メガテラ・ゼロの歌い方｜ざらつく声の迫力と、歌わない時間の面白さ

メガテラ・ゼロの歌は、声のざらつきだけでも耳に残ります。
強く歌ったときの荒々しさと、旋律を伸びやかに歌うところが、一人の声の中にある。
「酔いどれ知らず」などのカバーから知った人には、まずその声そのものが印象に残っているかもしれません。

ところが、Mr.FanTastiCのボーカルとしての本人は、自分が歌いすぎていたと反省したことがあります。
もっとギターやドラムに演奏してほしいと、歌の出番を減らそうとしたのです。
目立つ声を持つ歌手が、なぜそう考えたのでしょうか。

その理由をたどると、メガテラの歌の面白さが、声の迫力に加えて、言葉や演奏のリズムを楽しむところにもあると分かってきます。
2023年のソロ曲「IKI」では、暗い曲調と激しいバンドの音に、あの荒々しい声が重なります。

荒々しい声には、悲しさも似合う

「IKI」は、ドラマ『ブラックポストマン』の主題歌として書かれました。
重いサウンドで押していく曲ですが、そこで歌う感情まで、ただ威勢がいいわけではありません。
ドラマから生まれた歌詞には、むなしさもある。
声の強さが、割り切れない思いを強く伝える曲です。

メガテラの声を「力強い」とだけ説明すると、この部分が抜けてしまいます。
ざらついた声は、元気よく盛り上げる歌にも使えるし、気持ちが収まらずにこぼれるような歌にも使える。
同じざらつきを持つ声でも、曲が変われば、聴き手が受け取る感情も変わります。

その振り幅を考えるうえで、本人が大切にしてきた曲も興味深いものです。
高校生のときに衝撃を受けたのは、エアロスミスの「I Don’t Want to Miss a Thing」でした。
ロックの強い声で、大きな愛情を歌い上げるバラードです。
そんな曲を何度も歌ってきたことを知ると、メガテラが声の迫力と、旋律を歌い上げる楽しさの両方を大切にしていることにも、うなずけます。

声の勢いが言葉の印象を変える例は、他の歌手へ渡した曲にもあります。
Mr.FanTastiCがMyGO!!!!!へ提供した「歌いましょう鳴らしましょう」では、メガテラが仮歌を担当しました。
MyGO!!!!!の小日向美香によると、メガテラが叫ぶように歌った部分が、完成版の高松燈の歌では、語りかけるような表現になっていたそうです。

これは仮歌を聴いた共演者の証言ですが、メガテラの声を考えるうえで興味深い比較です。
相手へ言葉を投げかけるとき、強く声を放つか、近くで話すように伝えるかで、その人物の姿が変わる。
ざらつきという声質の特徴だけでなく、言葉をどの勢いで外へ出すかにも、歌い手の個性が表れます。

歌詞の意味より先に、言葉の響きが来ることがある

メガテラの曲作りでは、伝えたい文章を先に完成させてから、旋律に当てはめるとは限りません。
言葉を声に出したときの響きが、曲を作るきっかけになることがあります。

Mr.FanTastiCの「Envy & Clap」も、その一例です。
まず「Envy」という言葉が浮かび、ギターのつっくんに意味を尋ねると、嫉妬だと分かった。
そこから、嫉妬に関わる言葉を集めて歌詞を作っていきました。
意味を決めて英単語を探したのとは、順番が逆だったのです。

だからといって、意味がどうでもいいという話ではありません。
本人は、ファンが自分以上に歌詞を考え、感情を重ねてくれることを喜んでいます。
作るときは言葉の響きに惹かれていても、聴く人はその意味に自分の気持ちを重ねる。
作者と同じ順番で好きにならなくてもいいところが、歌の面白さです。

つっくんも、メガテラが歌って気持ちいいかどうかを重視していると感じていました。
伴奏を送ると、翌日には歌詞と歌が付いて戻ってくることもあるそうです。
言葉を考えることと、声にして旋律に乗せることが、近いところにあるのでしょう。

この作り方を知ると、歌詞を文章として読むだけでは見えない面白さがあります。
言葉の意味が分かる前に、その響きに惹かれる。
そんな楽しさを、作り手の側でも大事にしているのです。
歌詞の内容と、声にしたときの気持ちよさ。
その二つを一緒に楽しもうとしている歌手なのです。

自分の歌を減らして、バンドをもっと面白くする

こうした音の気持ちよさは、本人の声だけで完成するものでもありません。
Mr.FanTastiCでは、ギターやドラムが思いきり演奏する時間も、曲の大事な部分です。

2020年、メガテラは、メンバーが好きなMR. BIGのライブ映像を見直しました。
そこで、自分はもっと黙って、楽器に演奏してもらったほうがいいと考えたのです。
MR. BIGは、歌手のエリック・マーティンだけでなく、楽器を弾くメンバーにも大きな見せ場があるバンド。
メガテラが憧れていたのは、全員がかっこよく見える、そんな音楽でした。

その思いが形になった曲が「HOWEVER」です。
ギターに加え、ドラムにもソロを入れる。
歌が休んでいる間にも、楽器の演奏で楽しませる。
MVについても、自分をたくさん映すことより、ギターとドラムをかっこよく見せることを望みました。

それまでメンバーには、ボーカルを前に出すために遠慮していた部分もあったといいます。
メガテラは、もっと自由に演奏してほしいと伝え続けました。
歌手を支えるために楽器が控えるのではなく、歌も楽器も、それぞれに存在感を出す。
あの声と張り合うような演奏があってこそ、バンドの一曲が面白くなると考えていたのです。

冒頭の「歌いすぎた」という反省は、歌への自信をなくした話ではありません。
自分の声を聴かせる時間と、ほかのメンバーに聴き入る時間を、曲の中に作りたかった。
ずっと歌い続けることだけが、ボーカルとして曲を盛り上げる方法ではないのです。

一緒に歌いたくなる声であること

2025年8月のカバー曲だけを歌う公演では、メガテラは客席にも歌うよう呼びかけました。
「1/3の純情な感情」や「Butter-Fly」といった、聴き手にも思い入れのある曲が並びます。
本人の歌を聴く楽しさに、自分も知っている歌に加われる楽しさが重なった公演でした。

一方で、中盤には、ピアノを伴奏に「変わらないもの」を歌うアコースティックの時間もありました。
大きなバンドの音と一緒に歌う曲ばかりで、押し切ったわけではありません。
ピアノと歌に耳を傾ける時間と、バンドや客席の声まで加わる時間が、一つの公演にある。
メガテラの声の強さは、こうした演奏や聴き方の違いの中でも楽しめます。

メガテラの歌い方の魅力は、強い声が出るという一言では収まりません。
言葉の響きから曲を作り、楽器の見せ場が必要なら自分の歌を減らし、ライブでは客席の声も加える。
本人が気持ちよく歌うことと、周りの人も音楽を楽しめることが、つながっています。

「IKI」では、声の荒々しさが曲の切実さを強めます。
「HOWEVER」では、歌が止まっても、楽器の見せ場が続きます。
どちらも同じメガテラの音楽です。
声に圧倒されたあと、言葉のリズムや歌のない時間まで聴いてみると、その曲を好きになる理由が増えていきます。

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