KOKIAさんの歌声は、「透明」「神秘的」「クラシカル」といった言葉で紹介されることがあります。
どれも間違いではありませんが、一曲ごとに別の歌手のような表情を見せる理由までは説明できません。
高校と大学で声楽を学んだことは、音程、息、長いフレーズを支える大きな土台です。
しかし本人の創作方法を見ると、声楽らしい音を毎回の正解にしているわけではありません。
先にジャンルを決めず、伝えたい内容に合う音を探す。
色、形、風景、物語を頭の中で立体的に作り、その景色に必要な声を選ぶ。
だからKOKIAさんの発声を理解する鍵は、高音を一種類の声区名へ分類することではありません。
鍛えた声を目立たせるのではなく、曲の中で声に何をさせるかを毎回決め直す点にあります。
声楽出身なのに、歌声をクラシックの一色へ固定しない
3歳からバイオリンを学び、のちに声楽を専攻した経歴だけを見ると、最初からクラシック歌手を目指していたように思えるかもしれません。
実際には、幼い頃から映画やミュージックビデオの世界に強く引かれ、音楽を映像や物語と結びつけて受け取っていました。
声楽の訓練は、声を一つの型へ閉じ込めるためではなく、選べる表現を増やす基礎になったと考える方が自然です。
細く静かな声、厚く広がる声、言葉より音の響きが前へ出る声を、同じ土台から使い分けられます。
発声を扱う解説では、安定した息と音程を声楽の成果と見る意見があります。
別の作品評では、地声と裏声の質感差や、曲ごとに変わる声の性格そのものが魅力だと受け取られてきました。
二つの見方は対立していません。
崩れにくい土台があるからこそ、完成した声を守るより、曲に合わせてあえて形を変えられるのです。
ジャンルではなく、伝えたい内容から声を選ぶ
本人は、自分の音楽を作る時に「これはポップスだから」と考えていないと説明しています。
先にあるのは、誰へ何を届けたいかという内容です。
人を励ます曲なら、言葉が前へ進む音を選びます。
心を静める曲なら、聴き手が自分の記憶へ入れる余白を作ります。
ここで声は、曲の上に乗る最後の飾りではありません。
編曲や楽器と同じように、物語を成立させる一つの役を担います。
『The VOICE』が「声」を作品の中心へ置き、『COLOR OF LIFE』がステージで生まれる一回性を大切にし、『Tokyo Mermaid』が架空言語まで使ったのは、別々の奇抜な挑戦ではありません。
内容に必要なら、声の使い方そのものから作り直すという一貫した発想です。
宇多田ヒカルさんの歌い方にも、息、発音、リズムを曲の内容に合わせて変える面白さがあります。
宇多田さんが日本語の会話感とビートを細かく結ぶのに対し、KOKIAさんは言葉の意味を越え、声を一つの楽器や登場人物にまで広げます。
KOKIAn LANGUAGEでは、言葉を消さずに意味の扉を開く
KOKIAさん独自の架空言語は、意味のない音を雰囲気で並べたものではありません。
まず日本語で言葉を作り、ローマ字へ置き換え、その文字を組み替えて新しい響きを生み出します。
元の意味は設計図として残ります。
一方で、完成した音から具体的な日本語は見えなくなるため、聴き手は声の明るさ、勢い、間、旋律から自分の景色を作れます。
普通の歌詞では、言葉が「何の歌か」を先に決めます。
KOKIAn LANGUAGEでは、声の響きが意味へ向かう入口になり、答えを一つに閉じません。
この方法を見ると、滑舌の良さと曖昧さは反対ではないと分かります。
言葉を明確に伝える技術を持つ人が、どこまで意味を開いておくかまで選んでいるのです。
『moment』は、整った声より「その場で生まれる声」を残した
2011年の『moment』は、観客を入れた会場で録音されました。
楽器の音が同時に入るため、歌だけを後から簡単に差し替えることはできません。
制作側は、事前のデモと本番では声の力や説得力が違っていたと振り返っています。
本人も、以前なら理想へ近づくまで何度も録り直していたのに、この作品では演奏者やスタッフを信頼し、少ないテイクで進められたと話しました。
ここには、訓練された歌手についての意外な逆転があります。
技術が高いほど完璧な音を一つずつ作り込むと思われがちですが、KOKIAさんは技術を、その場で起きたことを逃さず作品にするために使いました。
平原綾香さんの歌い方では、サックスを吹くように息の流れと声を捉える考えが歌の個性につながっています。
KOKIAさんの場合は、整えた声を完成品として守るより、会場、演奏者、物語に反応できる余白を残すことが個性になっています。
「地声か裏声か」だけでは、KOKIAの高音を説明しきれない
KOKIAさんの高音を、地声、裏声、ミックスボイスのどれか一つに決めたい人もいるでしょう。
しかし曲、音量、母音、役割が変われば、同じ高さでも声の性格は変わります。
第三者の発声解説にも、声楽的な息の安定を中心に見るものと、地声と裏声の対比を重視するものがあります。
どちらか一方だけが正しいのではなく、説明している曲や場面が違う可能性があります。
ミックスボイスと裏声の違いを知れば、声が急に軽くなる理由は整理できます。
それでもKOKIAさんの歌では、声区名を当てたところが終点ではありません。
なぜそこで輪郭を弱めたのか。
なぜ次の言葉では厚みを戻したのか。
声の種類より、その変化によって曲の景色がどう動いたかを見る方が、本質に近づけます。
参考にするなら、高音の形より「声にさせたい仕事」を考える
KOKIAさんの表面だけを真似し、息を多く混ぜたり、クラシカルに口を大きく開いたりしても、曲に必要な声になるとは限りません。
広い声域や長年の訓練を、短い練習で再現できる技術として扱うのも危険です。
参考にしやすいのは、声を出す前の順番です。
この一節は、聴き手を励ますのか、静かに隣へ座るのか、言葉を越えた景色へ連れていくのかを考えます。
目的が決まると、すべての音を同じ音量、同じ明るさで歌う必要がなくなります。
高音を成功させることだけが目標ではなく、その高音が曲の中で何を変えるのかが見えてきます。
坂本真綾さんの歌い方と比べると、この違いがより鮮明です。
坂本さんは作り手の色を通せる声の余白を大切にし、KOKIAさんは自分で描いた物語の中で声へ役を与えます。
まとめ
KOKIAさんの歌い方は、声楽の技術だけで説明できません。
声楽は、息、音程、声域を支え、曲ごとに声を変えても音楽を崩さない土台です。
その上で、本人はジャンル名より伝えたい内容を優先し、色、風景、物語から必要な声を探します。
KOKIAn LANGUAGEでは声そのものに意味の入口を作り、『moment』では整った音より、その場でしか生まれない力を作品に残しました。
変幻自在に聞こえるのは、何種類もの特殊な声を見せたいからではありません。
一曲の中で声に何をさせるかが明確だから、同じ人の声が別の役へ変われるのです。
1998年のデビューから独立、海外活動、25周年の再録へ進む中で、この考えがどう育ったのかは、KOKIAさんの歌唱変遷で詳しくたどります。
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