ジェイソン・ムラーズの歌声の変遷｜即興の楽しさを、誰かと歌う喜びへ

即興の遊び心を残しながら、ジェイソン・ムラーズは言葉の伝え方や、共演者との歌い方を変えてきました。
初期の小さなステージから、共同制作、ミュージカル、近年の作品まで、その変化をたどります。

初期――聴き手を退屈させないための声

出発点は、コーヒーハウスで歌った経験でした。
本人は、聴き手を退屈させず、その瞬間を一緒に楽しむことを目指したと話しています。
細かな言葉やスキャットの意外性には、客席との距離を縮める役割もありました。

2005年――言葉遊びの奥へ、自分の気持ちを出す

2002年のデビュー作に続く『Mr. A–Z』では、「Wordplay」が生まれます。
次の作品への期待を不安に感じた日に、その気持ちを曲にしたことで、制作を進められたと本人は説明しています。
言葉を巧みに歌う面白さが、歌手としての迷いを話す手段にもなっていました。

同時期のムラーズは、前作の言葉遊びから、もっと個人的な表現へ踏み込みたかったと話しています。
大きなバンドでの演奏を経験した一方、2005年のツアーには、小編成や一人で歌う時間もありました。
共演者全員と足並みをそろえる必要がなければ、思いついた方向へ歌を動かしやすい。
後年のアコースティック作品を、突然の方向転換と捉えないほうがよい理由が、ここにあります。
小さく演奏する自由を、彼は早い時期から行き来していたのです。

2008年――録音にも、一度の演奏の流れを残す

『We Sing. We Dance. We Steal Things.』では、「I'm Yours」が広く知られるようになります。
ミックスを担当したトニー・マセラティは、この作品には、演奏を細かく切り貼りせずに残した部分が多いと説明しています。
歌も、大半が一度の通し歌唱を土台とし、必要な箇所だけ録り直す形でした。
音を整える処理は施しつつ、歌い手が一曲を進んでいく流れを大切にした録音です。
軽やかな歌の背後には、そうした制作の判断もあります。

「I'm Yours」には、歌う相手によって表情が変わったという話もあります。
ムラーズは、曲作りへ自分を委ねる気持ちから書いた歌を、録音時には恋人へ向けた遊び心のある歌い方にしたと振り返っています。
最初に生まれた意味を守り続けるだけでなく、そのときの自分の気持ちが声へ入る。
代表曲の親しみやすさを考えるうえでも、興味深い変化です。

2012〜2014年――隠していた感情を、伝わる言葉にする

2012年、ムラーズは、以前の歌では個人的な思いを暗号のように隠していたと振り返りました。
その後は、もっと分かりやすく伝えることを目指すようになったといいます。
巧妙な言葉を組み立てることと、気持ちを相手へ渡すこと。
その二つのうち、後者へ意識を向けるようになっていたのです。

2014年にも、若い頃は何かを歌うだけで気持ちが静まったが、年齢を重ねてからは、歌う言葉も磨くようになったと説明しています。
自分を落ち着かせるための声に、聴き手を励ます言葉を乗せる。
歌の明るさは、もともと悩みがないことの表れではなく、悩みと付き合う中で選んだ表現でもありました。

この時期には、作品の作り方にも変化がありました。
ムラーズはツアーの合間にレイニング・ジェーンと会い、好きだから曲を作っていたと話しています。
2008年作の「A Beautiful Mess」でも一緒に書いていた仲間たちと、その時間を重ねた結果、まとまった作品へ進んだのです。
歌い方を変える方針を先に決めるより、共に歌いたい相手との制作が、作品の姿を変えていました。

そして『YES!』では、レイニング・ジェーンと全編を共同制作します。
ムラーズが惹かれていたのは、彼女たちの声と、自分の声を混ぜたときの響きでした。
作曲だけでなく、編曲と録音にもそろって関わり、デモにあった持ち味を残そうとしています。
編曲をプロデューサーへ任せることの多かった制作から、仲間と全体を作る形へ。
アコースティックという形式以上に、歌が生まれる人間関係の変化が大きかったのです。

2017年――柔らかな声で、他人の人生を歌う

2017年には、ミュージカル『ウェイトレス』のポマター医師役でブロードウェイに立ちます。
それに先立つ2015年、サラ・バレリスのコンセプトアルバムで「Bad Idea」「You Matter to Me」をデュエットしていました。
舞台では、その歌を登場人物として届けることになります。

もともとミュージカルを学んだムラーズは、ギターを手にし、自分の歌を自由に歌う道へ進んだ人です。
戻ってきた舞台で彼が魅力を感じたのは、リラックスしたポップの声で歌えることでした。
別の立派な声へ作り替えなければ参加できない世界ではなく、自分の歌声を持って物語に入れる作品だったのです。

難しかったのは、同じ台詞や歌を毎日、初めて相手の言葉に心を動かされたように演じることでした。
客席を自分の即興へ巻き込む歌手から、役の気持ちを毎回新しく経験する歌い手へ。
決まった作品の中にも、その場で生まれる感情を探すようになっていました。

後年の振り返りでは、相手役が変わると、同じ台詞でも息遣いや意図が違い、自分の反応も変わると話しています。
歌詞を勝手に変えることはできなくても、歌う瞬間まで同一になるわけではない。
自由に展開するコンサートとは異なる条件の中で、歌を新鮮に保つ手応えを得た経験でした。

2020〜2021年――レゲエが、昔の曲にも新しい動きを与える

『Look for the Good』では、マイケル・ゴールドワッサーとレゲエの作品に取り組みました。
2019年に録音が進み、2020年に発表されたアルバムです。
本人は、このリズムによって、それまでのポップの伴奏では開かなかった表現の場所を見つけたと説明しています。

変化は新曲だけにとどまりません。
2021年には、「Make It Mine」と「Lucky」をスカの形で録り直しました。
後者はエミリー・キングを迎えた版です。
原版の「Lucky」を本人はバラードのように感じており、もっと踊れる歌にしたかったといいます。
過去の歌を現在の編成へ持ち込み、そこに別のリズムを見つける。
代表曲を完成済みの形に閉じ込めない姿勢が、再録という形でも表れました。

2023年以降――観客を踊らせ、身近な人へ歌う

2023年の『Mystical Magical Rhythmical Radical Ride』では、プロデューサーのマーティン・テレフェと再び組みました。
「I Feel Like Dancing」など、踊る楽しさを前に出した作品です。

きっかけの一つは、観客を立たせたまま楽しませる曲が、コンサートにもっと欲しいという思いでした。
レイニング・ジェーンと作る歌も、静かな親密さだけでなく、会場の気分を高める方向へ広がっていきます。

ただし、踊る作品の中でも、声の温かさは失われていません。
「Irony of Loneliness」は、ゆっくりした歌唱で心細さを伝える曲として評されています。
新しいリズムへ進みながら、聴き手の近くで歌う持ち味も残していました。

2026年には、『Grandma’s Gospel Favorites』を発表しました。
これは2007年、祖母へのクリスマスの贈り物として録音した作品を、広く届ける機会になったものです。
近年の声で歌い直した作品と同一視せず、以前から持っていた歌の原点を知る作品として捉えられます。

祖母は、幼い彼に人前で歌う機会を作り、教会にも連れて行った人でした。
一方、2026年のソロ公演については、客席の笑いや歌声、拍手を受け、曲の流れをその場で考えると話しています。
身近な人に歌い、目の前の反応から次の声を探す。
初期の小さな会場で育った感覚は、長い活動を経ても残っています。

ジェイソン・ムラーズの変遷は、技巧を手放して素朴になった歴史ではありません。
言葉で驚かせる面白さを持ちながら、思いを伝えやすくし、仲間と声を混ぜ、役の人生を歌い、観客が踊れる曲へも進む。
変わってきたのは、自由に動く声を誰と、何のために使うかでした。

曲や場面による声の使い分けは、ジェイソン・ムラーズの歌い方で詳しく扱っています。

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