シンシア・エリヴォの歌い方｜大きな声へ向かう前に、何を残しているのか

シンシア・エリヴォの「Defying Gravity」は、強い声だけで成り立っているわけではありません。
本人は、歌い出しを小さくし、途中ではささやきへ近づけながら、最後へ積み上げたと話しています。

本人が大切にしているのは、話すことから歌うことへ移る間の、沈黙でもあります。
歌う以外にないと思える瞬間を探す。
その考え方から、どこで声を抑え、どこから開くのかをたどってみます。

「声を開く」を、いつも同じ出し方にしない

『カラーパープル』への出演中、エリヴォはコーチのジョーン・レイダーから、クラシックやオペラの曲も与えられていました。
舞台と違う歌い方を試し、同じ使い方ばかりを続けないためです。
本人にとって、声を広げる練習には、得意な歌を強く繰り返す以外の方法がありました。

クラシックを歌うときには、呼吸、舌の位置、顎のゆるめ方が変わるとも説明しています。
歌っていると少し微笑んだように見えるのも、楽しさに加え、力を抜く感覚と結びついていました。

呼吸は、長く歌うためだけのものでもありません。
アレサ役のために学んだ「Never Grow Old」では、息を入れる位置によって、言葉が伝える意味も変わると説明しました。
ひと続きに流せる言葉でも、どこで待たせるかが、物語の聞こえ方を変えます。

さらに、口笛も得意です。
リハーサルで喉が疲れたときは、歌う代わりに口笛を使うことがあると話しています。
音楽を確かめながら、声は休ませる選択も持っています。

「Defying Gravity」は、最初から到達点へ行かない

作曲家のスティーヴン・シュワルツは、最後の声の動きが人物から自然に出ることを重視し、彼女の歌を評価しています。

小さな声を出せる環境も、その選択を支えています。
録音担当のサイモン・ヘイズは、カメラが近い映画では、劇場の後方へ届け続ける必要はないと説明しています。
現場を静かに保ち、声を落としても聞こえないと言われる心配を減らすことで、弱さやためらいまで歌える余地を作りました。

撮影では、動きながら歌う声を録っています。
帽子のつばに置いた小型マイクは、顔を動かしても声を追える位置にありました。
音を近くで拾う仕組みも、さまざまな大きさの声を演技と一緒に残す助けになっています。

「I’m Not That Girl」では、伴奏に待ってもらう

速さを一定に保つことより、人物の気持ちを先に進めたい曲もあります。
「I’m Not That Girl」の撮影では、生のキーボード伴奏を使い、奏者が歌を先導せず、エリヴォについていく形にしました。
本人の感情から、間や呼吸が生まれる余地を残すためです。

ただし、曲全体を自由な速さに変えたわけではありません。
リズムのある部分へ入ると、用意した伴奏へ移ります。
迷いやためらいを置ける場所と、曲の推進力に乗る場所を分けることで、感情と音楽の両方を保っていました。

カバーでも、言葉のために時間を広げます。
2019年の公演で「God Only Knows」を歌う際、本人は、歌詞を変えずに伝わり方を深めるには、伸ばして余地を作ることが大切だと説明しました。
原曲より遅い編曲を選ぶのは、声を長く聴かせることだけが目的ではありません。

同じ公演で取り上げた「I Just Had to Hear Your Voice」でも、オリータ・アダムスの、技巧を重ねすぎず旋律と言葉を生かす歌い方にひかれていました。
エリヴォにとって、複雑に歌えることと、複雑に歌うべきことは同じではないのです。

相手の声を聴きながら、自分の音量も変える

アリアナ・グランデとの歌では、二人の声を別々にきれいに録ることより、向き合って歌う感情が優先されました。
「What Is This Feeling?」の撮影では、片方の顔を映す場面でも、もう一人が一緒に歌っています。
相手を嫌う人物同士だからこそ、その声を受けて反応する必要がありました。

ヘイズは、二人が音程だけでなく、歌う音量も互いに読み取っていたと語っています。
自分の一番よく響く声を押し通すのでなく、相手の声が今どこにあるかを聴く。
共演では、力のある歌手同士にも、そうした細かな調整がありました。

二人が初めて一緒に歌った曲は、監督の家での「For Good」でした。
声が違うため、これほど合うとは予想していなかったとエリヴォは振り返っています。
練習用の録音でも、画面に並ぶ二人の歌の線が重なることに驚いたほどでした。

強い声が必要な場面では、身体の動きも表現に入る

映画の続編『ウィキッド 永遠の約束』の「No Good Deed」では、別の強さが必要になります。
音の仕上げを担当したアンディ・ネルソンは、複雑な音楽や効果音を重ねても、エリヴォの歌が埋もれずに通ってきたと語っています。

録音担当のヘイズが注目したのは、激しく動きながら歌うことで生まれる声でした。
その労力まで声に入るため、直立してスタジオで歌う場合とは違う切実さがある。
制作側は、その場の歌唱をできるだけ残そうとしています。
単に大きな音に仕上げた結果だけでは説明できない、演技と歌の結びつきです。

エリヴォ本人も、歌うときに見た目のきれいさを守り続けようとはしていません。
口が大きく開いたり、整わない表情になったりすることを受け入れる。
歌詞を届けるために身体を使うとき、いつも同じ顔、同じ姿勢でいようとはしないのです。

主旋律の外にも、低い声や息を置く

ソロ作『I Forgive You』では、強い高音とは違う場所にも耳を向けられます。
本人は、普段あまり使わない低い声、裏声、クラシックのソプラノのような声を使ったハーモニー、打楽器のように扱う息を挙げています。
背景へ置く音にも、自分の声の違う面を使いました。

「More Than Twice」の終わりでは、それまで録音や人前で使っていなかった声の揺らし方を試しました。
本人が語るのは、息と裏声を使う可能性です。
表に出してこなかった声を曲へ入れ、自分の歌の表情を増やしています。

こうした音を置く余地は、言葉の数とも関わります。
エリヴォは、自分の歌詞には言葉を詰め込みすぎないと説明しています。
長い一行を走るように歌うより、伝えたいことへ早く届き、その周りで声を動かせる方が自分には合う。
少ない言葉は、歌う内容の少なさを意味していません。

それでも「Push and Pull」では、初めてラップと詩の中間のような表現を自分で試しています。
初期の形では別の人が担当していた部分でしたが、自分の欲望を語る歌なら、自分で声にしたいと考えました。
旋律を歌い上げる以外にも、本人が言葉の持ち主になる方法を選んでいます。

歌い終わる場所まで、一つの話にする

『I Forgive You』の曲に明確な終わりを作ったのも、エリヴォの意思です。
一つの物語が終わったと分かる形にし、聴き手が息をつけるようにしたかったと説明しています。
声をどう出すかと同じように、どこで歌を閉じるかにも意味があります。

「Defying Gravity」の声を待つ時間と、「I’m Not That Girl」で伴奏が歌を待つ時間。
エリヴォの歌には、強さへ向かう前にも選択があります。
その歩みは、シンシア・エリヴォの歌唱変遷でたどっています。

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