ヒスン／EVANの歌い方｜細い声の軽さと、ロックで張る声をどう使い分けるか

ヒスン／EVANの歌を考える時、強い高音だけを取り出すと、声の使い方を見失いやすくなります。
細い声を軽く響かせる歌と、大きく荒い声で進む歌。
その間をつないでいるのは、発音やリズムまで含めて、曲の表情を決める姿勢です。
どこでも同じ声を出すのではなく、一つのフレーズに何を求めたかを見ていきます。

声を厚くする前に、もともとの軽さを生かす

本人は自分の声を、もともと細いほうだと捉えています。
だから、ギターの強い「Attention, please!」で大きく歌うことには、普段の声へ曲に必要な質感を加える意味がありました。
最初から太い響きがどの曲にも出てくる、という考え方では、本人の工夫を捉えきれません。

一方、軽く歌うほうが歌に重みが出る、という発見もしています。
「Off My Face」では、ギターだけの伴奏の中で、一行ずつの感情、発音、歌う速さを検討しました。
音を強くすることに頼れない分、言葉の表情が大きな役割を持ちます。
本人は、同じ言葉でも声色や話す速さによって意味合いを変えられる俳優のように考えています。
歌にも、そうした生きた声を持たせたかったのです。

デビュー作の録音でも、歌詞が誘いかける場面を、命令のように強く歌っては雰囲気を壊すと考えていました。
言葉の意味が、声の強さを決めています。

声が細いことと、歌が頼りないことは同じではありません。
言葉の向きが明確なら、軽い声でも一節は伝わります。
この歌唱で注目したいのは、声の大きさを増す前に、一行をどう相手へ届けるかが考えられていることです。
静かな伴奏の上では、その小さな選択を追いやすくなります。

会話では自然な英語も、そのまま歌になるとは限らない

「Intro : The Invitation」の録音で、ヒスンは英語の発音について意外な難しさにぶつかりました。
会話なら自然に言える言葉でも、録音して曲の中で聞くと、まとまりがぎこちなく感じられる。
そこでジェイクのガイドを参考にしたと話しています。
単語を正確に言えることと、音楽の流れに合うことは別だったのです。

作る側のヒスンは、曲によく使われる言葉だけでなく、音節の長さや韻も研究しています。
言葉をどれだけの時間に収めるか、前後の音がどうつながるか。
歌詞を声にする時には、意味と同時に、音の形も扱っています。
意味の合う言葉を見つけても、その長さや響きが旋律になじむとは限りません。
言葉の研究は、歌の内容と、口から出す時の流れを近づける作業でもあるのです。

高い音へ届くかどうかを見るだけでは、こうした違いは隠れてしまいます。
同じ旋律でも、言葉を一つずつ置くのか、ひとかたまりで運ぶのかで、フレーズの進み方は変わります。
ヒスンの歌を追う時は、音程に加え、言葉が伴奏のどこへ入るかにも耳を向けたいところです。

同じ歌い手でも、曲の中での振る舞いを変える

「Karma」と「Bills」では、目指した声が違います。
「Karma」ではしっかり張る歌い方を、「Bills」では今の曲に合う質感を考え、自分の録音の方向を決めました。
また「Bite Me」で重視したのは、単に力強く歌うことより、リズムと細かなニュアンスでした。
強さの加減だけでなく、曲が求める振る舞いそのものを変えています。

JVKEの「this is what falling in love feels like」をカバーする際にも、原曲のなぞり方を考え直しています。
もとの穏やかに物語るような歌い出しに対し、自分の版では最初のヴァースにリズムを感じさせ、後半へ向けて展開させる。
一音ずつ似せるより、曲全体をどんな気分で進めるかを選んだのです。
録音前にはデモを聴き込みすぎず、歌う技術を準備しておき、スタジオで新鮮な耳を持って判断することも意識しています。

カバーの面白さも、原曲と違う高音を足すことだけにあるわけではありません。
歌の出発点を変えると、その後の盛り上がり方も変わります。
一曲の最初から最後まで、同じ強さで押し通す必要がなくなるのです。
声を選ぶことと、曲の時間の流れを作ることが、ここでつながります。

荒い高音を、曲の最後まで使う難しさ

「Ride or Die」は、終盤まで高い声を使い、歌う合間の休みも少ない曲です。
本人が大きく荒い声に慣れるため練習したという説明からも、一つの高音が出れば完成する曲ではないことが分かります。
対して「Overflow」では、話すような抑えた声を選びました。
強い歌だけを知っていると見落としやすい、言葉を近くへ置くような表現です。

「DEATH OF ME」では、デモで出せた高音を、後日うまく再現できない経験もしています。
一度声が出ることと、曲の中で使える状態にすることは違う。
繰り返し練習したという本人の話は、高音を偶然の一音で終わらせないための過程を教えてくれます。

声の強い歌手を見ていると、力を加えれば同じ響きに近づけるように思えることがあります。
しかしEVANが語るのは、その曲を続けて歌うための難しさです。
最高音の高さだけでなく、高いところがどれくらい続き、途中で声を休める場所があるか。
曲の形まで見渡すと、歌唱の負担も、声を変える意味も分かりやすくなります。

静かな声にも、客席を巻き込む力がある

2026年夏のGRAMMY Museumでの公演では、「Overflow」「Can’t Feel My Face」「Ride or Die」を披露しています。
「Overflow」では、物憂い気分を持つ歌の中で、客席へマイクを向け、歌を一緒に作る場面もありました。
抑えた歌唱は、内側へ閉じるためだけの表現ではありません。
言葉を渡し、返ってくる声を迎える役割も持てるのです。

EVANが引かれたバンドの音には、すべてを均一に磨き上げた音楽とは違う、生々しさがあります。
少し不揃いなところまで魅力になるという感覚は、強い声も静かな声も、一つの完成形へそろえすぎない見方につながります。

ヒスン／EVANの歌い方では、声の軽さと強さが、それぞれ違う仕事をしています。
軽く歌う時には、発音や言葉の運びが感情を支える。
強く歌う時には、一音の迫力だけでなく、曲を歌い切るまでの持続が必要になる。
その間にあるリズムやフレーズの選択まで追うと、高音の印象にも、静かな歌の存在感にも、具体的な理由が見えてきます。

声を太くしようとした初期から、録音の判断を担い、ソロへ進む過程は、ヒスン／EVANの歌声の変遷でたどっています。

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