平原綾香さんの歌声を説明する時、まず挙がるのは「Jupiter」の深い低音です。
けれども、低い声だけを追いかけると、この歌手の面白さを半分ほど見落とします。
本人が長く語ってきた原点は、歌ではなくサックスでした。
吹けないフレーズをいったん歌うと演奏でき、反対に出したい声が出ない時はサックスを構える姿勢を取ると声が出たこともあったといいます。
つまり平原さんは、声を喉だけから出すものではなく、息を運び、音色を変え、一つのフレーズを最後まで届ける「楽器」として扱ってきました。
低音、高音、クラシック、ジャズ、ミュージカルを行き来できる理由も、この見方から考えると分かりやすくなります。
平原綾香の歌声は「低い声」より「長いフレーズ」に注目すると分かる
「Jupiter」の第一印象は、女性歌手としては珍しい深さのある声でしょう。
ただし、本人が自分の原点として繰り返し挙げているのは、声の高さではなく父・平原まことさんのサックスの音色です。
幼い頃から聴いていた父の演奏は、本人にとって声に近いものでした。
中学生でサックスを始めた後も、難しい箇所を指だけで解決しようとせず、まず口で歌えるようにしてから楽器へ戻る練習を教わっています。
この経験があるため、歌でも一音ずつを別々に置くより、息の流れの中で言葉を運ぶ意識が強くなりました。
低音を太く見せることが出発点なのではなく、フレーズ全体を一つの呼吸で成立させた結果として、低い音にも輪郭が残るのです。
深い声というと、喉を下げたり胸へ響かせたりする方法を想像しがちです。
平原さんを参考にするなら、先に見るべきなのは声の暗さではありません。
言葉の途中で息がほどけず、音の終わりまで音楽の線が続いているかという部分です。
サックス経験は最初から歌の強みだったわけではない
楽器経験が豊かな歌手と聞くと、デビュー時から完成した発声を持っていたように思えます。
実際には、サックスの癖は助けになる一方で、歌を難しくする原因にもなりました。
管楽器では、息を細く送り込むために口をすぼめます。
平原さんはその感覚のまま歌い始めたため、大きな声を出そうとしても口が十分に開かず、「Jupiter」の冒頭でもサックスのように大きく息を吸っていたと振り返っています。
口が自然に開くようになるまで、本人の感覚ではデビューから六年ほどかかりました。
歌手になる前に長く歌唱訓練を積んだのではなく、大ヒット曲を持った後から、自分に合う歌い方をつかみ取っていったのです。
ここに平原さんの発声を考える面白さがあります。
肺活量や長い息はサックスから受け取れましたが、それだけでは歌になりません。
楽器で身につけたものをそのまま使うのではなく、声に必要な形へ作り替える時間が必要でした。
「きれいな声」とは、濁りのない声ではない
本人にとって理想の声は、単に澄んだ声ではありません。
現在の本人にとって大切なのは、喉を自分で扱え、必要なら少しかすれた音色や色のついた声も選べることです。
これは「Jupiter」の荘厳な印象だけでは見えにくい部分です。
美しい声を一種類に固定すると、クラシック曲では整っていても、ジャズや物語性の強い曲では表情が狭くなります。
公式の「Night In Tunisia」のライブ映像は、平原さんがクラシック系の歌手という枠だけで活動していないことを確認できる歌唱例です。
本人の家族的な音楽の根はジャズにあり、大学でもジャズサックスを学びました。
音色をきれいに保つことより、曲が求める表情へ声を動かせることが優先されています。
深い低音はその選択肢の一つであって、すべての曲を同じ重さで歌うための型ではありません。
地声かミックスボイスかを一語で決めると魅力が消える
高音についても、地声かミックスボイスかという二択だけで説明するのは難しいです。
本人が公式に声区を分類しているわけではなく、曲によって音量、息の量、役柄、響きの明るさが変わるからです。
ボイストレーナーによる分析では、小さな声をマイクへ乗せるポップス的な歌い方と、身体全体を使って大きなスケールを作るクラシック的な歌い方を行き来できる点が挙げられています。
一方、個人による歌唱分析には、低音の響きを高く評価する見方と、高音で力が加わる場面を指摘する見方の両方があります。
説明が割れるのは、どちらかが必ず間違っているからではありません。
「Jupiter」の低音、ジャズ曲の細かな動き、ミュージカルの遠くまで届ける声を、一つの発声名へ押し込もうとすると無理が生じるのです。
高音を強く聞かせる歌手でも、すべての音を大声で押しているとは限りません。
MISIAさんの太い高音や玉置浩二さんの小声と高音の関係も、声の大きさだけでは説明できないという点で比較しやすい記事です。
ミュージカルは「自分の歌」から「役の声」へ広げた
2014年に初めて本格的なミュージカルへ出演した時、平原さんはコンサートとの違いに直面しました。
客席へ自分の歌を届けるだけでなく、舞台上の相手役へ言葉を渡しながら、同時に観客にも物語を伝えなければなりません。
さらに、役によってはオペラ的な発声を研究する必要がありました。
意外なのは、その発声を学んだ結果、ポップスまで歌いやすくなったと本人が語っていることです。
別ジャンルの歌い方を足したというより、これまで無意識に使っていた声を別の角度から整理できたのでしょう。
演技を学ぶ中では、常に立派で強い声を出すのではなく、弱さを歌に残してよいことも知りました。
「Joyful, Joyful」の公式ライブ音源は、ポップス、クラシック、ゴスペルなどを別々の箱へ分けない現在の活動を知る入口になります。
一人の声を磨いて完成させるというより、音楽の背景に応じて声の役割を変えることが、平原さんらしさになっています。
真似するなら低い声ではなく、言葉の先まで息を残す
ここで深い低音をまねようとして、喉を暗くしたり声を必要以上に下げたりするのはおすすめできません。
生まれ持った音域も、サックスで育てた呼吸も、長年の舞台経験も簡単には再現できないからです。
参考にしやすいのは、声色ではなく音楽の捉え方です。
短い一音の格好よさより、一つの言葉が次の言葉へどう渡るかを考える。
音の終わりを急に捨てず、息が次のフレーズへ向かう感覚を持つ。
この見方なら、自分の声を平原さんの低音へ変える必要がありません。
声を楽器として扱い、出しやすい音だけでなく、フレーズ全体をどう届けるかへ意識を移せます。
反対に、太い低音、大きな吸気、クラシック風の口の開け方だけを外側からまねると、本人が六年ほどかけて手放したサックスの癖まで再現しかねません。
平原さんの歩みが教えてくれるのは、原点を守ることと、原点の癖を修正することは両立するという点です。
まとめ
平原綾香さんの歌い方は、深い低音だけでは説明できません。
中心にあるのは、声とサックスをほとんど同じ音楽表現として捉え、息でフレーズを運ぶ感覚です。
サックス経験は長い呼吸と音楽的な線を与えましたが、口が開きにくい癖も残しました。
デビュー後にその癖を直し、クラシック、ジャズ、ミュージカルで声の使い方を増やしたからこそ、現在はきれいな声だけでなく、かすれや弱さも選べます。
地声かミックスボイスかを一語で決めるより、曲ごとに音色と届け方を変える歌手として見る方が本質に近づきます。
低い声をまねるのではなく、息と言葉がフレーズの最後まで続くかに注目すると、平原さんの歌声がなぜ大きく感じられるのかが見えやすくなります。
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