にんじん（ロクデナシ）の歌い方――「ユリイカ」「心の奥」で声の距離はどう変わる？

ロクデナシのにんじんの歌を「儚い声」とだけ呼ぶと、「ユリイカ」のサビで声を張った本人の話がこぼれ落ちます。
反対に「力強い高音」でまとめると、「心の奥」の小さな語り出しが見えません。
にんじんの歌い方を考える鍵は、音の高さそのものより、その曲で誰に、どの距離から言葉を渡すかにあります。

「ユリイカ」のサビは、なぜ声を張るのか

「ユリイカ」はアニメ『終末トレインどこへいく？』のエンディング曲です。
にんじんは、アニメの終わりに歌がどう流れるかを想像したと話しています。
そのうえで、サビには声を張る部分が多く、のびのび歌えて気持ちよかったとも述べました。

つまり、この曲の強さは「もっと大きな声を出してみせる」という見せ場だけではありません。
物語を見終えた人の気持ちをサビで受け止め、開けた場所へ連れていくための選択です。
歌い出しから終わりまで同じ勢いにするのではなく、サビで前へ出る余地を残していると理解すると、曲の形が見えます。

音楽ライターの森朋之も、この曲の旋律には緊張と解放の対照があり、サビの歌が力強く響くと評しています。
声を張るサビの印象は、それまでの張り詰めた時間があってこそ強くなる。
曲の途中で気持ちの出口が開くように感じられることが、「ユリイカ」の大きな魅力です。
にんじんの歌唱変遷では、この選択が以前の曲とどうつながるかを時期ごとに追っています。

2025年のロクデナシ公演でマイクを持つにんじんのシルエット — 2025年のロクデナシ公演でマイクを持つにんじんの姿。
画像出典：Billboard JAPANの公演写真

「ただ声一つ」は、柔らかな曲でも言葉を畳み掛ける

声の表情が途中で変わる例は、代表曲「ただ声一つ」にもあります。
杉山仁によるリスアニ！の紹介では、ピアノと弦を中心にした伴奏だけでなく、後半で言葉を畳み掛ける歌にも目が向けられています。
穏やかな曲として聴き始めても、一つひとつの思いが続けて出てくるところでは、言葉が進む勢いに意識が向く。
静かな伴奏のままでも、歌は別の切実さを持てるのです。

この曲を聴くなら、声が大きくなるかに加え、言葉がどれほど続けて運ばれるかにも注目すると面白くなります。
伸ばす音で聴かせる瞬間と、次の言葉へ進む瞬間では、同じ声でも気持ちの伝わり方が違う。
「ユリイカ」がサビの開放感を印象づけるのに対し、「ただ声一つ」は言葉の流れにも表情がある曲です。

「心の奥」は、小さな声のまま一曲を通さない

「心の奥」は、MIMIが作詞作曲を担当した2025年の曲です。
音楽ライターの森朋之は、Aメロを囁くように進み、サビでは繊細なファルセットが響くと評しています。
歌の表情を作っているのは、単純に「弱い声」の持続ではなく、近くで話すような部分と、伸びていく部分との切り替えです。

声を張る「ユリイカ」と並べると正反対に思えるかもしれません。
しかし、どちらの曲でも最初から最後まで一つの声量に固定していない点は共通します。
言葉を手渡す距離を曲の中で変え、サビの意味を際立たせています。
同じMIMIとの「ただ声一つ」が広く届いた後も、以前と同じ歌を繰り返しているわけではありません。
「心の奥」では、語りかける部分とファルセットの対照そのものが曲の中心になります。

「草々不一」では、自分以外の物語を歌う

ドラマ『【推しの子】』第2話の主題歌「草々不一」は、有馬かなという人物の気持ちを託された歌です。
詞曲を作ったのはカンザキイオリ。
自分の失恋経験から書いた曲と違い、にんじんはドラマにいる人物の感情へ声を寄せる役割を担っています。

歌詞の主人公と歌い手を無理に同一視しないことが、この曲を理解する前提です。
「自分に起きたことをそのまま告白する歌」として聴くのではなく、誰かの揺れる心情を歌にして届ける。
ロクデナシが多くの作曲家と組む意味も、声の色を毎回変える技術競争ではなく、それぞれの曲が求める語り手を引き受けるところにあります。

小町碧音による『六花』の全曲評では、「草々不一」の終盤でファルセットを響かせる歌い方にも触れています。
物語は、諦めを抱くところから、出会いによって気持ちが動いていく。
その変化を追って声も広がるため、裏声は弱さだけを示すものではありません。
自分の内側にとどめていた思いが相手へ向かう、その頂点を担う声として捉えられます。

「カロン」と「脈拍」が示す、表現の両端

2ndアルバム『六花』の「カロン」は、ナユタン星人によるドラマのオープニング曲です。
小町碧音の全曲評は、同じ作曲家との従来の組み合わせから印象を変える激しさを取り上げました。
速さや強さを、にんじんの声がそれまで歌えなかったものと考える必要はありません。
この曲で求められた切迫した役どころが、彼女の声の別の面を表に出したと見るのが自然です。

同じアルバムの「脈拍」について、同評は泣いた後のような体温が残る声だと表現しています。
2026年のライブ評でも、同曲の繊細な息づかいに触れています。
勢いのある曲と、息の細部が印象に残る曲を一つの公演で担うという対比は、にんじんの歌を「小声か大声か」の二択から解き放ちます。

2026年のロクデナシ公演で歌うにんじんのシルエット — 2026年のロクデナシ公演で歌うにんじんの姿。
画像出典：Real Soundの公演写真

「煩悩」では、伴奏と一緒に熱くなりすぎない

強い声と繊細な声の間には、もう一つ違う組み合わせがあります。
「煩悩」は、うねるベースと手拍子を中心とする電子的な伴奏の曲です。
同じ全曲評で小町は、そこへ乗る歌声の無機質な印象に注目しました。
伴奏が体を動かしたくなる勢いを作っていても、歌まで同じように感情を大きく振り回すとは限らないのです。

2026年4月17日のKanadevia Hall公演のレポートでも、ダンス曲の一群には、安定した歌声と不穏なサウンドの組み合わせがあると記されています。
伴奏と歌の性格が少しずれることで、曲には落ち着かなさや引っかかりが生まれる。
ここを「迫力のある曲だから力強く歌う」とまとめると、両者の関係が見えなくなってしまいます。

その公演では「Happiness Umbrella」の、笑みを感じさせる歌声も取り上げられました。
歌い手は呼吸に肩を揺らし、両手をリズムに委ねていたといいます。
「脈拍」で息の細やかさを聴かせる姿と、リズムの中で明るさを開いていく姿。
声だけを切り取るより、伴奏や歌う身体と一緒に考えると、にんじんが曲ごとに変えている表情がはっきりします。