歌手だからこそ、その前後の声や息、曲の中での役割に注目したいところです。
どの音を大きくするかだけでなく、どこで近く語り、どこで歌を変えられるか。
そこにも、彼女の歌を支える技術があります。

舞台曲、自作のポップ作品、ダンス音楽へと声の使い道を広げてきた歩みは、イディナ・メンゼルの歌声の変遷でたどれます。

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